"VESTIDO DE MUJER": un canto de amor, belleza y memoria

 

Hay espectáculos que una espera con el corazón abierto. Que se cruzan con otros amores, con otras épocas, con amistades, con risas y lágrimas compartidas en camarines, con la emoción en la piel desde que se llega a la sala teatral. “Vestido de mujer”, de Francisco Pesqueira y Emiliano Samar, es uno de esos. Y aunque se estrenó el año pasado, recién ahora pude llegar. Y llegué 5000 domingos más tarde, sí, pero conmovida como si fuera un estreno.

Siete mujeres sobre el escenario. Actrices, cantantes, bailaoras. Siete fuegos distintos y complementarios. 

Y siete más, llamaradas antiguas y eternas, que no se extinguen y son avivadas en esta fogata teatral. 

Siete actrices. Cada una brillando con su luz propia, y entre todas encendiendo ese universo donde la palabra, la canción, el gesto y el silencio se abrazan. Como si cada fragmento de este concierto teatral bordara un mantón de recuerdos y luchas, de amores vividos y por vivir.

La única presencia masculina en escena es la de Martín Tello, que desde el piano acompaña como si tejiera música con hilos de aire. Su delicadeza sostiene, envuelve, potencia. Como un susurro cómplice.

La dirección de Emiliano Samar es, como siempre, de una delicadeza extraordinaria. Hay una precisión amorosa en cada cuadro, en cada transición, en cada pausa que permite respirar, emocionarse, pensar, reír y volver a emocionarse. Y los textos —con esa firma tan reconocible de Pesqueira— vibran con ternura, con memoria, con coraje. La sensibilidad toda de Francisco está embellecida por esa trama. Todos sus “vestidos de mujer” están expuestos en ese noble perchero de música, voces, movimientos, risas y lágrimas.

No soy objetiva. No puedo ni quiero serlo. Porque ahí también vibra, como un eco querido, nuestro entrañable “Bájame la lámpara (concierto de palabras)”. Y la presencia de Miriam Martino en la platea trajo con la fuerza del viento a su/nuestra amada Lidia Catalano sobrevolando en aquella Carmen, cocinera de Alfonsina.

Paula Basalo, Valeria Guadalupe D´aniello, Ana Padilla, Claudia Pisanu, Jazmin Rios, Yamila Ulanovsky, Gabriela Villalonga… Y con ellas Chavela Vargas, Frida Khalo, Alfonsina Storni, Lola Flores, Carmen Amaya, Cris Miró, Camille Claudel, Rafaela Carrá, Rosa Parks, Camila O´Gorman… 

Y en nosotras tantas otras…  Éramos ahí un centenar de mujeres. Todas encendidas. Todas en una. 
“Todas en mí.”

Sin dudas, la belleza  cuando se comparte, se multiplica.

Gracias por este vestido que viste. Por el arte que abriga. Por el teatro que cura. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autores: Francisco Pesqueira, Emiliano Samar

Actrices: Paula Basalo, Valeria Guadalupe D´aniello, Ana Padilla, Claudia Pisanu, Jazmin Rios, Yamila Ulanovsky, Gabriela Villalonga

Poesía: Francisco Pesqueira

Músico en vivo: Martin Tello

Diseño de vestuario: Sandra Li

Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo

Diseño De Iluminación: Malena Miramontes Boim

Fotografía: Gianni Mestichelli

Asistencia de dirección y técnica: Nuria Dieguez, Eunice Medina Suarez

Prensa: Paula Simkin

Dirección: Emiliano Samar

PATIO DE ACTORES

Lerma 568 - Capital Federal

Domingo - 18:30 hs - Hasta el 20/04/2025

FICCIÓN O DESAPARECER

Apuntes a partir de una performance política
de Marianella Morena, realizada en Montevideo

Paula Cohen y parte del elenco
escuchando a la directora, Marianella Morena

¿Es posible hacer esto hoy, en Buenos Aires? ¿Cómo reaccionaría la gente en la calle ante una actriz -Paula Cohen- acompañada por una coralidad social de veinte mujeres y una abogada que representa a La Ley?

Hacer teatro en el espacio público abre la puerta a lo imprevisto. El contacto directo con quienes transitan, sin la mediación de la cuarta pared, es imponente. En este caso, soy una de las performers que acompañan a la actriz que lidera la acción dramática y presenta la trágica historia de Olympe de Gouges. Parada en la vereda del Teatro Solís de Montevideo, junto a otras mujeres de lo más diversas, donde se representa la obra, me resulta imposible no pensar en qué pasaría si esta propuesta se realizara del otro lado del Río de la Plata, en mi ciudad. 

La acción dramática surge de una Residencia que se hizo a lo largo de una semana, en jornadas de cuatro horas diarias y que convocó a mujeres con y sin formación escénica para ser parte de la experiencia.

Olympe fue autora de la Declaración de los Derechos de la Mujer y fue arrestada el 20 de julio de 1793, para ser decapitada en Francia. Esto ocurrió unos años después de la toma de la Bastilla, en medio del caos del primer período de la Revolución Francesa. Había desafiado las convenciones y los poderes de su época desde su labor como dramaturga y activista política.

En escena, en la explanada del querido Solís, una actriz representa a aquella mujer que discute con la Ley -Gianella Bardazano-. Junto a ella, una grupalidad femenina: una extensión, un eco, una réplica de Olympe de Gouges. Lo teatral se ensancha y se expande, incorporando lo documental, lo testimonial y lo jurídico, con sus respectivas representantes.

Una catarata de preguntas invade mi mente: ¿qué cuerpos tienen hoy “permitido” ocupar el espacio público en Buenos Aires? ¿Qué sucede cuando el teatro irrumpe en lo cotidiano, cuando la representación aparece en medio del tránsito habitual?

Cuando el teatro sale a la calle, desarma jerarquías, borra los límites entre la ficción y lo real. Se expone al riesgo, a la indiferencia, al conflicto. ¿Cuáles son las diferencias y similitudes que podrían darse desde la recepción en cada ciudad? Responder esa pregunta es casi utópico, porque en este momento esto no está ocurriendo en dos ciudades, sino sólo en una. Entonces pienso: ¿a quiénes interpela este tipo de experiencias?

Y ahora sí puedo intentar una pequeña respuesta. Durante los ensayos sucedieron cosas maravillosas. Una mujer se acercó a abrazar a la protagonista. Le agradeció por hacer esta performance y le dijo que haberla visto le daba sentido a su día, y a mucho más. Varios se solidarizaron con la historia de Olympe; otros se horrorizaron. Observé todo eso y pensé en cada vez que nos preguntamos cómo convocar al espectador. ¿Qué lo diferencia de las y los transeúntes? ¿Quiénes se detienen a mirar? ¿Serán los mismos seres ya entrenados como espectadores teatrales? La respuesta es no. La diversidad de miradas se amplía, lo mismo que las interpretaciones y reacciones. Y es porque el teatro se vuelve una fiesta en la que hay más invitados.

Los cuerpos son leídos de un modo diferente cuando irrumpen en el espacio público. La performance frente al Solís propone una escena organizada, cargada de tensión política y emocional.

¿Una mujer hablando en la calle es, todavía hoy, un gesto disruptivo si lo hace en nombre de otra mujer, asesinada por decir, escribir e intervenir? Supongo que no, que por suerte los siglos (y las reivindicaciones ) que nos separan de ese momento cambiaron el foco, y que lo que resuena hoy es ver al colectivo. En esa tensión entre ficción y realidad se vuelve visible la lucha de Olympe, que no terminó. Se trata de rescatar, aunque sea por un momento, sus reivindicaciones y no dejarlas hundirse en el olvido.

Y entonces, la pregunta inicial se transforma. Ya no se trata solo de imaginar si esto podría hacerse en Buenos Aires, sino de preguntarnos: ¿qué necesitamos poner en escena hoy? ¿Qué historias reclaman ser contadas en el espacio público? ¿Qué urgencias pide el teatro visibilizar? ¿Qué cuerpos, qué voces, siguen siendo silenciadas o desplazadas? ¿Qué sucede cuando el arte toma la calle sin pedir permiso? ¿Desde dónde se construye una ficción que interpele? ¿Qué lenguajes escénicos pueden intervenir en una ciudad saturada de estímulos?

No tengo idea de cuáles son las respuestas correctas. Lo que sí sé es que el teatro nos transforma; permite hacer foco en aquello que pasa desapercibido, y que no desaparezca en el mar de estímulos que nos rodea.

Paula Simkin

Marzo, 2025

Ficha técnica

Actriz: Paula Cohen

La abogada: Gianella Bardazano

Espacio: Ivana Domínguez

Asistencia de dirección: Thamara Martínez

Producción: Maite López

Texto y dirección: Marianella Morena

Participan
Adela Pérez, Agustina Tubino, Luana Sabidussi Godoy, Carolina Martínez, Cinthya Brown, Ihasa Tinoco, Laura Smart, Lessia Alzamendi García, Leticia Barrios, Jorgelina Valmarrosa, Ligia García, Virginia Recagno, Violeta Mallet, Patricia Fry, Paula Piedrabuena Cuebas, Paula Simkin, Samantha Nascimento, Sofía Elena Rodríguez Arrillaga, Sofía España, Trinidad Perciballe.

"OPERETA DE LOS BANDOLEROS": ENTRE EL MITO Y LA REALIDAD, UN ESPECTÁCULO ARROLLADOR

 

Es imposible pensar un mejor lugar que el Teatro del Pueblo para el estreno de la “Opereta de los bandoleros", una audaz adaptación de Claudio Gallardou sobre una novela del entrañable historiador Hugo Chumbita. Con un texto en verso que fusiona cadencia y rima, la obra convierte la historia de los tres bandoleros rurales más conocidos en la Argentina - Juan Bautista Vairoleto, Segundo David Peralta, “Mate Cosido” y Eusebio Zamacola “el Vasco”-  en un relato tan provocador como fascinante. Bajo la dirección de Gallardou, el espectáculo trasciende la narración tradicional y se instala en un territorio donde la épica y la farsa conviven con la mitología popular.

Uno de los mayores aciertos de la puesta es la manera en que el Director decide contar esta historia. El uso de la música como hilo conductor, folklore bien nacional, y la precisa coreografía de los actores generan un clima envolvente que sitúa al espectador en la década del 30, en un encuentro clandestino de bandidos, anarquistas y masones en la logia de Barracas. La dirección no es solo un riguroso relato en lo histórico, sino que también se permite licencias estéticas que potencian el carácter vibrante de la obra.

El elenco brilla en conjunto, pero es imposible no destacar la labor de Omar Lopardo. Con una presencia imponente y un dominio absoluto del verso y de la escena, su interpretación se convierte en el eje emocional de la obra. Lopardo no solo recita con precisión, también canta, baila, toca la guitarra, y dota a su personaje de una hondura que lo eleva por encima del simple arquetipo de una actuación. Su trabajo, versátil y matizado, es el punto más alto de una obra que exige talento en múltiples disciplinas. Gonzalo Alvarez, Flor Cappiello, Brenda Chi, Beni Gentilini, Federico Justo, Carlos Ledrag y Luciano Medina se desenvuelven con talento y se amoldan con facilidad a las exigencias que el espectáculo propone y a los diferentes personajes que deben interpretar. El guitarrista Jorge Mobili, en escena, acuna con precisión los diferentes climas. Todo el equipo artístico y técnico acompaña y sostiene como un mecanismo de relojería para que todo brille.  

En definitiva, “Opereta de los bandoleros” es una celebración teatral en la que la historia y la leyenda se abrazan con elegancia y rebeldía. Una historia que nos deja en claro que no siempre “los de azul son los buenos”. Y un espectáculo que confirma el virtuosismo de Gallardou como director y sitúa a Lopardo en un papel inolvidable.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Ficha artístico técnica:

Autor: Hugo Chumbita

Versión: Claudio Gallardou

Elenco: Gonzalo Alvarez, Flor Cappiello, Brenda Chi, Beni Gentilini, Federico Justo, Carlos Ledrag, Omar Lopardo, Luciano Medina, Jorge Federico Mobili

Diseño de vestuario: Ropería Teatral

Realización escenográfica: Fernando Díaz, Analía Schiavino

Música: Pablo Giangrante, Gustavo Maturano

Diseño De Iluminación: Damian Monzon

Asistencia de dirección: Nicolás Concilio

Prensa: Paula Simkim

Preparador Vocal: Soledad Argañaraz

Arreglos musicales: Manuel Pérez Vizán

Producción ejecutiva: Omar Lopardo

Coreografía: Soledad Argañaraz

Dirección general: Claudio Gallardou

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 CABA
Domingo - 20:30 hs - Hasta el 27/04/2025

UN SHAKESPEARE BUFONESCO QUE DESBORDA TALENTO - MEDIDA POR MEDIDA (LA CULPA ES TUYA)

 

Yo que suelo "llegar siempre tarde donde nunca pasa nada", esta vez llegué tarde donde siempre pasa todo. Y todo bueno. El espectáculo se estrenó hace mucho y me habían hablado maravillas. Pero yo pude ir recién ahora. Y este equipo siempre sorprende por lo más. Nunca defrauda.

Gabriel Chame Buendía toma Medida por Medida, esa obra shakespeariana que oscila entre la comedia y el drama moral, y la convierte en un torbellino escénico tan hilarante como feroz. Su adaptación -La culpa es tuya-  no solo respeta la esencia del original, sino que la potencia con esa estética bufonesca y ritmo arrollador a los que este grupo nos tiene acostumbrados. Aquí, el poder y la hipocresía se exponen sin filtro, en un despliegue actoral, físico y circense de altísimo nivel.

El elenco es una máquina perfectamente aceitada. Matías Bassi, Nicolás Gentile, Elvira Gómez, Marilyn Petito y Agustín Soler encarnan con virtuosismo personajes que se debaten entre el deseo, la justicia y la moral impuesta. Los cuatro se reparten el protagonismo, y cada uno brilla con luz propia. Bassi es magnético, con una presencia que atrapa. Gentile se deslumbra con su precisión y energía. Gómez maneja el humor y la intensidad con destreza. Petito, con su expresividad, le da hondura y comicidad a cada intervención. Y Soler aporta un contrapunto perfecto, con un trabajo físico impecable.

La dirección de Chame Buendía apuesta al exceso bien dosificado: hay payaso, hay farsa, hay magia, hay texto clásico y hay irreverencia. Todo convive en un juego escénico que fluye con naturalidad y que no da respiro.

Salir de esta función es recordar por qué el teatro sigue siendo ese espacio donde la risa y la reflexión se encuentran. Tarde, pero llegué. Y como decía mi abuela, “más vale tarde que nunca”. Y vaya si valió la pena de esa espera.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Ficha artístico técnica

Autoría: William Shakespeare

Adaptación y traducción: Gabriel Chame Buendia

Actúan: Matías Bassi, Nicolas Gentile, Elvira Gomez, Marilyn Petito, Agustín Soler

Diseño de vestuario: Cecilia Allassia

Diseño de escenografía: Pastorino

Diseño sonoro: Gabriel Chame Buendia, Sebastián Furman

Diseño De Iluminación: Pastorino

Asistencia artística: Lorena Booth

Asistencia de escenario: Mariano Katz, Sebastian Tornamira

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción: Gabriel Chame Buendia

Edición Audiovisual: Malena Massat Fariña

Dirección: Gabriel Chame Buendia

TEATRO POLITEAMA ARGENTINO

Paraná 353 - CABA

Martes - 20:00 hs - Hasta el 25/03/2025

Viernes - 22:30 hs - Hasta el 28/03/2025

CUANDO EL TEATRO REVIVE LA HISTORIA PARA ILUMINAR EL PRESENTE - EL DEBATE

En tiempos donde el diálogo parece un bien escaso y la grieta un mal comun que se profundiza, EL DEBATE emerge como una propuesta teatral imprescindible. Bajo la interpretación magistral de Pepe Monje y Gabriel Rovito, el espectáculo reconstruye el histórico encuentro televisivo entre José Ignacio Rucci y Agustín Tosco, dos figuras antagónicas del sindicalismo argentino que, en 1973, lograron algo hoy casi impensado: debatir con firmeza, pero sin violencia.

Imagen de EL DEBATE - Espectáculo - 2025

 La puesta en escena nos traslada a aquella histórica transmisión televisiva, donde Rucci y Tosco confrontaron sus ideas con pasión, pero también con respeto mutuo. En una sociedad marcada por discursos que priorizan el agravio sobre el argumento, la obra no solo reconstruye un episodio clave de nuestra historia reciente, sino que interpela con fuerza el presente. No se trata de recrear un enfrentamiento, sino de reivindicar el debate político como herramienta para construir en vez de destruir.

Imagen documental del Debate real - 1973

Rovito y Monje son excepcionales. No solo capturan los matices ideológicos y temperamentales de Rucci y Tosco, sino que consiguen dotar de humanidad a sus personajes. Sus interpretaciones logran transmitir la intensidad y la convicción de aquel debate sin necesidad de exageraciones, permitiendo que las palabras y los gestos hablen por sí solos. Los acompañan un elenco sólido – Joselo Bella, Enrique Dumont, Miguel Core y Sebastián Dartayete– que contribuyen a la atmósfera de tensión y respeto, replicando con precisión el tono de la época.

Más que un ejercicio de memoria, EL DEBATE es un espejo en el que deberíamos mirarnos. A 50 años de aquel cruce televisivo, la obra nos recuerda que la política no es una batalla campal, sino un espacio de confrontación de ideas, donde la palabra es la verdadera protagonista.

Un espectáculo necesario, que emociona y moviliza. Ojalá el teatro siempre siga siendo este faro que ilumina en el pasado lo que el presente no debería olvidar.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT - Divulgo Teatro

Marzo, 2025

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Elenco: Pepe Monje, Gabriel Rovito, Joselo Bella, Miguel Core, Sebastián Dartayete, Enrique Dumont 

Escenografía: Lula Rojo 

Música original: Martín Bianchedi 

Libro: Manuel González Gil 

Asistencia de dirección: Mica Rivamar 

Dirección: Manuel González Gil

FUNCIONES:
Miércoles, jueves y viernes: 20 hs.

Sábados: 19.30 y 21 hs

Domingos: 19.30 hs.

MULTITABARIS
Av. Corrientes 831 - CABA 

muti

Collar de Perlas: Un viaje íntimo entre Brasil y la memoria

 

Patricia Rozas nos invita a un viaje musical y emocional con Collar de Perlas , un espectáculo ideado e interpretado por ella misma en el que el sensible acompañamiento de Joaquín Sanz en la guitarra suma belleza a la belleza.

En un viaje que va desde su adolescencia hasta el presente, la protagonista va desgranando su relación con la cultura brasileña, con su gente, con su música como estímulo  y su identidad como interrogante. ¿Cuánto de nosotros se construye a partir de los sonidos y las palabras que nos atraviesan? ¿Cómo se mezcla la memoria con la música? Rozas responde a estas preguntas desde la experiencia viva, con la cadencia de quien ha hecho del canto un modo de narrar y narrarse.

La puesta en escena es sencilla, sin artificios innecesarios, porque todo lo que importa está en la voz y en la guitarra. El repertorio, cuidadosamente seleccionado, fluye con naturalidad entre los relatos, logrando que cada canción no solo ilustre una anécdota, sino que la potencia y la transforma. Hay momentos de alegría, de melancolía, de celebración, y sobre todo, de una profunda autenticidad.

Al salir, queda en el aire la sensación de haber sido parte de algo íntimo y verdadero, como si cada espectador también llevara su propio collar de perlas: una serie de recuerdos enhebrados por canciones que, de un modo u otro, nos definen.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT Divulgo Teatro

Marzo, 2025

Cuando los asesinados buscan justicia o "LOS HABITANTES"

 

Hay obras que nos confrontan con lo más oscuro de la historia y, al mismo tiempo, iluminan el escenario con la esperanza de una reparación imposible. “Los Habitantes”, de Joselo Bella y Pedro Sedlinsky, es una de ellas.

Protagonizado por el primero y dirigido por el segundo, “Los Habitantes” es un espectáculo que transforma el teatro en un campo de batalla donde los muertos aún luchan por torcer el destino de lo injusto.

Vestido con un mameluco azul —símbolo de la clase trabajadora, emblema de resistencia y, paradójicamente, de la compañía teatral La Barraca de García Lorca—, Joselo Bella relata la convivencia entre los espectros de aquellos que fueron víctimas de algunos crímenes colectivos de la humanidad y los vivos que luchan en todos los tiempos por un mundo mejor.  Todo empieza en 1903 y por obra y gracia del relato audiovisual devenido en teatro sigue en 1936. Sí, Joselo y Pedro soñaron primero con una película y luego con una miniserie; pero un derrotero de frustraciones los llevó al lugar que más conocen: el escenario. Y vaya si salen airosos de esta arriesgada propuesta. 

Allí están Shemtov; Federico García Lorca; Antonio Machado, su hermano Manuel y su madre; Carmen Luna; Manolo, Miguel Angel y José Luis Justo –los Justos-;  González; Ruth; Milagros y quién sabe cuántos más que no vemos ni escuchamos pero que sabemos, claro que sabemos. Vivos y muertos todos juntos. Luchadores y asesinados todos juntos. Asesinos y justicieros todos juntos. Allí están los cosacos y los falangistas asesinos. Allí está la resistencia. Allí está la esperanza. Allí están las voces de los fusilados en la Rusia zarista, de los desaparecidos en la España franquista, de los masacrados en nuestra Plaza de Mayo en el ´55 y de los desaparecidos  en nuestra Patria Grande de las dictaduras del Plan Cóndor. Allí está el hoy.  Los nombres y las fechas cambian, pero la injusticia permanece, impune y voraz, repitiendo su espiral de exterminio.

El dispositivo escénico es austero, pero poderoso. Pedro Sedlinsky opta por un minimalismo que potencia el impacto del relato. Sin artificios, sin distracciones, todo se concentra en la palabra y en el cuerpo que se deja habitar por los fantasmas - por “los habitantes”- de este cuento sin fin. Fantasmas que no buscan venganza, sino justicia.

La obra no se detiene en la denuncia. Va más allá: propone la posibilidad de que los asesinados atraviesen el umbral de la muerte y tomen los cuerpos de los vivos para corregir la historia. ¿Y si el teatro fuera el espacio donde los caídos encontrarán voz y acción? ¿Y si la memoria pudiera más que el olvido?

Joselo Bella asume este riesgo con toda su sensibilidad a cuestas, ofreciendo una interpretación que trasciende lo individual para volverse un eco colectivo. “Los Habitantes” es, en última instancia, un acto de resistencia. Uno más de nuestro teatro independiente. Una puesta que recuerda que el horror no es solo un hecho del pasado, sino también injusticia de hoy, una herida abierta que atraviesa tiempos y fronteras. Pero también, una obra que deja en el aire una certeza inquietante: los muertos no descansan mientras la justicia sigue siendo una deuda impaga.

Stella Matute

Integrante de EDIT

Marzo, 2025

Ficha:

Autores: Joselo Bella y Pedro Sedlinsky

Actor: Joselo Bella

Iluminación: Leandro Orellano

Prensa: Daniel Franco

Dirección: Pedro Sedlinsky 

 

ESPACIO CALLEJÓN

Humahuaca 3759 CABA

Sábados - 16:30 hs

 

UN VIAJE AL CORAZÓN DE LA MENTE

En una bulliciosa estación de trenes, que puede ser Constitución o cual otra en cualquier ciudad capital del mundo, donde miles de vidas se cruzan sin mirarse, Emilia alza su voz. No es un grito ni un reclamo, es un relato. Un pedido entre susurrado y desesperado de ser escuchada. De ser vista como lo que es: una persona.  Cecilia Cósero se entrega con valentía a este unipersonal, dirigido con precisión y sensibilidad por Mateo Chiarino, para dar vida a una mujer con trastorno bipolar, un diagnóstico que la define pero, que ella considera, no la limita.

En una sucesión de episodios que oscilan entre la euforia, la tristeza profunda y la confusión de los días en los que nada parece tener sentido, "Encuentros en Constitución" nos sumerge en una realidad que suele permanecer en las sombras. La puesta en escena, austera pero efectiva, transforma el espacio en un reflejo del estado emocional de Emilia: una estación de paso, un lugar donde todo cambia pero nada se detiene.

Cecilia Cósero brilla en su interpretación. Con una entrega absoluta, construye un personaje lleno de matices, evitando caer en el estereotipo o la sobreactuación. Su mirada perdida en algunos momentos,  su risa desbordante en otros y el quiebre de sus relatos nos llevan de la mano por el vaivén de su mundo interior, generando empatía en cada palabra. Mateo Chiarino, desde la dirección, encuentra el equilibrio justo entre la crudeza del tema y la humanidad de la protagonista, permitiendo que la historia fluya con naturalidad y sin golpes bajos. El vestuario, la escenografía, las luces, colaboran con delicadeza y eficacia al desarrollo de esa obra escrita por Guillaume Vincent y traducida por Laura Pouso.

Hablar de salud mental en escena es un acto de valentía y de necesidad. Este unipersonal no solo visibiliza la complejidad del trastorno bipolar, sino que también nos interpela como sociedad: ¿Cuánto sabemos realmente de quienes viven con un diagnóstico psiquiátrico? ¿Cómo nos hacemos cargo colectivamente de esos seres que tanto nos necesitan?

Encuentros en Constitución además de un espectáculo recomendado es una experiencia que deja huella.

Stella Matute
Febrero, 2025
(Edit / Tenerte al Tanto)

EQUIPO ARTÍSTICO TÉCNICO:

Dramaturgia: Guillaume Vincent

Traducción: Laura Pouso

Actúan: Cecilia Cósero

Diseño de vestuario y escenografía: Gabriella Gerdelics

Redes Sociales: Tom CL

Realización de vestuario: Titi Suárez

Diseño De Iluminación: Antonio Leaman

Diseño gráfico: Pablo Vega

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Dirección: Mateo Chiarino

Duración: 60 minutos

ITACA COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027

Martes - 21:00 hs - Hasta el 25/03/2025 y Del 01/04/2025 al 29/04/2025

Pájaros que anidan en cualquier parte: el arte de la resistencia y la ternura

Hay espectáculos que no solo narran una historia, sino que construyen un refugio para la memoria y la emoción. “Pájaros que anidan en cualquier parte”, de Miriam Russo y dirigido por Alfredo Martin, es uno de ellos.

Con una puesta austera y funcional que pone el acento en potenciar la palabra y la gestualidad, el director Alfredo Martin sostiene el ritmo de la obra con una delicada precisión, permitiendo que la dramaturgia despliegue su vuelo sin estridencias, pero con una intensidad y una fuerza arrolladoras. Cada pausa, cada gesto y cada silencio tienen un peso específico.

Gabriela Villalonga y Luciana Procaccini entregan interpretaciones de una humanidad y una ternura desbordantes. Sus personajes transitan el amor, la espera, el miedo, la esperanza y la soledad con una organicidad admirable. Villalonga aporta una presencia escénica profunda y conmovedora, su composición es un despliegue de recursos, mientras que Procaccini dota a su criatura de una fragilidad feroz, capaz de partir el alma.

Las dos juntas generan una química que sostiene la obra con una autenticidad desgarradora.

El espectáculo se instala en la memoria del espectador como esas historias que uno siente propias, porque lo que sucede en escena resuena allí, en lo más hondo de nuestra identidad colectiva, en lo más certero de los sentimientos cotidianos. En tiempos de fugacidad y olvido, “Pájaros que anidan en cualquier parte” se erige –en su segunda temporada- como un canto a lo eterno del recuerdo entrañable.

Stella Matute

Febrero, 2025

FICHA TÉCNICA
Autora: Miriam Russo

Actrices: Luciana Procaccini, Gabriela Villalonga

Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Iluminación: Lucas Orchessi

Redes Sociales: Luis Cardozo

Musicalización: Maestro Quique Sosa

Fotografía: Ignacio Verguilla

Diseño gráfico: Gustavo Reverdito

Asesoramiento artístico: Marcelo Bucossi

Asistencia de dirección: Debora Lopez

Prensa: Paula Simkin

Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera

Dirección: Alfredo Martín

ITACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027

Viernes - 20:00 hs - Hasta el 28/03/2025

¿Poseemos a los objetos o los objetos nos poseen?

 Reseña de "El Funeral de los Objetos"

“El Funeral de los Objetos”, escrito y dirigido por Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano, vuelve a escena en su quinta temporada en la Sala Pablo Neruda del Complejo La Plaza, confirmando su lugar como un espectáculo provocador y necesario.

Con una propuesta que combina teatro musical y un lenguaje escénico original, la obra explora la compleja relación entre los seres humanos y los objetos que nos rodean. En un mundo donde el apego material muchas veces define nuestra identidad, este montaje desafía al espectador a reflexionar sobre lo que realmente poseemos y lo que, sin darnos cuenta, nos posee.

A lo largo de la obra, los actores dan vida a un universo donde los objetos no son meros accesorios, sino protagonistas de las emociones, recuerdos y cargas cotidianas de los personajes que habitan la escena. Que bien pueden ser cualquiera de nosotros. 

El apego y el desapego son los grandes ejes temáticos, tratados en un ritmo escénico que no da respiro. La música, ejecutada con precisión y originalidad, refuerza esta tensión constante, sumergiendo al público en un viaje tan incómodo como necesario.

El espectáculo no permite relajarse. Con un lenguaje escénico provocador que desafía las convenciones, "El Funeral de los Objetos" obliga a mirar de frente nuestras propias contradicciones y ataduras. Cada elemento en escena, desde las luces  hasta las coreografías, está diseñado para mantener al espectador alerta, en un diálogo continuo con las ideas y emociones que se despliegan.

Manasseri y Provenzano han logrado un montaje donde la potencia conceptual se une a una muy buena realización, con un elenco homogéneo y comprometido que pone el cuerpo y las voces a un 100%, consolidando a "El Funeral de los Objetos" como una obra necesaria para quienes buscan en el teatro una experiencia que interpele. Entre risas, exaltaciones, gritos, canciones, silencios y reflexiones, esta propuesta invita a cuestionarnos: ¿qué tan libres somos cuando vivimos rodeados –o poseídos- de aquello que creemos poseer?

Stella Matute
Enero, 2025
Tenerte al Tanto / Edit

Ganadora del Premio “LUISA VEHIL” a Mejor Comedia Musical 2022

4 Nomimaciones a Los Premios ESTRELLA DE MAR 2023

3 Nominaciones a los PREMIOS HUGO” al Teatro Musical 2022

Libro - Idea Original: Nicolás Manasseri - Fernanda Provenzano

Música Original: Nicolás Manasseri - Fernanda Provenzano

Elenco en Orden de aparición: Martina Alonso – Fernanda Provenzano – Eugenia Fernandez –

Renzo Morelli – Nicolás Manasseri – Matías Zajic – Christian Edelstein

Covers: Daniela Rubiatti – Nicolás Hernán Quaglini – Alejandra Oteiza

Pianista: Facundo Cicciu

Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño de Vestuario: La Costurera Teatro

Diseño Gráfico: Mariano Morelli

Diseño de Luces: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Dirección Musical y Arreglos Musicales: Facundo Cicciu

Coreografías: Fernanda Provenzano

Dirección de actores - Puesta en escena - Dirección General: Nicolás Manasseri

Asistente General: Aldana Alessandroni

PRODUCCIÓN GENERAL: PHEPANDÚ

MARTES, 20.30 hs.

Paseo La Plaza, Sala Pablo Neruda

Av Corrientes 1660 

Teléfonos: 6320-5350

Web: http://www.paseolaplaza.com.ar

Piel de Encaje: Un Alma Desnuda en el Escenario

 

La vida, a veces, se derrama como un hilo de encaje: delicado, único, pero tan frágil que amenaza con romperse en cada nudo. Así es "Piel de Encaje", el unipersonal escrito y dirigido por Fernando Alegre y protagonizado por Eduardo “Pacha” Paglieri que anoche nos ofreció un adelanto de lo que será el estreno en Mar del Plata el 6 de enero. Fernando y Pacha son mis amigos. Gente que quiero y admiro. No puedo ser demasiado objetiva y no quiero serlo. Pero les aseguro que tampoco exageraré sobre lo que me pasó sentada en la platea.

La historia que narra el espectáculo es, en el fondo, todas las historias: un amor que arde y se apaga, un deseo que duele, una búsqueda que nunca termina. Pero también es una historia que no teme ser ella misma: queer, libre, genuina. Aquí, el amor no tiene género, ni moldes, ni límites. El dolor de no ser correspondidos, la euforia de un encuentro, la soledad de un desencuentro... todos cabemos en este espacio

Pacha, en el escenario, es un alquimista. Canta como si su voz contuviera secretos ancestrales. Baila como si cada paso fuera una declaración de resistencia. Habita su cuerpo, su historia y las nuestras, con una valentía que estremece. Uno no mira el espectáculo; lo vive, lo respira, lo late. Porque él no actúa, se expone, se entrega. Cada gesto suyo es un mapa del alma, un territorio por descubrir.

El texto de Fer tiene la dulzura de un abrazo y la dureza de una confesión. Es amoroso en su ternura y descarnado en su verdad. La dirección, por su parte, no deja lugar a lo superfluo. Cada movimiento, cada silencio, cada mirada, está ahí porque debe estar. Es una precisión que se siente más como poesía que como teatro.

Los arreglos musicales de Carlos Ledrag son impecables, bordados a mano y tejidos en trama con el texto. Todo es uno. Música, texto actuación, emociones, letras, acordes.

Y el vestuario de Jonathan Oviedo da la puntada final a ese tejido dando practicidad y belleza al mismo tiempo.

"Piel de Encaje" es una experiencia íntima. Salimos del teatro con el corazón latiendo distinto, con la certeza de que el amor nos hace iguales en la dicha y en el dolor. Y salimos, también, agradecides.

STELLA MATUTE

Noviembre, 2024

Desde el lunes 6 de enero, todos los lunes a las 22:30, en el Teatro Dúo,

25 de Mayo 3349, Mar del Plata

0223-682-7917

Intérprete: EDUARDO PACHA PAGLIERI

Música original y arreglos: CARLOS LEDRAG

Diseño de vestuario: JONHATAN OVIEDO

Asesoramiento en Makeup Drag: DEMACRADA

Fotos: ELE PALACIOS

Producción ejecutiva: FIORELLA ROCCO

Dramaturgia y Dirección: FERNANDO ALEGRE

FRANCISCO PESQUEIRA LO HIZO DE NUEVO

 

“Yo he preferido hablar de cosas imposibles
Porque de lo posible se sabe demasiado”
(Silvio Rodriguez)

Hay un vestido.
Hay un varón desnudo en alma.
El vestido lo viste.
El varón queda "vestido de mujer".
Habitado por todas las mujeres que admira, que pondera, que homenajea, que las vuelve a pasar por su corazón una y otra vez.

Francisco Pesqueira. Claro está.
Su sexto libro “Vestido de mujer”. Y un nuevo encuentro de almas para presentarlo.

La presentación fue una fiesta, como era de esperarse. De esas fiestas que sólo Francisco puede organizar. Porque sólo él sabe transformar un evento literario en una verdadera celebración, una marea de amor, ternura  y complicidad. “La Botica del Ángel” ese rincón mágico de Buenos Aires, un espacio rebosante de memorias y arte, se colmó de amigas y amigos que fueron -fuimos-  a sumergirse en las palabras, en los recuerdos, en el mundo íntimo y vasto que Francisco nos ofrece cada vez que nos convoca. La sala vibraba de emociones, de risas, de ojos húmedos y miradas cómplices. Francisco, con su fuerza arrolladora, es capaz de vestir la noche de textos, de música, de teatro, de bailes, de sonidos ancestrales y abrir un mundo en el que cada uno puede ser tocado por el eco de esas mujeres que él vuelve a traer a la vida en poesía.

Una vez más, un aire de lo imposible hecho posible flotaba en el ambiente. Con cada poesía, él se vistió de todas esas mujeres, que son muchas más que las que allí estuvieron,  y nos recordó que su esencia es una trama tejida de valentía, talento y sensibilidad.

Fue una noche de homenajes, y  también de un profundo encuentro entre Francisco y su gente. Una noche de nuevas confesiones. Una noche en que Francisco no sólo presentó un libro, sino que, como siempre, regaló a todos los que ahí estuvimos un trozo de su alma, una prenda más para vestir de humanidad femenina  los recuerdos. Entre versos, danzas, canciones  y aplausos, en el público también nos vestimos  de mujer, de mujeres, como si cada poema desplegara una capa invisible que unía el escenario y la platea construyendo un único universo muy parecido a un útero.

Y sí… ¡¡¡FRANCISCO LO HIZO OTRA VEZ!!! Nos llevó de la mano: desde lo imposible, a lo posible. Gracias por eso.

Stella Matute

Noviembre, 2024

joven llama, e interpela profundo

 

EL PESO DEL OLVIDO

 "Un pueblo que no recuerda su historia está condenado a repetirla."

George Santayana

"600 gramos de olvido", escrito por Daniel Dalmaroni y dirigido por Marcelo Moncarz, es un espectáculo imprescindible siempre, pero en estos tiempos de horror aún más. La obra rinde un entrañable homenaje a la mejor generación que ha tenido nuestro país, esa generación diezmada por la dictadura cívico-militar, esa generación que nos arrancaron y que hoy nos hace tanta falta. Este tributo se convierte en un recordatorio poderoso y conmovedor de aquellos que desaparecieron pero que siguen presentes en nuestra memoria colectiva.

La dirección de Marcelo Moncarz es a la vez delicada y firme. Logra equilibrar con maestría la carga emocional de la historia con una puesta en escena que mantiene al público en un estado de emoción constante. La sutileza en los detalles y la firmeza en la conducción del relato hacen que la obra se sienta cercana y universal al mismo tiempo.

Las actuaciones de Nelson Rueda y Alexia Moyano son simplemente extraordinarias. Ambos actores ofrecen interpretaciones sensibles y potentes, llenas de matices y profundidad.

Dicen que antes de comenzar cada función, Nelson y Alexia se abrazan y se dicen: "vamos a enamorarnos un rato". Y eso es exactamente lo que hacen. Se enamoran y enamoran al público, creando una conexión que trasciende la escena.

En el momento del apagón final es imposible no llorar y no gritar, aunque sea para adentro, un fuerte: "SON 30000 Y ESTÁN PRESENTES AHORA Y SIEMPRE". 

La obra no solo evoca el dolor y la pérdida, sino que también celebra la resistencia y la memoria. "600 gramos de olvido" es una pieza teatral que nos invita a reflexionar, a sentir y a recordar, y lo hace con una honestidad y una belleza que la convierten en una experiencia inolvidable.

En definitiva, "600 gramos de olvido" es una obra que todos, todas y todes deberíamos ver, no solo por su valor artístico, sino por su capacidad de mantener viva la Memoria de aquellos que dieron su vida por un país mejor y seguir exigiendo Verdad y Justicia.

Gracias al equipo que la ofrece. Queda una sola función de esta temporada. Vayan el domingo que viene y súmense a mi deseo de que pronto vuelva a estar en la cartelera porteña.

Stella Matute

Julio, 2024

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA:

Autor: Daniel Dalmaroni

Actúan: Alexia Moyano y Nelson Rueda

Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Iluminación: Claudio Del Bianco

Música: Tom CL

Asistencia de dirección: Antonella Ciuffo Mathieu

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Dirección: Marcelo Moncarz

TEATRO DEL PUEBLO - Lavalle 3636 - CABA

Domingo - 16:00 hs - Hasta el 28/07/2024

UNA CLASE QUE SON VARIAS, Y UN HOMENAJE MERECIDO

 

“El teatro es reserva de la vida,
en gesto de aprecio y celebración de sí misma.
Es el espacio de la dignidad del hombre.”

(Alejandro Robino, Clase Póstuma)

"CLASE PÓSTUMA (parodia amorosa)", escrita y dirigida por Alejandro Robino, es una joya teatral que resplandece en cada uno de sus aspectos, llevándonos a  un viaje por el  tiempo y el arte de la actuación. La obra, protagonizada por un Claudio Gallardou magistral, se presenta como un juego de teatro dentro del teatro, una metanarrativa que rinde un conmovedor homenaje al gran maestro Juan Carlos Gené, sin dudas uno de nuestros referentes más importantes en el territorio teatral argentino y latinoamericano.

Gallardou, con su presencia escénica arrolladora y su talento indiscutible, encarna (y digo “encarna”) al gran Maestro (a la vez que construye un personaje independiente de toda posible “imitación”) cuya pasión por el teatro y sus enseñanzas burlan y  trascienden la muerte. Su interpretación es un testimonio vivo de la influencia eterna de Gené sobre sus discípulos y del legado inmortal del arte. Acompañado por un elenco impecable, sin fisuras en su desempeño, la obra se convierte en un vibrante taller donde los actores van desarrollando, en escenas de diferentes obras teatrales, un crecimiento actoral palpable y emocionante.

Cada miembro del elenco aporta una energía única y un genio que se amalgama perfectamente en la narrativa, haciendo que el espectador se sumerja en un mar de emociones y reflexiones. Las escenas elegidas (Ricardo III, Casa de muñecas,  M’greet y Hamlet) -, reinterpretadas con ingenio y frescura, no solo destacan la versatilidad de las actrices y los actores, sino también la riqueza del teatro como medio de expresión, enseñanza y aprendizaje.

Alejandro Robino se ha dado un gran gusto, sin duda alguna, rindiendo su homenaje con gran conocimiento de la sabiduría del Maestro.

"CLASE PÓSTUMA (parodia amorosa)" es, en esencia, una reflexión profunda sobre el teatro, la vida y la muerte. Nos invita a considerar la efímera naturaleza de la existencia y el poder perdurable del arte. A través de una parodia amorosa, nos muestra que el teatro es un reflejo de nuestras vidas: lleno de pasión, drama, y, sobre todo, amor.

Los distintos rubros -escenografía, vestuario, diseño de luces, música original y coreografía- suman por igual a la belleza general del espectáculo. 

La obra es un tributo sentido a Juan Carlos Gené, cuyo espíritu se siente en cada rincón del escenario, y también es una celebración del teatro como un arte vivo que nos conecta con lo más profundo de nuestra humanidad. Con “lo sagrado”, al decir del Maestro.  "CLASE PÓSTUMA (parodia amorosa)" es una experiencia teatral cálida y acogedora para quienes transitamos el camino del escenario pero que también, sin dudas, dejará una huella imborrable en el corazón de cada espectador.

Stella Matute
Junio, 2024

FICHA:

Autor: Alejandro Robino
Elenco: Anita Balduini, Enrique Dumont, Claudio Gallardou, Celeste Gerez, Mario Petrosini, Natalia Santiago, Manuel Vignau
Diseño de vestuario: Paula Santos
Diseño de escenografía: Cecilia Zuvialde
Música original: Diego Rodriguez
Diseño De Iluminación: Soledad Ianni
Diseño de coreografia: Damián Malvacio
Director asistente: Ezequiel Martelliti
Dirección: Alejandro Robino

 

TEATRO SAN MARTIN
Av. Corrientes 1530 - CABA
Teléfonos: 0800-333-5254
Web: http://complejoteatral.gob.ar/
De miércoles a domingos, 19.30

MACEDONIO O LA SIMPLEZA DE LO PROFUNDO

En el emblemático Teatro Payró se está ofreciendo "Macedonio", obra escrita por Enrique Papatino y dirigida por Enrique Dacal. Una joyita que captura la esencia del enigmático escritor Macedonio Fernández sin recurrir a una biografía tradicional. Lejos de presentar una secuencia cronológica de su vida, la obra explora un universo interior, íntimo y oral de Macedonio, sumergiendo al espectador en un viaje emocional y filosófico que refleja de manera simple la complejidad y profundidad de su pensamiento.

Las actuaciones de  Jorge Capussotti (Macedonio), Beatriz Dos Santos (Nicolasa) y Marcelo Sánchez (Sanchez) son de una ternura destacable. Los dos actores y la actriz se entregan a la escena con una pasión y una autenticidad que conmueven. Logran encarnar no solo a los personajes, sino también a las ideas y sentimientos que Macedonio Fernández despertó y sigue despertando en sus escritos. La química entre los ellos es clara y potente, creando un tejido de relaciones que va más allá de las palabras y se siente en cada gesto, en cada mirada. El público no solo observa, sino que se siente involucrado  emocionalmente en el desarrollo de esa trama, sintiendo las alegrías, las dudas y las reflexiones de los personajes como propias.

La dirección de Enrique Dacal es de una sensibilidad exquisita, consigue crear climas entrañables que envuelven al espectador en una atmósfera suave y mullidita. En ese escenario amplio, generoso, del Payró, la puesta en escena es minimalista pero efectiva, permitiendo que el verdadero protagonismo recaiga en las actuaciones y en los textos, pero a la vez utilizando todos los niveles y recursos que ese espacio brinda. La iluminación y la música son utilizadas con precisión para subrayar los momentos clave y añadir capas de significado a la narrativa.

Dos de los aspectos más destacados de "Macedonio" es su capacidad para hacer reflexionar. Y sonreír. Plantea preguntas y evoca  emociones que permanecen mucho rato después de haber abandonado la sala. Es, sin dudas, un homenaje a la gran figura de Macedonio Fernández, pero también una meditación sobre la creación artística, la búsqueda de la verdad, la coherencia y la compleja naturaleza del ser humano.

"Macedonio" es un espectáculo teatral que brilla en todos sus rubros. Las preciosas actuaciones, los climas entrañables y la dirección sensible se conjugan para ofrecer una experiencia teatral que acuna y acaricia. Es una obra que invita a ser vista y revisitada, y seguro dejará siempre algo nuevo para descubrir y sentir.

Stella Matute
Junio, 2024

FICHA:

Autor: Enrique Papatino

Elenco: Jorge Capussotti, Beatriz Dos Santos, Marcelo Sánchez

Música: Pablo Dacal

Asistencia de dirección: Tomás Alcántara, Cheche Ramírez

Puesta en escena y dirección: Enrique Dacal

 

TEATRO PAYRÓ

San Martin 766  -  CABA - Teléfonos: 4312-5922

Viernes - 20:00 hs

Un pez, dos niñas, una familia y un corazón

 

“Tardamos diez años en llegar al corazón” es una obra que sorprende, enternece y conmueve desde el primer momento. La historia comienza con un incidente aparentemente trivial: dos niñas –hermanas- matan al pez que tenían como mascota. Este pequeño crimen se convierte en el catalizador que desvela las problemáticas profundas de una familia en crisis. A medida que la trama avanza, se revela cómo las niñas, en su inocencia y sabiduría, asumen el papel de guías para sus padres, enseñándoles a enfrentar los conflictos que han enmascarado durante mucho tiempo.

La obra es la sensible y poderosa ópera prima de una dramaturga muy joven que, además de escribir, la dirige con notable agudeza. Su mirada fresca y sensible se refleja en cada escena, logrando un equilibrio perfecto entre la delicadeza y la intensidad emocional. Las actuaciones son sobresalientes y homogéneas, con un elenco que aporta profundidad y autenticidad a sus personajes. Las niñas, en particular, brillan con una naturalidad y una fuerza que capturan el corazón del espectador.

“Tardamos diez años en llegar al corazón” es una exploración íntima y conmovedora de las dinámicas familiares y los secretos que pueden destruir o sanar. Es una obra que nos invita a reflexionar sobre el amor, la comunicación y la capacidad de las nuevas generaciones para guiar y transformar a sus mayores. Sin duda, una notable contribución al teatro independiente que deja una impresión de gran ternura y calidez.

Stella Matute

Mayo, 2024

FICHA:

Autora: Maga Rosu

Elenco: Maru Belli, Anna Fantoni, Susana Giannone, Maia Lis, Gabriel Schapiro

Vestuario: Tus Pochas

Escenografía: Agustin Justo Yoshimoto

Diseño De Sonido: Gabo Rosujovsky

Diseño De Iluminación: Gustavo Lista

Diseño gráfico: Agustina Roldan

Asistencia de dirección: Benicio Chendo

Dirección: Maga Rosu

 

NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419  - CABA
Teléfonos: 4854-2107
Miércoles - 21:00 hs