Cuando el amor y el desamor entre varones se vuelve canción

Con el refinamiento poético y escénico que caracteriza a la dupla Emiliano Samar–Francisco Pesqueira, "Víctor, vení a buscar los discos. Un espectáculo de boleros. Ponele" se instala con fuerza en el corazón de los espectadores desde el primer bolero, desde esa primera confesión cantada.

La historia parte desde una herida: Juan acaba de ser dejado por Víctor, su pareja durante treinta años. Desbordado por la tristeza comienza su relato como si quisiera exorcizar el dolor y desde ahí el espectáculo propone una travesía sensible y a la vez filosa por los meandros de ese duelo, del desamor, del desandar de lo cotidiano, de la fuerza memoria compartida y de los discos —sí, los discos— como testigos del amor y del abandono.

Francisco despliega, una vez más, su oficio de narrador emocional: su voz, su cuerpo y su humor están al servicio de una dramaturgia que no busca el golpe bajo, sino la belleza melancólica. La dirección de Emiliano es suave y profunda a la vez. Como queriendo que su batuta no se note. La música —boleros, tangos, canciones elegidas con precisión quirúrgica— no acompaña: dice, narra. Y en la interpretación en vivo de Pepo Lapouble y Federico Razetti, la escena se expande, se abraza a lo íntimo y se vuelve rito.

"Víctor, vení a buscar los discos. Un espectáculo de boleros. Ponele" es teatro-canción, es relato confesional, es un grito callado y un alarido íntimo que resuena en quienes alguna vez amaron, perdieron y sobrevivieron -amamos, perdimos y sobrevivimos-. 

Es también —y esto no es menor— un espectáculo sobre el amor y el desamor en el colectivo LGTB, algo todavía poco frecuente en la escena porteña. Una propuesta delicada, honesta y conmovedora. Una invitación a mirar el amor entre varones con profundidad, respeto y lirismo. Y también, claro, a reír, porque del dolor también brota la ironía que salva, la carcajada que sana.

Stella Matute

Tenerte al tanto
EDIT divulgo teatro

"VÍCTOR, VENÍ A BUSCAR LOS DISCOS"
Texto: Emiliano Samar y Francisco Pesqueira
Intérprete: Francisco Pesqueira
Músicos en escena: Pepo Lapouble y Federico Razetti
Dirección musical: Pepo Lapouble
Dirección general: Emiliano Samar

PATIO DE ACTORES
Lerma 568
Teléfono: 4772-9732
Domingo - 16:30 hs - Hasta el 29/06/2025

El corazón del mundo late en todos los cuerpos

Un hombre camina todas las noches por una misma vereda. De pronto, un golpe. El cuerpo cae… pero antes de tocar el suelo, estalla, se disgrega en la posibilidad de ser muchos, de ser otros, de ser todos. De eso habla “El corazón del mundo”, el unipersonal protagonizado por Guillermo Angelelli con dirección de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito, y dramaturgia del siempre agudo Santiago Loza.

La propuesta inquieta y fascina. ¿Cuántos somos dentro de nosotros mismos? ¿Cuántas vidas se esconden en una sola vida? ¿Podemos, en un instante, encarnar a la humanidad toda? Las preguntas resuenan en esta pieza de alto impacto sensorial, visual y emocional. El cruce con La última tentación de Cristo de Scorsese —aquella escena final donde en un solo segundo el Cristo de Kazantzakis imagina otra vida posible, más humana, menos divina, más habitable— aparece como una referencia inevitable pero inversa. Aquí, ese segundo antes del fin se expande en múltiples dimensiones, en un juego tan metafísico como teatral.

Guillermo Angelelli sostiene con solvencia y sensibilidad este viaje multi fragmentado. Su cuerpo, su voz, sus transiciones mínimas, lo convierten en una criatura escénica única y angelada. En algunos tramos, el uso intensivo de proyecciones holográficas, si bien suman al universo estético y potencian cierta atmósfera onírica, puede acotar por momentos el espacio de imaginación del espectador y -sobre todo- del actor, cuyas posibilidades expresivas —enormes y descomunales— podrían haber brillado aún más sin tanta intervención tecnológica. No lo digo como crítica, sino como anhelo.

La excelencia del equipo y la belleza inquietante del texto hacen de esta obra una experiencia valiosa, provocadora. El corazón del mundo se pregunta por lo esencial: ¿somos sólo esto que somos? ¿O, en el fondo, somos también lo que no llegamos a ser, lo que fuimos, lo que otros fueron, lo que aún podemos llegar a imaginar?

Stella Matute
Tenerte al Tanto
EDIT, divulgo teatro

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autor: Santiago Loza

Actor: Guillermo Angelelli

Diseño de luces: Ricardo Sica

Dibujo del afiche: Matías Iván Delgado

Realizador de la pantalla Pepper Ghost: Cristian Matías Amaya

Asesoramiento visual: Paula Cotton, Sebastián Zavatarelli y Fede Castro

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Producción general: Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito

Dirección: Lautaro Delgado Tymruk

TEATRO DEL PUEBLO

Lavalle 3636 – Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Teléfono: 7542-1752

Entradas: en boletería del teatro o por Alternativa Teatral

Funciones: Lunes 20:00 horas – Del 05/05/2025 al 30/06/2025

REIR PARA NO OLVIDAR: LA VALENTÍA DE "ALEJANDRA"

“Alejandra”, el espectáculo que Martín Rechimuzzi presenta con gran éxito en el Teatro El Nacional, es un acto de coraje, una apuesta a la ventura. Un salto sin red sobre las heridas de la locura, la política, el cuerpo y la risa. Rechimuzzi, con su instrumento expresivo afinado hasta el estremecimiento, nos invita a entrar en mentes que deliran, aman, teorizan, arden y se parten. Y lo hace con una gracia que conmueve, una profundidad que interpela y una precisión que asombra.

Desde el humor —tan inteligente como brutalmente hilarante—, logra desmontar discursos, cuestionar mandatos, tensar los hilos del poder y de la psiquis sin jamás perder la ternura. Hay en su Alejandra una mirada ideológica profundamente lúcida, pero jamás panfletaria. Una sutileza para instalar el pensamiento en medio del delirio, como si el cuerpo habitado por esa criatura tan suya, tan nuestra, supiera danzar sobre los escombros de la razón sin perder la poesía ni el filo.

Martín se entrega con riesgo y sin red. Se permite mutar, adaptar, desbordar, improvisar. Su ductilidad escénica es prodigiosa: cada gesto, cada inflexión, cada silencio, están al servicio de algo mayor. Y ese algo mayor es la posibilidad de mirar lo inmirable —la locura, el dolor, la angustia, la opresión— sin desviar la vista… y riéndonos. Porque sí: “Alejandra” nos hace reír. A carcajadas. Pero también nos ablanda el alma, nos humedece la mirada, nos vuelca el corazón. Y nos recuerda que el humor, cuando nace del amor y del pensamiento, es una herramienta poderosa para sensibilizar y transformar. 

“Alejandra” es un regalo necesario. Un cuerpo como manifiesto con la risa como arma. Una sutileza ideológica y un desborde escénico. Una joya irreverente y luminosa en estos tiempos de sombras.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

“Rumbo a Peor” o la valentía de sumergirse en el abismo

En “Rumbo a Peor”, Pablo Finamore nos regala una vivencia escénica tan provocadora como hipnótica. Actuado, dirigido y traducido por él mismo a partir del texto Worstward Ho! de Samuel Beckett, el espectáculo es, sin dudas,  un acto de coraje artístico pocas veces visto en nuestros escenarios. No se trata de “representar” un texto, sino de sumergirse en él hasta que las palabras se vuelvan carne, ritmo, respiración.

Pablo Finamore —uno de nuestros más grandes actores argentinos de su generación— se entrega a un lenguaje despojado de ornamento, austero y rotundo, que no pide ser comprendido desde la lógica, sino sentido desde el hueso. Su voz, su cuerpo, su mirada construyen una partitura precisa donde la emoción nace del ritmo, de la cadencia, de la obstinación de Beckett por decir lo indecible: lo humano.

Este unipersonal no se transita como un espectáculo convencional. Es un desafío  sensorial y filosófico que exige (y recompensa) la entrega del espectador. “Rumbo a Peor” no busca gustar, busca estremecer, interpelar. Y Pablo elige -una vez más- el riesgo. Elige hundirse en lo profundo de un texto casi imposible y salir de él no solo airoso, sino iluminado.

La iluminación de Leandra Rodriguez multiplica y reafirma la belleza de lo minimalista. 

Hay que tener mucho oficio, mucha valentía y una profunda fe en el teatro para emprender semejante travesía. Pablo lo hace, como siempre, con generosidad y talento. Y nos invita —a quienes lo seguimos y disfrutamos siempre— a perdernos con él en ese mar de palabras donde tal vez no haya respuestas, pero sí un atractivo innegable.

Una joya en bruto. Una experiencia brutal.

Stella Matute
Tenerte al Tanto
Edit, divulgo teatro
Mayo, 2025

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autor: Samuel Beckett

Traducción: Pablo Finamore

Actor: Pablo Finamore

Diseño sonoro: Nicolas Diab -Mux-

Realización de vestuario: Daniela Catz

Diseño De Iluminación: Leandra Rodríguez -Adea-

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Dirección: Pablo Finamore

 

MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535 – CABA
Teléfonos: 1144244618
Domingo - 20:00 hs - Hasta el 22/06/2025

PREMIOS, VANIDADES Y VERDAD ESCÉNICA: "Alga Ladina (el premio que faltaba)", entre risas y crítica

En Alga Ladina (el premio que faltaba), el talento maduro de Carlo Argento, Claudio Pazos y Francisco Pesqueira brilla con una potencia que solo puede dar el tiempo compartido, la complicidad artística y la obstinación por seguir creando. Son 23 años de recorrido los que respaldan este espectáculo, y se nota. Se celebra. Se agradece.

Escrita con sabiduría por los tres, dirigida con precisión y vuelo por Argento e interpretada con desparpajo, gracia y hondura por Pazos y Pesqueira, la obra se despliega entre el humor, la ironía y la ternura, para construir una crítica afilada y festiva a la hipocresía del mundo del espectáculo, especialmente el de las entregas de premios. Allí donde se mezclan egos, simulacros y vanidades, este espectáculo clava su mirada sin perder jamás la risa ni la humanidad y recorre con inteligencia los complejos pliegues de lo social, lo íntimo y lo absurdo. Las escenas se suceden con ritmo ágil y con esa ductilidad escénica que no subestima jamás al espectador. Hay crítica, hay desfachatez, hay disrupción, pero sobre todo hay verdad y profundidad. Porque la risa, cuando nace del talento, también puede ser una forma de resistencia.

Alga Ladina (el premio que faltaba) es una apuesta generosa. Un acto de fe en el teatro como territorio de preguntas, de juego y de riesgo. Pazos y Pesqueira se entregan con talento, gracia y precisión a una galería infinita de personajes que se bifurcan entre lo patético y lo poético, entre lo grotesco y lo entrañable. Y lo hacen con esa maestría que solo da el oficio, el trabajo constante y el amor al escenario.

Todo el equipo técnico artístico colabora para que todo brille. El vestuario y la escenografía de Alejandro Mateo, las pelucas de Myriam Manelli, la música de Pepe Lapouble, son de una meticulosidad y un cuidado acertadísimos. 

Alga Ladina (el premio que faltaba) es un gran espectáculo de humor y también es un manifiesto social, vital y artístico. Una celebración de lo que fueron, lo que son y lo que, con suerte para el público teatral, seguirán siendo: una compañía imprescindible en el mapa del teatro independiente porteño.

Stella Matute
Tenerte al Tanto
EDIT, divulgo teatro

Ficha artístico técnico: 

Autoes: Carlo Argento, Claudio Pazos, Francisco Pesqueira

Actores: Claudio Pazos, Francisco Pesqueira

Voz en Off: Gabriela Radice

Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Realización de pelucas: Myriam Manelli

Música original: Pepo Lapouble

Diseño de iluminación: Carlo Argento

Asistencia de escenario: Cholu Dimola

Asistencia de dirección: Facundo Darío Altonaga

Producción: Carne De Crítica

Coreografía: Carlo Argento

Dirección:Carlo Argento

TEATRO HASTA TRILCE

Maza 177 CABA

Sábado - 17:00 hs - 

Perón en Caracas: el regreso de una voz que nunca calla

 

En esta segunda temporada de “Perón en Caracas”, el texto feroz y necesario de Leónidas Lamborghini —versión y dirección de Guillermo Ghio— encuentra, una vez más, un cuerpo ardiente y presente en Marcelo Rodríguez. Él es quien se anima a decir, a mirar de frente, a encarnar al General con la humanidad y la contradicción que el exilio acentúa: Perón solo, dolido, rencoroso, tierno a veces, lúcido siempre. Como si el exilio fuera también una forma de la memoria.

Los textos de Lamborghini no pierden filo. Más bien lo agudizan. En esta Argentina siempre al borde de olvidarse a sí misma, escuchar hoy estas palabras es una forma de resistencia. Porque el espectáculo no se queda en la anécdota del líder en su lecho extranjero, sino que despliega una radiografía poética, política y emocional de un país partido en dos, de una historia que aún nos atraviesa.

Lejos de la austeridad, la puesta en escena construye un universo cargado de significantes: escritorio, sillón, espejo, piano, ventilador, diarios, mesa, una radio que parece traer ecos del pasado y con la que se puede conversar. Todo habla, todo dialoga con ese Perón que piensa, recuerda, se amarga, se indigna, ama y odia. Un Perón humano, muy humano, lejos del bronce que el líder nos propone. Y al mismo tiempo, mito vivo.

Y Rodríguez... ¿es Marcelo o es Perón? La pregunta se impone. Porque hay algo que se encarna más allá de la imitación. ¿Será que Perón, ese animal político tan inasible como omnipresente, se cuela y sigue colándose por los intersticios del teatro y de la carne? Tal vez no se trate de una caracterización, sino de una posesión. ¿Es mérito del actor o del mismísimo Perón?

“Perón en Caracas” es, sin dudas, un homenaje profundo al peronismo, a sus fantasmas, a sus glorias, a sus heridas siempre abiertas. Y sobre todo, una reivindicación de la memoria. Porque solo la memoria impide que nos devore el olvido. Y porque, a veces, recordar es volver a luchar.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT divulgo teatro

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autoría: Leónidas Lamborghini
Versión Escénica: Guillermo Ghio
Actúa: Marcelo Rodriguez
Vestuario: Marcela Basso
Diseño De Proyección: Julián Cavero
Diseño de luces: Tamara Josefina Turczyn
Música original y diseño sonoro: Rony Keselman
Realización de video y fotografía: Ignacio Verguilla
Asistencia de dirección:Iranda Acosta Toloza
Prensa y producción ejecutiva: Adriana Yasky
Dirección general: Guillermo Ghio

ITACA COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 - CABA
Viernes 20.30 hs. 

"JUNIO 16": cuando el teatro no olvida

En estos tiempos en los que la memoria parece andar a la deriva, JUNIO 16 irrumpe en su segunda temporada como un acto de resistencia, valentía y profundo amor por la verdad histórica. El espectáculo recupera, con una sensibilidad punzante, el trágico 16 de junio de 1955, cuando aviones de la Fuerza Aérea Argentina bombardearon Plaza de Mayo. “Maten a Perón” fue la orden, pero dejaron centenares de civiles muertos y heridos, sembrando el terror que veinte años más tarde germinaría en horror. Bombardearon al propio pueblo. Y el pueblo, como tantas veces, fue víctima, testigo y oposición.

En el marco de nuestro teatro independiente, trinchera de libertad y coraje, esta obra se atreve a hablar de un hecho que todavía sangra, que muchos prefieren ocultar o minimizar. Y lo hace con honestidad brutal. Con un texto sensible de Selva Palomino y una puesta en escena –a cargo de Raquel Albeniz– despojada, cruda, sin artificios, que permite que lo esencial —la tragedia, el dolor, la resistencia— llegue directo al corazón del espectador.

Las cuatro actuaciones –Paola Fontana, Susana Machini, Mariano Monsalvo y Federico Poncerini- sostienen con garra y entrega absoluta un entramado de pequeñas tragedias dentro de la gran tragedia nacional. Son voces que se levantan entre los escombros, cuerpos que no olvidan, desgarros en el desgarro, memorias que se niegan a desaparecer. Cada una de esas voces representa una herida abierta, pero también una forma de resistencia frente al olvido. 

La música de Rolando Vismara es un personaje más. 

“JUNIO 16” es una advertencia, una súplica, un grito que nos recuerda que no hay futuro posible sin memoria. Y que el teatro, cuando decide ser testigo y no cómplice, puede convertirse en el lugar donde las ausencias se nombran, y donde las verdades, aunque duelan, encuentran su lugar en escena.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT divulgo teatro

Ficha artístico técnica:

Autora: Selva Palomino
Elenco: Paola Fontana, Susana Machini, Mariano Monsalvo, Federico Marcelo Poncerini
Artista Visual: Rubén Sassano
Escenografía: Daniel Hernandez
Diseño de luces: Mariano Monsalvo
Música: Rolando Vismara
Asistencia de dirección: Facundo Darío Altonaga
Prensa: Silvina Macri
Dirección: Raquel Albeniz

TADRON TEATRO
Niceto Vega 4802 - CABA
Domingo - 20:30 hs 

"EL ACOMODADOR, MEMORIAS DE UN OFICIO": Un hermano en escena, una vida en el teatro

“EL ACOMODADOR, memoria de un oficio” es un acto de amor al teatro, a la memoria, a los oficios invisibles, y a una vida dedicada enteramente a ese universo que llamamos escenario. Alfredo Martín escribe y dirige con sensibilidad una partitura perfecta para que Marcelo Bucossi, mi hermano elegido, despliegue con generosidad su historia y la de tantos. Lo hace desde la piel de un acomodador que está por jubilarse, pero también desde muchos de los textos y personajes que lo habitaron durante los últimos 50 años de amor al Teatro Independiente. Sí, Marcelo este año ha cumplido medio siglo en la actividad teatral.

Marcelo es, además, el padrino de mi hijo, el “tío” sin lazo de sangre pero con un vínculo tan profundo como el que más. Por lo que esta vez tampoco seré objetiva. No puedo ni quiero serlo. Verlo ahí, con su entrega intacta, con su oficio afilado como en sus mejores noches, me emocionó hasta los huesos. Su presencia en escena es conmovedora: sobria, vital, sabia. Su voz, su cuerpo, su mirada saben exactamente qué decir y cuándo hacerlo.

Lo acompaña Rosana López con una delicadeza encantadora, subrayando con ternura y precisión cada pasaje de esta travesía íntima. La puesta es sencilla, como deben ser los homenajes verdaderos: sin estridencias, sin subrayados innecesarios. Porque todo está ahí: la vida, el teatro, la amistad, la vocación, la pasión sostenida.

El espectáculo se estrenó en el Teatro Payró, un lugar profundamente simbólico. Allí, el próximo 5 de agosto, se cumplirán 40 años del estreno que compartimos juntos: “De cómo el Sr. Mockinpott logró liberarse de sus padecimientos”, de Peter Weiss. Verlo volver a ese escenario con esta obra es cerrar un círculo con emoción y abrir un espiral de gratitud.

Este homenaje no solo celebra a Marcelo Bucossi y sus 50 años de trayectoria: celebra a todos los que sostenemos el teatro con pasión silenciosa y alaridos de esfuerzos y gratificaciones. Y para mí, disfrutarlo9 ahí, tan Marcelo como siempre, es también confirmar que el amor —por el arte, por los amigos, por la familia del alma— también deja huella en las butacas. Y, por supuesto, en el corazón.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT, divulgo teatro

Autor y director: Alfredo Martín

Actúan: Marcelo Bucossi, Rosana López

Vestuario y escenografía: El Paraíso

Diseño de luces: Sebastian Benitez, Alfredo Martín

Música original: Quique Sosa

Asistencia de dirección: Milagros Previgliano

Prensa: Paula Simkin

Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera

Dirección: Alfredo Martín

SÁBADOS 20 hs. 
Teatro Payró - San Martín 766 - CABA 

"VESTIDO DE MUJER": un canto de amor, belleza y memoria

 

Hay espectáculos que una espera con el corazón abierto. Que se cruzan con otros amores, con otras épocas, con amistades, con risas y lágrimas compartidas en camarines, con la emoción en la piel desde que se llega a la sala teatral. “Vestido de mujer”, de Francisco Pesqueira y Emiliano Samar, es uno de esos. Y aunque se estrenó el año pasado, recién ahora pude llegar. Y llegué 5000 domingos más tarde, sí, pero conmovida como si fuera un estreno.

Siete mujeres sobre el escenario. Actrices, cantantes, bailaoras. Siete fuegos distintos y complementarios. 

Y siete más, llamaradas antiguas y eternas, que no se extinguen y son avivadas en esta fogata teatral. 

Siete actrices. Cada una brillando con su luz propia, y entre todas encendiendo ese universo donde la palabra, la canción, el gesto y el silencio se abrazan. Como si cada fragmento de este concierto teatral bordara un mantón de recuerdos y luchas, de amores vividos y por vivir.

La única presencia masculina en escena es la de Martín Tello, que desde el piano acompaña como si tejiera música con hilos de aire. Su delicadeza sostiene, envuelve, potencia. Como un susurro cómplice.

La dirección de Emiliano Samar es, como siempre, de una delicadeza extraordinaria. Hay una precisión amorosa en cada cuadro, en cada transición, en cada pausa que permite respirar, emocionarse, pensar, reír y volver a emocionarse. Y los textos —con esa firma tan reconocible de Pesqueira— vibran con ternura, con memoria, con coraje. La sensibilidad toda de Francisco está embellecida por esa trama. Todos sus “vestidos de mujer” están expuestos en ese noble perchero de música, voces, movimientos, risas y lágrimas.

No soy objetiva. No puedo ni quiero serlo. Porque ahí también vibra, como un eco querido, nuestro entrañable “Bájame la lámpara (concierto de palabras)”. Y la presencia de Miriam Martino en la platea trajo con la fuerza del viento a su/nuestra amada Lidia Catalano sobrevolando en aquella Carmen, cocinera de Alfonsina.

Paula Basalo, Valeria Guadalupe D´aniello, Ana Padilla, Claudia Pisanu, Jazmin Rios, Yamila Ulanovsky, Gabriela Villalonga… Y con ellas Chavela Vargas, Frida Khalo, Alfonsina Storni, Lola Flores, Carmen Amaya, Cris Miró, Camille Claudel, Rafaela Carrá, Rosa Parks, Camila O´Gorman… 

Y en nosotras tantas otras…  Éramos ahí un centenar de mujeres. Todas encendidas. Todas en una. 
“Todas en mí.”

Sin dudas, la belleza  cuando se comparte, se multiplica.

Gracias por este vestido que viste. Por el arte que abriga. Por el teatro que cura. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autores: Francisco Pesqueira, Emiliano Samar

Actrices: Paula Basalo, Valeria Guadalupe D´aniello, Ana Padilla, Claudia Pisanu, Jazmin Rios, Yamila Ulanovsky, Gabriela Villalonga

Poesía: Francisco Pesqueira

Músico en vivo: Martin Tello

Diseño de vestuario: Sandra Li

Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo

Diseño De Iluminación: Malena Miramontes Boim

Fotografía: Gianni Mestichelli

Asistencia de dirección y técnica: Nuria Dieguez, Eunice Medina Suarez

Prensa: Paula Simkin

Dirección: Emiliano Samar

PATIO DE ACTORES

Lerma 568 - Capital Federal

Domingo - 18:30 hs - Hasta el 20/04/2025

FICCIÓN O DESAPARECER

Apuntes a partir de una performance política
de Marianella Morena, realizada en Montevideo

Paula Cohen y parte del elenco
escuchando a la directora, Marianella Morena

¿Es posible hacer esto hoy, en Buenos Aires? ¿Cómo reaccionaría la gente en la calle ante una actriz -Paula Cohen- acompañada por una coralidad social de veinte mujeres y una abogada que representa a La Ley?

Hacer teatro en el espacio público abre la puerta a lo imprevisto. El contacto directo con quienes transitan, sin la mediación de la cuarta pared, es imponente. En este caso, soy una de las performers que acompañan a la actriz que lidera la acción dramática y presenta la trágica historia de Olympe de Gouges. Parada en la vereda del Teatro Solís de Montevideo, junto a otras mujeres de lo más diversas, donde se representa la obra, me resulta imposible no pensar en qué pasaría si esta propuesta se realizara del otro lado del Río de la Plata, en mi ciudad. 

La acción dramática surge de una Residencia que se hizo a lo largo de una semana, en jornadas de cuatro horas diarias y que convocó a mujeres con y sin formación escénica para ser parte de la experiencia.

Olympe fue autora de la Declaración de los Derechos de la Mujer y fue arrestada el 20 de julio de 1793, para ser decapitada en Francia. Esto ocurrió unos años después de la toma de la Bastilla, en medio del caos del primer período de la Revolución Francesa. Había desafiado las convenciones y los poderes de su época desde su labor como dramaturga y activista política.

En escena, en la explanada del querido Solís, una actriz representa a aquella mujer que discute con la Ley -Gianella Bardazano-. Junto a ella, una grupalidad femenina: una extensión, un eco, una réplica de Olympe de Gouges. Lo teatral se ensancha y se expande, incorporando lo documental, lo testimonial y lo jurídico, con sus respectivas representantes.

Una catarata de preguntas invade mi mente: ¿qué cuerpos tienen hoy “permitido” ocupar el espacio público en Buenos Aires? ¿Qué sucede cuando el teatro irrumpe en lo cotidiano, cuando la representación aparece en medio del tránsito habitual?

Cuando el teatro sale a la calle, desarma jerarquías, borra los límites entre la ficción y lo real. Se expone al riesgo, a la indiferencia, al conflicto. ¿Cuáles son las diferencias y similitudes que podrían darse desde la recepción en cada ciudad? Responder esa pregunta es casi utópico, porque en este momento esto no está ocurriendo en dos ciudades, sino sólo en una. Entonces pienso: ¿a quiénes interpela este tipo de experiencias?

Y ahora sí puedo intentar una pequeña respuesta. Durante los ensayos sucedieron cosas maravillosas. Una mujer se acercó a abrazar a la protagonista. Le agradeció por hacer esta performance y le dijo que haberla visto le daba sentido a su día, y a mucho más. Varios se solidarizaron con la historia de Olympe; otros se horrorizaron. Observé todo eso y pensé en cada vez que nos preguntamos cómo convocar al espectador. ¿Qué lo diferencia de las y los transeúntes? ¿Quiénes se detienen a mirar? ¿Serán los mismos seres ya entrenados como espectadores teatrales? La respuesta es no. La diversidad de miradas se amplía, lo mismo que las interpretaciones y reacciones. Y es porque el teatro se vuelve una fiesta en la que hay más invitados.

Los cuerpos son leídos de un modo diferente cuando irrumpen en el espacio público. La performance frente al Solís propone una escena organizada, cargada de tensión política y emocional.

¿Una mujer hablando en la calle es, todavía hoy, un gesto disruptivo si lo hace en nombre de otra mujer, asesinada por decir, escribir e intervenir? Supongo que no, que por suerte los siglos (y las reivindicaciones ) que nos separan de ese momento cambiaron el foco, y que lo que resuena hoy es ver al colectivo. En esa tensión entre ficción y realidad se vuelve visible la lucha de Olympe, que no terminó. Se trata de rescatar, aunque sea por un momento, sus reivindicaciones y no dejarlas hundirse en el olvido.

Y entonces, la pregunta inicial se transforma. Ya no se trata solo de imaginar si esto podría hacerse en Buenos Aires, sino de preguntarnos: ¿qué necesitamos poner en escena hoy? ¿Qué historias reclaman ser contadas en el espacio público? ¿Qué urgencias pide el teatro visibilizar? ¿Qué cuerpos, qué voces, siguen siendo silenciadas o desplazadas? ¿Qué sucede cuando el arte toma la calle sin pedir permiso? ¿Desde dónde se construye una ficción que interpele? ¿Qué lenguajes escénicos pueden intervenir en una ciudad saturada de estímulos?

No tengo idea de cuáles son las respuestas correctas. Lo que sí sé es que el teatro nos transforma; permite hacer foco en aquello que pasa desapercibido, y que no desaparezca en el mar de estímulos que nos rodea.

Paula Simkin

Marzo, 2025

Ficha técnica

Actriz: Paula Cohen

La abogada: Gianella Bardazano

Espacio: Ivana Domínguez

Asistencia de dirección: Thamara Martínez

Producción: Maite López

Texto y dirección: Marianella Morena

Participan
Adela Pérez, Agustina Tubino, Luana Sabidussi Godoy, Carolina Martínez, Cinthya Brown, Ihasa Tinoco, Laura Smart, Lessia Alzamendi García, Leticia Barrios, Jorgelina Valmarrosa, Ligia García, Virginia Recagno, Violeta Mallet, Patricia Fry, Paula Piedrabuena Cuebas, Paula Simkin, Samantha Nascimento, Sofía Elena Rodríguez Arrillaga, Sofía España, Trinidad Perciballe.

"OPERETA DE LOS BANDOLEROS": ENTRE EL MITO Y LA REALIDAD, UN ESPECTÁCULO ARROLLADOR

 

Es imposible pensar un mejor lugar que el Teatro del Pueblo para el estreno de la “Opereta de los bandoleros", una audaz adaptación de Claudio Gallardou sobre una novela del entrañable historiador Hugo Chumbita. Con un texto en verso que fusiona cadencia y rima, la obra convierte la historia de los tres bandoleros rurales más conocidos en la Argentina - Juan Bautista Vairoleto, Segundo David Peralta, “Mate Cosido” y Eusebio Zamacola “el Vasco”-  en un relato tan provocador como fascinante. Bajo la dirección de Gallardou, el espectáculo trasciende la narración tradicional y se instala en un territorio donde la épica y la farsa conviven con la mitología popular.

Uno de los mayores aciertos de la puesta es la manera en que el Director decide contar esta historia. El uso de la música como hilo conductor, folklore bien nacional, y la precisa coreografía de los actores generan un clima envolvente que sitúa al espectador en la década del 30, en un encuentro clandestino de bandidos, anarquistas y masones en la logia de Barracas. La dirección no es solo un riguroso relato en lo histórico, sino que también se permite licencias estéticas que potencian el carácter vibrante de la obra.

El elenco brilla en conjunto, pero es imposible no destacar la labor de Omar Lopardo. Con una presencia imponente y un dominio absoluto del verso y de la escena, su interpretación se convierte en el eje emocional de la obra. Lopardo no solo recita con precisión, también canta, baila, toca la guitarra, y dota a su personaje de una hondura que lo eleva por encima del simple arquetipo de una actuación. Su trabajo, versátil y matizado, es el punto más alto de una obra que exige talento en múltiples disciplinas. Gonzalo Alvarez, Flor Cappiello, Brenda Chi, Beni Gentilini, Federico Justo, Carlos Ledrag y Luciano Medina se desenvuelven con talento y se amoldan con facilidad a las exigencias que el espectáculo propone y a los diferentes personajes que deben interpretar. El guitarrista Jorge Mobili, en escena, acuna con precisión los diferentes climas. Todo el equipo artístico y técnico acompaña y sostiene como un mecanismo de relojería para que todo brille.  

En definitiva, “Opereta de los bandoleros” es una celebración teatral en la que la historia y la leyenda se abrazan con elegancia y rebeldía. Una historia que nos deja en claro que no siempre “los de azul son los buenos”. Y un espectáculo que confirma el virtuosismo de Gallardou como director y sitúa a Lopardo en un papel inolvidable.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Ficha artístico técnica:

Autor: Hugo Chumbita

Versión: Claudio Gallardou

Elenco: Gonzalo Alvarez, Flor Cappiello, Brenda Chi, Beni Gentilini, Federico Justo, Carlos Ledrag, Omar Lopardo, Luciano Medina, Jorge Federico Mobili

Diseño de vestuario: Ropería Teatral

Realización escenográfica: Fernando Díaz, Analía Schiavino

Música: Pablo Giangrante, Gustavo Maturano

Diseño De Iluminación: Damian Monzon

Asistencia de dirección: Nicolás Concilio

Prensa: Paula Simkim

Preparador Vocal: Soledad Argañaraz

Arreglos musicales: Manuel Pérez Vizán

Producción ejecutiva: Omar Lopardo

Coreografía: Soledad Argañaraz

Dirección general: Claudio Gallardou

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 CABA
Domingo - 20:30 hs - Hasta el 27/04/2025

UN SHAKESPEARE BUFONESCO QUE DESBORDA TALENTO - MEDIDA POR MEDIDA (LA CULPA ES TUYA)

 

Yo que suelo "llegar siempre tarde donde nunca pasa nada", esta vez llegué tarde donde siempre pasa todo. Y todo bueno. El espectáculo se estrenó hace mucho y me habían hablado maravillas. Pero yo pude ir recién ahora. Y este equipo siempre sorprende por lo más. Nunca defrauda.

Gabriel Chame Buendía toma Medida por Medida, esa obra shakespeariana que oscila entre la comedia y el drama moral, y la convierte en un torbellino escénico tan hilarante como feroz. Su adaptación -La culpa es tuya-  no solo respeta la esencia del original, sino que la potencia con esa estética bufonesca y ritmo arrollador a los que este grupo nos tiene acostumbrados. Aquí, el poder y la hipocresía se exponen sin filtro, en un despliegue actoral, físico y circense de altísimo nivel.

El elenco es una máquina perfectamente aceitada. Matías Bassi, Nicolás Gentile, Elvira Gómez, Marilyn Petito y Agustín Soler encarnan con virtuosismo personajes que se debaten entre el deseo, la justicia y la moral impuesta. Los cuatro se reparten el protagonismo, y cada uno brilla con luz propia. Bassi es magnético, con una presencia que atrapa. Gentile se deslumbra con su precisión y energía. Gómez maneja el humor y la intensidad con destreza. Petito, con su expresividad, le da hondura y comicidad a cada intervención. Y Soler aporta un contrapunto perfecto, con un trabajo físico impecable.

La dirección de Chame Buendía apuesta al exceso bien dosificado: hay payaso, hay farsa, hay magia, hay texto clásico y hay irreverencia. Todo convive en un juego escénico que fluye con naturalidad y que no da respiro.

Salir de esta función es recordar por qué el teatro sigue siendo ese espacio donde la risa y la reflexión se encuentran. Tarde, pero llegué. Y como decía mi abuela, “más vale tarde que nunca”. Y vaya si valió la pena de esa espera.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Ficha artístico técnica

Autoría: William Shakespeare

Adaptación y traducción: Gabriel Chame Buendia

Actúan: Matías Bassi, Nicolas Gentile, Elvira Gomez, Marilyn Petito, Agustín Soler

Diseño de vestuario: Cecilia Allassia

Diseño de escenografía: Pastorino

Diseño sonoro: Gabriel Chame Buendia, Sebastián Furman

Diseño De Iluminación: Pastorino

Asistencia artística: Lorena Booth

Asistencia de escenario: Mariano Katz, Sebastian Tornamira

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción: Gabriel Chame Buendia

Edición Audiovisual: Malena Massat Fariña

Dirección: Gabriel Chame Buendia

TEATRO POLITEAMA ARGENTINO

Paraná 353 - CABA

Martes - 20:00 hs - Hasta el 25/03/2025

Viernes - 22:30 hs - Hasta el 28/03/2025

CUANDO EL TEATRO REVIVE LA HISTORIA PARA ILUMINAR EL PRESENTE - EL DEBATE

En tiempos donde el diálogo parece un bien escaso y la grieta un mal comun que se profundiza, EL DEBATE emerge como una propuesta teatral imprescindible. Bajo la interpretación magistral de Pepe Monje y Gabriel Rovito, el espectáculo reconstruye el histórico encuentro televisivo entre José Ignacio Rucci y Agustín Tosco, dos figuras antagónicas del sindicalismo argentino que, en 1973, lograron algo hoy casi impensado: debatir con firmeza, pero sin violencia.

Imagen de EL DEBATE - Espectáculo - 2025

 La puesta en escena nos traslada a aquella histórica transmisión televisiva, donde Rucci y Tosco confrontaron sus ideas con pasión, pero también con respeto mutuo. En una sociedad marcada por discursos que priorizan el agravio sobre el argumento, la obra no solo reconstruye un episodio clave de nuestra historia reciente, sino que interpela con fuerza el presente. No se trata de recrear un enfrentamiento, sino de reivindicar el debate político como herramienta para construir en vez de destruir.

Imagen documental del Debate real - 1973

Rovito y Monje son excepcionales. No solo capturan los matices ideológicos y temperamentales de Rucci y Tosco, sino que consiguen dotar de humanidad a sus personajes. Sus interpretaciones logran transmitir la intensidad y la convicción de aquel debate sin necesidad de exageraciones, permitiendo que las palabras y los gestos hablen por sí solos. Los acompañan un elenco sólido – Joselo Bella, Enrique Dumont, Miguel Core y Sebastián Dartayete– que contribuyen a la atmósfera de tensión y respeto, replicando con precisión el tono de la época.

Más que un ejercicio de memoria, EL DEBATE es un espejo en el que deberíamos mirarnos. A 50 años de aquel cruce televisivo, la obra nos recuerda que la política no es una batalla campal, sino un espacio de confrontación de ideas, donde la palabra es la verdadera protagonista.

Un espectáculo necesario, que emociona y moviliza. Ojalá el teatro siempre siga siendo este faro que ilumina en el pasado lo que el presente no debería olvidar.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT - Divulgo Teatro

Marzo, 2025

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Elenco: Pepe Monje, Gabriel Rovito, Joselo Bella, Miguel Core, Sebastián Dartayete, Enrique Dumont 

Escenografía: Lula Rojo 

Música original: Martín Bianchedi 

Libro: Manuel González Gil 

Asistencia de dirección: Mica Rivamar 

Dirección: Manuel González Gil

FUNCIONES:
Miércoles, jueves y viernes: 20 hs.

Sábados: 19.30 y 21 hs

Domingos: 19.30 hs.

MULTITABARIS
Av. Corrientes 831 - CABA 

muti

Collar de Perlas: Un viaje íntimo entre Brasil y la memoria

 

Patricia Rozas nos invita a un viaje musical y emocional con Collar de Perlas , un espectáculo ideado e interpretado por ella misma en el que el sensible acompañamiento de Joaquín Sanz en la guitarra suma belleza a la belleza.

En un viaje que va desde su adolescencia hasta el presente, la protagonista va desgranando su relación con la cultura brasileña, con su gente, con su música como estímulo  y su identidad como interrogante. ¿Cuánto de nosotros se construye a partir de los sonidos y las palabras que nos atraviesan? ¿Cómo se mezcla la memoria con la música? Rozas responde a estas preguntas desde la experiencia viva, con la cadencia de quien ha hecho del canto un modo de narrar y narrarse.

La puesta en escena es sencilla, sin artificios innecesarios, porque todo lo que importa está en la voz y en la guitarra. El repertorio, cuidadosamente seleccionado, fluye con naturalidad entre los relatos, logrando que cada canción no solo ilustre una anécdota, sino que la potencia y la transforma. Hay momentos de alegría, de melancolía, de celebración, y sobre todo, de una profunda autenticidad.

Al salir, queda en el aire la sensación de haber sido parte de algo íntimo y verdadero, como si cada espectador también llevara su propio collar de perlas: una serie de recuerdos enhebrados por canciones que, de un modo u otro, nos definen.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Cuando los asesinados buscan justicia o "LOS HABITANTES"

 

Hay obras que nos confrontan con lo más oscuro de la historia y, al mismo tiempo, iluminan el escenario con la esperanza de una reparación imposible. “Los Habitantes”, de Joselo Bella y Pedro Sedlinsky, es una de ellas.

Protagonizado por el primero y dirigido por el segundo, “Los Habitantes” es un espectáculo que transforma el teatro en un campo de batalla donde los muertos aún luchan por torcer el destino de lo injusto.

Vestido con un mameluco azul —símbolo de la clase trabajadora, emblema de resistencia y, paradójicamente, de la compañía teatral La Barraca de García Lorca—, Joselo Bella relata la convivencia entre los espectros de aquellos que fueron víctimas de algunos crímenes colectivos de la humanidad y los vivos que luchan en todos los tiempos por un mundo mejor.  Todo empieza en 1903 y por obra y gracia del relato audiovisual devenido en teatro sigue en 1936. Sí, Joselo y Pedro soñaron primero con una película y luego con una miniserie; pero un derrotero de frustraciones los llevó al lugar que más conocen: el escenario. Y vaya si salen airosos de esta arriesgada propuesta. 

Allí están Shemtov; Federico García Lorca; Antonio Machado, su hermano Manuel y su madre; Carmen Luna; Manolo, Miguel Angel y José Luis Justo –los Justos-;  González; Ruth; Milagros y quién sabe cuántos más que no vemos ni escuchamos pero que sabemos, claro que sabemos. Vivos y muertos todos juntos. Luchadores y asesinados todos juntos. Asesinos y justicieros todos juntos. Allí están los cosacos y los falangistas asesinos. Allí está la resistencia. Allí está la esperanza. Allí están las voces de los fusilados en la Rusia zarista, de los desaparecidos en la España franquista, de los masacrados en nuestra Plaza de Mayo en el ´55 y de los desaparecidos  en nuestra Patria Grande de las dictaduras del Plan Cóndor. Allí está el hoy.  Los nombres y las fechas cambian, pero la injusticia permanece, impune y voraz, repitiendo su espiral de exterminio.

El dispositivo escénico es austero, pero poderoso. Pedro Sedlinsky opta por un minimalismo que potencia el impacto del relato. Sin artificios, sin distracciones, todo se concentra en la palabra y en el cuerpo que se deja habitar por los fantasmas - por “los habitantes”- de este cuento sin fin. Fantasmas que no buscan venganza, sino justicia.

La obra no se detiene en la denuncia. Va más allá: propone la posibilidad de que los asesinados atraviesen el umbral de la muerte y tomen los cuerpos de los vivos para corregir la historia. ¿Y si el teatro fuera el espacio donde los caídos encontrarán voz y acción? ¿Y si la memoria pudiera más que el olvido?

Joselo Bella asume este riesgo con toda su sensibilidad a cuestas, ofreciendo una interpretación que trasciende lo individual para volverse un eco colectivo. “Los Habitantes” es, en última instancia, un acto de resistencia. Uno más de nuestro teatro independiente. Una puesta que recuerda que el horror no es solo un hecho del pasado, sino también injusticia de hoy, una herida abierta que atraviesa tiempos y fronteras. Pero también, una obra que deja en el aire una certeza inquietante: los muertos no descansan mientras la justicia sigue siendo una deuda impaga.

Stella Matute

Integrante de EDIT

Marzo, 2025

Ficha:

Autores: Joselo Bella y Pedro Sedlinsky

Actor: Joselo Bella

Iluminación: Leandro Orellano

Prensa: Daniel Franco

Dirección: Pedro Sedlinsky 

 

ESPACIO CALLEJÓN

Humahuaca 3759 CABA

Sábados - 16:30 hs

 

UN VIAJE AL CORAZÓN DE LA MENTE

En una bulliciosa estación de trenes, que puede ser Constitución o cual otra en cualquier ciudad capital del mundo, donde miles de vidas se cruzan sin mirarse, Emilia alza su voz. No es un grito ni un reclamo, es un relato. Un pedido entre susurrado y desesperado de ser escuchada. De ser vista como lo que es: una persona.  Cecilia Cósero se entrega con valentía a este unipersonal, dirigido con precisión y sensibilidad por Mateo Chiarino, para dar vida a una mujer con trastorno bipolar, un diagnóstico que la define pero, que ella considera, no la limita.

En una sucesión de episodios que oscilan entre la euforia, la tristeza profunda y la confusión de los días en los que nada parece tener sentido, "Encuentros en Constitución" nos sumerge en una realidad que suele permanecer en las sombras. La puesta en escena, austera pero efectiva, transforma el espacio en un reflejo del estado emocional de Emilia: una estación de paso, un lugar donde todo cambia pero nada se detiene.

Cecilia Cósero brilla en su interpretación. Con una entrega absoluta, construye un personaje lleno de matices, evitando caer en el estereotipo o la sobreactuación. Su mirada perdida en algunos momentos,  su risa desbordante en otros y el quiebre de sus relatos nos llevan de la mano por el vaivén de su mundo interior, generando empatía en cada palabra. Mateo Chiarino, desde la dirección, encuentra el equilibrio justo entre la crudeza del tema y la humanidad de la protagonista, permitiendo que la historia fluya con naturalidad y sin golpes bajos. El vestuario, la escenografía, las luces, colaboran con delicadeza y eficacia al desarrollo de esa obra escrita por Guillaume Vincent y traducida por Laura Pouso.

Hablar de salud mental en escena es un acto de valentía y de necesidad. Este unipersonal no solo visibiliza la complejidad del trastorno bipolar, sino que también nos interpela como sociedad: ¿Cuánto sabemos realmente de quienes viven con un diagnóstico psiquiátrico? ¿Cómo nos hacemos cargo colectivamente de esos seres que tanto nos necesitan?

Encuentros en Constitución además de un espectáculo recomendado es una experiencia que deja huella.

Stella Matute
Febrero, 2025
(Edit / Tenerte al Tanto)

EQUIPO ARTÍSTICO TÉCNICO:

Dramaturgia: Guillaume Vincent

Traducción: Laura Pouso

Actúan: Cecilia Cósero

Diseño de vestuario y escenografía: Gabriella Gerdelics

Redes Sociales: Tom CL

Realización de vestuario: Titi Suárez

Diseño De Iluminación: Antonio Leaman

Diseño gráfico: Pablo Vega

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Dirección: Mateo Chiarino

Duración: 60 minutos

ITACA COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027

Martes - 21:00 hs - Hasta el 25/03/2025 y Del 01/04/2025 al 29/04/2025