Un espejo que interpela, asfixia y libera - Petit Hotel Chernobyl

 

Se hace difícil asignarle un género específico  a “Petit Hotel Chernobyl”, el espectáculo que se ofrece los viernes a las 21.30 en el Complejo Teatral Ítaca. Con autoría de Andrés Binetti y dirección de Nicolas Manasseri, la obra no es un drama, no es una tragedia, no es una comedia negra, no es un absurdo ni es naturalista. Y a la vez es todo eso.

En una minúscula habitación de un hotel  miserable, conviven cuatro mujeres pero tienen sólo tres camas. Ya sólo en esa realidad  puede leerse la síntesis de sus vidas sin esperanzas. Todo, absolutamente todo, es “petit” en ese espacio y la sala elegida ayuda considerablemente con esa propuesta.  Cada una de esas mujeres carga con la frustración  de una vida que no les ha regalado nada y les ha sustraído mucho. Las cuatro buscan sin resultado alguno una salida a esa realidad que “las lleva puestas”. Dos de ellas están enredadas en un vínculo “dominadora – dominada” que no pueden desenredar a pesar de que ninguna de las dos responde al rol que han elegido. Otra es una ex maestra llena de resentimiento que intenta seguir con su rol de docente represora con sus compañeras de vida. Y la cuarta es una depresiva que casi no sale de su cama y ya casi no habla pero que será la que encuentre la solución a sus realidades.

El espectáculo no da tregua. Nos habla de un “adentro” asfixiante y un “afuera” por demás hostil. Porque si bien no se menciona, es ese “afuera” el que las condena a ese encierro oprimente. Un espejo aciago de la sociedad indiferente y ruin en la que nos hemos ido convirtiendo.

Estructurada en breves situaciones separadas por apagones, la obra provoca e interpela al espectador que está incluido en la pequeñez de las realidades de estas cuatro mujeres separadas del sistema social. No llegaremos a saber por qué cada una de ellas llegó  a esa situación y eso es quizá lo más interesante de esas historias. Cualquiera de ellas puede ser cualquiera de nosotres. 

Ojalá nos enteremos.

Las actrices -Alejandra Oteiza, Jowy Sztryk, Silvia Villazur, Martina Zapico- estás todas estupendas. Como se dice comúnmente, “se sacan chispas” en el escenario. Cada una ha sabido sacarle el jugo a su criatura y la construcción escénica de cada una las une y las separa al mismo tiempo. Tienen a la vez algo parecido y algo absolutamente diferente. Como la humanidad misma. Ninguna se destaca porque las cuatro son sólidas en su potencia actoral. Y el director ha sabido mover su batuta en ese despliegue de talentos.

Contrariamente a la impronta trágica, esta propuesta de “Petit Hotel Chernobyl”  sienta bases en una estructura de humor desopilante. El público ríe a carcajadas en varios momentos de los cincuenta minutos en que la historia se desarrolla. Tal vez por sentirnos reflejados en las miserias de esos personajes que exponen algunas de las miserias humanas.

El espectáculo asfixia y libera. Como la vida.

Stella Matute
Junio, 2022

 

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA

Autor: Andrés Binetti

Acttices: Alejandra Oteiza, Jowy Sztryk, Silvia Villazur, Martina Zapico

Vestuario: La Costurera Teatro

Escenografía: Vanessa Giraldo

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Asistencia: Luciana Sapia

Prensa: Duche&zárate

Producción ejecutiva: Nicolas Manasseri, Martina Zapico

Dirección: Nicolas Manasseri

Duración: 50 minutos

ITACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027 – C.A.B.A. - Buenos Aires - Argentina

Viernes - 21:30 hs.

HABLAR DE LO QUE HAY QUE HABLAR - "MARY PARA MARY"

“¡Sé que soy inmortal!”, dice una mujer que sabe que va a morir en breve y que, claro, se vuelve inmortal. En su hija, en su obra, en quienes la recuerdan, la invocan, la encarnan. Y en su inmortalidad se entretejen linajes que sanan linajes.

Mary Wollstonecraft se erigió feminista en el siglo XVIII, hablaba, gritaba, vociferaba a quien tenía enfrente que las mujeres no eran más débiles que los hombres sino que parecían más débiles porque recibían diferente educación. En 1792, con su obra “Vindicación de los derechos de la mujer”, parió las bases del feminismo  liberal. Porque parece que históricamente las mujeres que se meten de prepo en la historia lo hacen pariendo. Con dolor, por supuesto, como condena milenaria: “parirás con dolor”.

De ella, de alumbramientos, parición y dolores habla “Mary para Mary”, el unipersonal que acaba de estrenarse en el Teatro Picadero, protagonizado por Eleonora Wexler, dirigida por Marcelo Moncarz.  Y vuelven a inmortalizarla. En ella Mary madre le habla a Mary hija que tiene diez días de vida. Mary madre le habla de la vida, del amor, de la igualdad de derechos, de miedos y, finalmente, de la muerte. Mary madre habla con la fuerza de la arenga y con la blandura de la intimidad.

Marcelo Moncarz ha dirigido el espectáculo bordeando la fragilidad de lo onírico, navegando las aguas de lo incierto  y haciendo pie en la potencia de su protagonista. Eleonora Wexler aporta toda su sensibilidad, ductilidad, fuerza y delicadeza al servicio de esa mujer lastimada por una sociedad de hombres que no saben proteger la vida, a quienes enfrenta hasta sus últimas fuerzas.

Una propuesta que interpela desde el texto y conmueve desde la actuación. De gran belleza escénica y con gran potencial de crecimiento y coraje. Un espectáculo necesario que habla de aquellas cosas que es necesario hablar. Y cuando la sociedad es indiferente, el Arte tiene la obligación de reparar, mostrar, contar. 

Stella Matute

Mayo, 2022

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA:

ACTRIZ: Eleonora Wexler

AUTORIA: Paloma Pedrero

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Micaela Sleigh

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Daniela Garcia Dorato

DISEÑO VESTUARIO: Micaela Sleigh
REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Paloma Vieytes

MÚSICA ORIGINAL: Mirko Mescia

PRENSA Y COMUNICACIÓN: Mutuverría PR

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Nicolas Asprella

PRODUCCIÓN GENERAL: Iván Javier Flores

FOTOGRAFÍA: Alejandra Lopez

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Claudia Diaz

DIRECCION Y PUESTA EN ESCENA: Marcelo Moncarz

MARTES 20 hs.
TEATRO PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857
CABA

Un almuerzo argentino o la grieta como forma

“Ayer es hoy sin piedad”, dice el final de la gacetilla informativa del espectáculo. Y sí, esa es la síntesis perfecta del espectáculo.

¿Dónde y cuándo empieza la grieta que nos atraviesa? ¿En los altos círculos de la política o en un almuerzo familiar de domingo? ¿Ayer o hace más de medio siglo? ¿O, tal vez, en el comienzo de la historia? Unitarios y federales, peronistas y antiperonistas, ricos y pobres, nacionales y cipayos… ¿cuál es el borde de esa escisión? ¿en qué orilla se desdibuja la armonía y comienza la pelea? ¿Habrá lugar a la reconciliación, alguna vez?

“Un almuerzo argentino” se mete con todos estos temas y nos invita a no quedarnos fuera. Imposible quedarse afuera, en realidad.

Una mesa larga y dos familias que es una sola pero no. Fideos, vino, pingüinos, jarras, un cuadro que se baja, una patada por debajo de la mesa, una discusión que se diluye en algunas risas que no existen.

Varias mesas pequeñas con cuatro comensales en cada una, empanadita (deliciosa) y copa de vino.  Invitados a la grieta… digo a la fiesta… espectadoras y espectadores asisten a un reencuentro familiar que interpela a nuestra historia toda. ¿1952 o 2002 o 2012 o 2022? En qué vericueto de esas décadas nos perderemos tratando de entender quién tiene razón y de qué lado estamos. Pero no es tan difícil.

El espectáculo es original desde su horario a su desarrollo incluyendo su desenlace. El límite entre espacio escénico y “platea” se desdibuja y uno siente que puede incorporarse a esa mesa larga, con pasta casera y vino, a discutir sobre lo que nos proponen. Pero no. En esa mesa fisurada no hay lugar para ajenos… ya tienen bastante con los que son. Simulan, discuten, falsean, sonríen con labios apretados, esconden, y muestran… muestran porque ya no queda lugar a la mentira. Como en cada familia, como en cada gobierno, como en la sociedad toda cuando se tensan los márgenes.

La ambientación es impecable. Actrices y actores se manejan con la soltura de quien está en su casa, almorzando con quienes conoce desde siempre, nadando cómodos las aguas del amor y del odio familiar. Bernardo Cappa vuelve a sorprendernos –o no- con el talento de su dramaturgia y la sensibilidad de su dirección.

No hay apagón… entonces, limpiamos las comisuras de los labios, tragamos el último sorbo de vino y aplaudimos antes de irnos de la grieta…digo de la fiesta. Sin saber cuál tiempo nos espera afuera: si 1952 o 2022… porque, sin dudas, “ayer es hoy sin piedad”.

Stella Matute

Mayo 2022

EQUIPO: 

Dramaturgia y dirección: Bernardo Cappa

Actrices y actores: Rocío Ambrosoni, Trinidad Asensio, Gabriela Dey, Amilcar Ferrero, Pablo Fetis, Yamila Gallione, Franco Genovese, Federico Lozano, Melisa Omill, Guillermo Osuna, Horacio Pucheta, Lucia Rossi

Asistencia de dirección: Franco Baltasar

TEATRO HASTA TRILCE - Maza 177 - CABA

Domingos 13:00 hs - Hasta el 29/05/2022

Duración: 75 minutos

La mudita, de y por Irina Alonso

¿Cuántas veces será necesario hablar por aquellas que no hablaron?

¿Cuántas “constelaciones familiares” estallarán en esa confesión que es grito que es susurro que es alarido?

¿Qué importa quién hable, quién confiese, quién grite, si en esa voz estamos todas? 

La peluquera, la clienta, la que teje, la que esconde, la que deja ir, la que retiene, la que lee revistas, la que mira para atrás, la que avanza sin pausa. Las de ahora, las de antes, las de hace mucho, las de mañana… Tal vez no importe quién ni cuándo ni dónde ni cómo sino que quede dicho. 

Inés habla hoy, más de medio siglo después, por boca de su sobrina nieta. Inés es Irina. Irina es Inés. Y las dos son todas. Las silenciadas, las calladas, las muditas. Las dos somos todas. 

No sé qué palabras ponerle al talento de Irina Alonso … a su sensibilidad gigantesca, a su fragilidad exquisita. Irina siempre conmueve. Siempre. El escenario la ama y ella ama al escenario y ese romance es indestructible. 

No se pierdan “La mudita”. Ella lo escribe, lo dice, lo encarna. Entonces Inés está ahí, en el Celcit contando su historia, gritando en susurros su injusticia. Y quienes la ven y la escuchan inevitablemente la acunan, la mecen, la acarician suavecito. Y algo desesperadamente se mueve en el universo. Y algo, necesariamente, sana. Aunque nos enteremos dentro de medio siglo. 

Los domingos a las 16 en el Celcit. 

Regálense esa experiencia.

Stella Matute

Abril 2022

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autora: Irina Alonso

Actriz: Irina Alonso

Vestuario: Belén Pallotta

Escenografía: Eva Córdova

Iluminación: Lucas Orchessi

Asistencia de dirección: Nury Bertone

Prensa: Valeria Franchi

Dirección de actuación: Pablo Caramelo

Dirección General: Irina Alonso

CELCIT

Moreno 431

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4342-1026

Domingo - 16:00 hs

Entrada: $ 1.000 - Jubilados y estudiantes: $ 800

"El Reproche", un espectáculo y un acto de justicia

 

Ver la platea del Teatro Picadero repleta y expectante a punto de ver El Reproche, de Victor Hugo Morales, es un acto de Justicia.

Ver la platea del Teatro Picadero repleta y de pié ovacionando al final y, sobre todo, cuando se lo nombra, es un acto de Justicia.

Que esa ceremonia se venga repitiendo y se siga repitiendo los jueves en el Teatro Picadero, sin lugar a dudas, es un acto de Justicia.

Es un acto de Justicia una sala de teatro llena, expectante, entusiasta, agradecida, para con el hombre que más apoya al teatro en la ciudad de Buenos Aires.

Hace años que digo que Víctor Hugo se merece un gran homenaje de profundo agradecimiento del colectivo teatral independiente. Un acto teatral que le agradezca y lo mime, como él nos mima. Y anoche supe que sucede. Está sucediendo. Y es una fiesta. Y, sí, un perfecto acto de justicia porque además el público, esa cuna mecedora que completa la ceremonia teatral, está allí completando.

Y está perfecto, creo, que él mismo haya sido el hacedor inicial de esa recompensa. Escribiendo teatro, claro. Uniendo dos de sus pasiones: la escritura y el hecho teatral.

“El reproche”, primera obra de teatro de Víctor Hugo Morales hace honor a sí mismo. Inteligente, aguda, sagaz, hábil, la obra transita los laberintos del amor de pareja, de la lealtad, de la verdad y la mentira, la construcción y la deconstrucción, la desigualdad de género y la “famosa” libertad dentro de un vínculo.

El espectáculo cuenta con dos actrices y un actor que hacen gala de su talento y a la vez nos representan a todas y todos quienes hubiéramos querido estar ahí, haciendo y homenajeando. Malena Figó vuelve a confirmar –por si hiciera falta– que es una de las mejores actrices argentinas de su generación. Claudio Da Passano vuelve a hacernos reír y emocionar con esa paleta histriónica con la que cuenta y de la que hace uso con soltura y perspicacia. Y Mayra Homar les hace un preciso y exacto contrapunto para desenredar el nudo de la trama. Todo dirigido con madurez, exquisita sensibilidad y gran belleza por Julieta Otero, que eligió un equipazo para que la contenga y la sostenga en la aventura.  

No me queda más que agradecerles por contar/nos tan bellamente la historia escrita por nuestro héroe cotidiano y hacernos cómplices de ese preciso acto de justicia: la ovación semanal de una platea repleta a quien más se lo merece.

Stella Matute

Abril, 2022

Ficha técnico-artística:

Dramaturgia: Víctor Hugo Morales
Elenco: Claudio Da Passano, Malena Figó y Mayra Homar.

Escenografía: Ariel Vaccaro

Vestuario: Ruth Fisherman y Andy Piffer

Diseño de luces: Adriana Antonutti y Juan Manuel Noir

Música: Mariano Otero y Tomas Merello

Voz Canción: Carlos Casella

Coreografía: Anita Gutierrez

Diseño gráfico: Agustina Trovato

Maquillaje & pelo: Rocío Baldonedo

Fotografía: Guido Wain

Edición de video: Samuel Valentín Zuidwijk

Prensa: Varas Otero

Asistente de dirección: Camila Sartorio

Asistencia de producción: Alén Carrera de Souza

Producción: Marina Glezer

Dirección: Julieta Otero

Entradas por Plateanet.

Teatro Picadero - Jueves 20 hs.

La mentira hecha historia, o bien: "Olvidate del Matadero"

Echeverria mintió, miente y seguirá mintiendo a lo largo de la historia, fundando –tal vez- o alimentando, las hoy llamadas y ponderadas “fake news”. Mintió, miente y seguirá mintiendo. Hasta que encuentre un testigo que recuerda. Que estuvo ahí y recuerda. Y lo cuente. Con claridad, sin censura ni especulaciones, con ternura, con dolor, con miedo y sin miedo a la vez. Y entonces, ahí está Misky. El “opa” del pueblo reducido a esclavo del señor esclarecido  que quiere obligarlo a olvidar. Pero Misky no olvida. Ni las letras ni los hechos. Aprendió a escribir como al pasar, sin que nadie se ocupara de enseñarle, y desde ese momento recuerda todo lo que lee. Y también todo lo que vive. Con lujo de detalles. Y no puede olvidar. O no quiere su cabecita empecinada. Y es lo mejor que puede pasar, pasarle, pasarnos. Alguien que nos recuerde que “la grieta” y las “fake news” no son un invento de la pos verdad sino que nacieron en los comienzos de nuestra historia.

Misky es la criatura encargada de contarnos la relectura que Pablo Finamore y Claudio Martinez Bel hicieron de “El Matadero”, de Esteban Echeverría. Misky habla por ellos y por muchas y muchos. Y nos interpela, nos emociona, nos hace ver ese día en el matadero, nos lo revive, nos lo muestra como un recorte de una realidad que de tan repetida parece cotidiana.

Misky “usa” a Pablo Finamore para encarnar la ternura, la inocencia, la pobreza, la injusticia, el dolor de una clase siempre postergada, siempre maltratada, siempre utilizada por los poderosos.

Misky no olvida. Pablo y Claudio tampoco. Qué suerte.

Y qué suerte las espectadoras y los espectadores que se han acercado, se acercan y se acercarán los viernes al Teatro del Pueblo a dejarse llevar por sus manos a las entrañas de una mentira que nos constituye como un país vulnerado.

Dicen que cuando a Ruben Juárez le preguntaban por lo difícil de su talento para tocar el bandoneón y cantar al mismo tiempo él contestaba: “No. No es difícil. Es fácil o imposible”. Bueno… ese talento tiene Pablo Finamore en el escenario. Estoy segura de que encarnar a Misky o que Misky lo encarne –que no es lo mismo pero es igual- es “fácil o imposible”. Sólo él puede hacerlo. Y Claudio Martínez Bel, con su dirección precisa, delicada, ágil, de una pulcritud desmesurada, lo contiene y protege.

Gracias, muchachos, compañeros queridos, por “Olvidate del Matadero”.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Autores: Pablo Finamore, Claudio Martinez Bel

Actor: Pablo Finamore

Vestuario y Escenografía: Adriana Estol

Iluminación: Agnese Lozupone

Asistencia y Producción: Adriana Yasky

Supervisión dramatúrgica: Mauricio Kartun

Dirección: Claudio Martinez Bel

TEATRO DEL PUEBLO

Lavalle 3636 - CABA

Teléfono: 7542-1752

Entrada: $ 1.200,00 / $ 1.000,00 - Viernes - 20:30 hs - Hasta el 01/04/2022

HABLAR DE LO NECESARIO

 "Como tú, yo también he tratado de luchar
con todas mis fuerzas contra el olvido.
Como tú, he deseado tener una inconsolable memoria,
una memoria de sombras y de piedra..."
(Así se expresa uno de los personajes
de "Hiroshma, mon amour".)

 

¿Cuántas veces hay que contar nuestra historia para que no se olvide? Las que sean necesarias.

Una muchacha de diecisiete años es expulsada de España por haber tenido la osadía de ser madre soltera. Pero ni la guerra ni su inflexible padre podrán con su espíritu soñador y de lucha. Llega a la nueva tierra joven, pobre y mujer, pero embanderada en el amor y la libertad. Una mujer que construye grandeza en la adversidad. La vida no le evitará dolores y ella no reparará en luchas.

Luciana Cervera Novo se escribe esta historia basándose en la de su bisabuela… Aquella Luisa que subió al barco en busca de nuevos y mejores destinos. Y digo “se escribe” porque además de escribirla, Luciana la encarna y sana. Sana a su linaje y a nuestra historia.

Acompañada en vivo por el exquisito aporte del músico Agustín Mulet –compositor de la música original de la obra– y dirigida con delicadeza y sensibilidad por Natalia Pascale, Luciana construye un espectáculo que bordea el biodrama. Transita la historia de su bisabuela con una comodidad, una nobleza y una hidalguía que conmueven. Canta, baila, dialoga, se emociona y emociona.

En el escenario está ella y su músico. Pero el espectador se irá habiendo conocido también a Luis –primogénito de Luisa y abuelo de Luciana–, a Leandra, a Alfonso, a  Olga, Ramón, a los vecinos; se irá también habiendo visto el mar, el conventillo, las calles humildes, las prisiones, las compañeras. Y también habrá atravesado tiempos, épocas, historia. ¿Cuánto tiempo es una hora teatral? A veces simplemente cruza siglos.

Luis, además de hijo de Luisa y abuelo de Luciana en la vida real, es uno de nuestros compañeros detenidos, desaparecidos. Luisa una de nuestras madres de pañuelos blancos. La voz en off de nuestra inmensa Taty Almeida corona esta ceremonia teatral y suma a esa emoción que desborda por los ojos de comienzo a final.

“Luisa” es un espectáculo imprescindible. Por talento y porque imprescindible es mantener viva nuestra Memoria.

Que Luciana, Agustín y Natalia, tres personas tan jóvenes, se propongan esa gesta reaviva la esperanza.

30.000 compañeros detenidos desaparecidos: ¡PRESENTES! ¡AHORA Y SIEMPRE!

Gracias infinitas a nuestras Madres y Abuelas, siempre.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia y actuación: Luciana Cervera Novo

Voces en Off: Taty Almeida y Matias Bertiche

Diseño de vestuario: Anita Figueroa

Diseño de escenografía y diseño gráfico: Ayelén Beti

Música original y músico en escena: Agustín Mulet

Diseño de Iluminación y fotografía: @fiero.fuego

Asistencia de dirección: Soledad Ayardi

Dirección: Natalia Pascale

"LUISA" puede verse los sábados a las 20 hs. en el nuevo espacio teatral, recientemente inaugurado, ITACA, un lujo para estos tiempos que corren. Humahuaca 4027. 

De poetas, actores y resistencias

“El teatro es poesía que se sale del libro para hacerse humana”
Federico García Lorca

 

El poeta escribe y lo matan. Su obra inconclusa será la prueba irrefutable del crimen. “¿Qué mal puedo haber hecho yo si sólo escribo?” Su obra inconclusa buscará un final porque siempre hay un final. Posible, soñado, necesario, inesperado, desesperado.

Un actor encuentra esa obra y se propone buscar ese final que hará que el poeta sea eterno aunque ya lo es. El actor ensaya y busca, ensaya y rastrea, ensaya y averigua, ensaya y pregunta, ensaya y encuentra. No encuentra un final, encuentra un camino. El camino de la palabra, de la emoción, de la reunión con la poesía toda de un poeta que son todos los poetas.

“El camino de la fuente”, escrita y dirigida por Sabatino Palma recorre ese camino infinito y mayúsculo con una sencillez y una delicadeza que conmueve y abraza. Claro que cuenta para ese recorrido a un actor como Pablo Razuk, que una vez más (y van…) deslumbra con su sensibilidad, su precisión, su compromiso. Él es el actor, los personajes de Lorca y el poeta. Él bucea en la intimidad de un ensayo pero también se enfrenta con esa oscuridad luminosa que es el público, a veces multitudes y otras veces, las más, un puñadito de almas amantes del escenario. Busca un final posible para la obra inconclusa y encuentra poesía, siempre poesía, traducida al mismo en música y teatro, en canciones y gritos, en injusticias y resistencias, en sangre y esperanza, en crímenes y sobrevivientes, que cruzan mares y océanos, que son diferentes y siempre iguales…

Y la esperanza, claro. Siempre la esperanza.  Un homenaje profundo a la poesía, a los poetas, al teatro, a las luchas y, fundamentalmente, al Gran Federico.

Hermoso texto y ajustada dirección de Sabatino Palma. Y Razuk “sacando a la poesía del libro para hacerla humana”. 

Stella Matute

Venganza, Amistad y Amor

¿Cuánto tiempo se necesita para llevar a cabo una venganza? A veces toda la vida.

Este es uno de los temas que aborda “Chaco arde”, el melodrama musical queer creado por Belén Amada, Micaela Fariña y Gonzalo Quintana, quien además está a cargo de la dirección del espectáculo. Evidentemente un espectáculo visceral desde su origen.

Sandra Díaz y Alejandra Gorriti son dos amigas que han recorrido juntas el camino desde una adolescencia vapuleada por el bullyng hasta una adultez que las encuentra sedientas por castigar a sus antiguos agresores. Y ese camino las deposita en una ruta que las lleva al  Chaco, donde dos de sus compañeres de secundaria consumarán un casamiento al que ellas no han sido invitadas. Con el que, obviamente, no están de acuerdo. Y están dispuestas a todo por impedirlo. A todo.

En ese “a todo”, el director Gonzalo Quintana cuenta con dos actrices de una entrega y un talento inusitados que se entregan a la historia sin guardarse nada o, al menos, ofreciendo mucho. El espectáculo tiene esa impronta generosa de la creación colectiva, de la investigación que genera confianza escénica y que el espectador disfruta agradecido. Aún en algunas desprolijidades vocales que dificultan comprender algunos diálogos o alguna ausencia de síntesis, el trabajo interpela, conmueve, contagia entusiasmo, impacta y cala hondo en quien se entrega a ese viaje que va del disparate a la ternura sin escala.

Micaela Fariña es Sandra, una mujer que no puede olvidar un beso que una compañera le dio en Bariloche, cuando el viaje de egresades les proponía que todo era posible. “Un beso como no se besa a una amiga”. Está convencida de que eso que ella siente desde ese tiempo hasta hoy es el verdadero amor y que todo lo demás es mentira. Para contarnos ese sentimiento cuenta con un instrumento físico,  vocal y musical envidiables. Y lo usa. Vaya si lo usa.

Y Marina Ortega –que se incorporó al espectáculo en esta temporada- no le va en saga. Construye desde las entrañas a su Alejandra, esa amiga incondicional, todoterreno, que puede matar por defender a quien ama. Y le imprime a su composición la fuerza de un secreto que le vibra de pies a cabeza. Su trabajo tiene la impronta de una ofrenda.

Hermosas las dos, por momentos arriesgan mucho en esa entrega. Y se recomponen, y emocionan en ese margen de la ternura que da respiro. Y ahí hace pie la venganza, en la ternura y el amor. Que es la única forma de venganza aceptable.

Menudo trabajo ha tenido el director para ordenar ese desborde de talento y entrega.

El espacio escénico del Tadrón no podría ser mejor lugar para que estas dos mujeres se entreguen a la libertad de sus cuerpos y sus voces. Dicen que les quedan sólo dos funciones. Pero arriesgamos a  augurarles unas cuantas temporadas más.

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autores: Belén Amada, Micaela Fariña, Gonzalo Quintana

Actrices: Micaela Fariña, Marina Ortega

Diseño de vestuario: Mailen Calvo

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de luces: Samir Carrillo

Visuales: Eliana Agüero

Fotografía: Gastón Marín

Diseño gráfico: Roy Cifre

Asesoramiento De Movimiento: Sebastián Villagra

Asistencia técnica: Josefina Bonnet

Asistencia de dirección: Belén Amada, Kika Monte

Coreografía: Sebastián Villagra

Dirección: Gonzalo Quintana

SÁBADOS 21 hs. en TADRON TEATRO

Niceto Vega 4802 CABA - Argentina

Teléfonos: 4777-7976

Un abrazo que sana

Un hombre escribe sobre un hombre. Escribe, quizá,  para sanar a ese hombre que es él y que tal vez no. Luego  olvida su escrito en un rincón de la nostalgia. Otro hombre encuentra ese texto y decide sanar y sanarse poniendo su piel al servicio de todos los hombres que fueron niños y crecieron de golpe en las garras de lo inesperado.

Esos dos hombres, el que escribió y el que encarna, se unen en una ceremonia que es “abrazo de frío azulejo”, habitando los rincones del misterio que propone crear universos de la nada. Nada que es un espacio, un cubo, una gota que horada, una melodía, un dibujo en el piso y un cuerpo casi desnudo. Así se ofrecen y así reciben.

“Abrazo de frío azulejo” narra en presente la historia de un niño que ya es adulto y que recuerda una experiencia que le marcó la vida.

Fernando Alegre, autor y director, logra esta vez una síntesis artística que es el resultado de una profunda investigación desde la dramaturgia y la escena. Y Gastón Biagioni se entrega a ese niño vulnerado, que en el baño de un club su vida irá de la fantasía al infierno, toda la magia necesaria para que el espectador lo vea abrazado a ese azulejo que pinceló su retina y su alma para siempre. Y ya sabemos que “siempre” es mucho tiempo. Entre los dos –director y actor- logran un espectáculo visceral y generoso que interpela y conmueve; duele y sana; provoca y deconstruye.

Quienes asisten a esa ceremonia teatral, que comienza en el hall con una empanada y un vino, no salen ilesos de la experiencia. Y sin dudas, quien se entregue a la sensibilidad, saldrá mejor persona. Porque el arte mejora a la gente y este espectáculo da cuenta de ello.

“Abrazo de frío azulejo” es una creación que va de lo pequeño a la desmesura. 

No te la pierdas. 

Para acceder a verla debés llamar o escribir al +54 9 11 6665-9843 y ahí te dirán para cuándo pueden reservarte. Porque las localidades suelen estar agotadas.  

Stella Matute

Autoría y dirección: Fernando Alegre

Actor: Gastón Biagioni

Lugar: Unicornio Espacio de Arte

Funciones: a convenir por reservas

Una pareja, una Patria

Algún pueblo de nuestro vasto territorio. De esos que, salvo para un puñado de personas que lo habitan, suelen ser lugares de paso y de respiro para quienes recorren el país con su trabajo. 

Un hotel. Una década que se consume. Una Patria que agoniza. Un invierno frío. Tal vez el más frío de los inviernos.  

Una pareja que no fue. Dos personas que transitan los laberintos de un desencuentro infinito.

“Fuera del mundo” es una sutil metáfora sobre el comienzo del horror. Un delicado recorrido paralelo entre lo micro y lo macro. De las habitaciones de un modesto hotelucho al país entero. Del relato de dos seres individuales al de los sucesos de todo un país vulnerado. 

Julia y Martín se han visto periódicamente durante diez años. Y ese domingo de frío y niebla, de soledad y desasosiego, podrán –tal vez- dar los pasos del único baile que desearon pero bajo la melodía de una sucesión de notas desafinadas, definitivas. 

Raúl Brambilla, autor y director del espectáculo, no pudo encontrar mejores intérpretes para encarnar a los desamparados, suaves  y sensibles personajes de su historia. Una historia arriesgada y simple a la vez, que narra un universo todo desde el sencillo comedor de una casona vetusta. Malena Figó y Marcelo Mininno ponen todo su talento, intensidad y nobleza artística al servicio de esas criaturas que, desde sus cándidas existencias, cruzan el puente del deseo postergado para encontrarse en la inmensidad de lo imposible. Tanto ella como él saben domar el potro desbordado de sus emociones para darles luego rienda suelta corcoveando entre la impotencia y la esperanza que no por esquiva es menos potente. Brambilla tiene el talento de que su mano de director no se vea en el transcurso de un espectáculo que está dirigido puntillosamente, en el que la actriz y el actor suben al público  a un cabalgar que va del paso manso al galope desenfrenado para pasearlo por la memoria de una historia que nos pertenece y nos sigue doliendo. 

"Fuera del mundo", es el título. Pero es una obra que te hace estar dentro de esa  historia, dentro de esa memoria –que es la nuestra-, dentro de ese interminable dolor de una patria lastimada.

Stella Matute

FICHA TECNICO-ARTISTICA: 

Actúan: Malena Figó y Marcelo Mininno 

Diseño de vestuario: Cecilia Carini

Diseño de escenografía: Iván Salvioli 

Diseño de luces: José Binetti 

Fotografía: Claudio Da Passano 

Producción Ejecutiva y Asistencia de Dirección: Rubén Sibilia 

Dramaturgia y Dirección General: Raúl Brambilla 

TEATRO DEL PUEBLO 

Lavalle 3636, CABA 

Teléfono: 7542-1752 

Entrada: $ 700,00 / $ 550,00

Sábados, 17:00 hs - Del 30/10/2021 al 11/12/2021

Una clase de Historia hecha Teatro

 

Alejandra Darín y Pablo Razuk 

Una muerte, un desalojo, una casa, una historia. Una vida. O dos. Dos.

Nuestra historia.

La construcción del pensamiento nacional y la resistencia de los odiadores de siempre. Desde el comienzo de la historia hasta nuestros días. Quizá hasta el final de los tiempos.

De todo esto y más habla Scalabrini Ortiz, de Florencia Aroldi. Un espectáculo necesario, un documento encarnado, hecho escena.

En un tiempo sin tiempo el público hace un recorrido por algunos de los vericuetos de un país que viene luchando por su autonomía, por su independencia económica y por caminar sin pedir permiso al Poder Real que siempre pone rocas en el camino. Y de una pareja que lucha por lo mismo. 

En ese tiempo poético del escenario, Pablo Razuk interpretando a Scalabrini Ortiz y Alejandra Darín en la piel de Mercedes Comaleras, nos hablan de realidades y amores, de resistencias y lealtades, de respeto y atropellos, de amigos y traidores, de enfermedad y eternidad. Ambos intérpretes ya nos han acostumbrados a sus entregas y sus talentos, y en esta oportunidad –una vez más- interpelan y conmueven.

Pablo Razuk logra un parecido notable con el pensador histórico y, fundamentalmente, encarna esa sencillez de la que Scalabrini Ortiz hizo una bandera que defendió hasta su último suspiro. Y Alejandra Darín le da vida a una de esas mujeres de nuestra historia que sostuvieron el camino de sus compañeros renunciando a la merecida gloria propia. La obra cuenta una vida con dos protagonistas, con dos luchadores, con dos imprescindibles.

Delicada y precisa la propuesta de escenografía y vestuario en manos de Alejandro Mateo y bello relato musical que acompaña desde el talento de Sergio Vainikoff.

Sin dudas todas son grandes elecciones de Sebastián Berenguer, el director general de este espectáculo que debería ser declarado de "Interés Histórico Educativo" y ser “de escenario obligatorio” en escuelas y universidades. Gracias Florencia Aroldi por Scalabrini Ortiz.

STELLA MATUTE

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Autora: Florencia Aroldi

Actúan: Alejandra Darín y Pablo Razuk

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Maquillaje: Sofía Banegas

Diseño de iluminación: Horacio “Chino” Novelle

Composición musical: Sergio Vainikoff

Fotografía y diseño: Patricio Vegezzi

Producción ejecutiva: Albondigas Producciones, Korinthio Teatro y Sebastián Berenguer

Asistencia de producción: Lydia Stevens

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Carolina Peralta

Dirección general: Sebastián Berenguer

Sábados a las 17.30 hs

Teatro Picadero. Pasaje Santos Discepolo 1857

 

 

PALABRAS CON PELIGRO

 

¿Cuántas formas tiene el abuso? ¿Cuántas son sus máscaras? ¿En qué lugar agazapado de la condición humana siempre está a mano para dar el zarpazo y herir, lastimar, despertar el horror? 

La fascinación por su docente de una adolescente con discapacidad. La fascinación del docente por esa alumna que lo deslumbra con su sensibilidad distinta. En ese vínculo anida el peligro. No importa si hay buenas o malas intenciones. Lo que no debe ser no debe ser. Y cuando el daño está hecho no hay vuelta atrás. 

“Mis palabras”, escrita y dirigida por Marcelo Allasino, ingresa a ese laberinto y lleva a los espectadores a perderse allí, en ese delgado límite entre el poder de enseñar y el abuso del rol. 

“Las palabras crean realidades y tejen deseos.  ¿Cómo suenan mis palabras en tu escucha?  ¿Cómo afectan tu fantasía y tu verdad? ¿Qué responsabilidades tenemos frente a la entrega, el amor, la compasión? ¿Y frente a la creación?  Las palabras, también, le abren la puerta al espanto.”, dice la gacetilla informativa. Y es de una verdad tan desmesurada que no salís ileso al levantarte de la platea. Esas palabras atraviesan. Todas. 

“Mis palabras” es un espectáculo potente, titánico, épico, necesario. Que cuenta con una actriz –Agostina Prato- que atraviesa todos los estados y los estadios, con un talento superador. Y un actor –Nahuel Monasterio- de una sensibilidad que le permite deshacerse y rehacerse una y otra vez en escena. Generan un tándem que no da respiro. Los acompaña la magia de Nico Diab con un diseño sonoro en escena, que ayuda tanto al elenco como al espectador a respirar el dolor y arrojar al aire la carcajada cuando la tensión se diluye un algo. Todo dirigido “a lo Allasino”, con originalidad y potencia. Es difícil escribir mucho más sobre “Mis palabras” porque es difícil escribir sobre una experiencia que arrastra al espectador por la ladera de un volcán que acaba de explotar. 

Se ofrece los viernes, sábados y domingos a las 20 hs. en el Centro Cultural San Martín. No dejen de verlo. Hay que verlo. (Hasta el 13/11/2021) - Sarmiento 1551

Ficha técnico/ artística:

Actuación: Agostina Prato y Nahuel Monasterio

Música y puesta sonora en vivo: Nico Diab (MUX)

Escenografía: Ignacio Riveros

Diseño de Iluminación: Leandra Rodríguez (ADEA)

Ayudante de Iluminación: Agustín Valle

Diseño de vestuario: Uriel Cistaro

Realización de vestuario: Patricia Mizraji

Dibujos: Clara Esborraz

Dispositivo visual: Mauricio Casaretto y Fabián Kesler

Videos cámaras de seguridad: Ramiro Rodríguez y Julio Constantin

Edición de videos: Mica Di Pompo

Cámaras en vivo: Sol Muñoz y Camila Morales

Asistencia de sonido: Gonzalo Peralta

Diseño gráfico: Leonor Barreiro

Prensa: Valeria Franchi

Coproducción: El Cultural San Martín

Asistencia de producción: Agustina Gil

Producción: Raúl S. Algán

Asistencia de dirección: Juliana Ortiz

Autoría y dirección: Marcelo Allasino

Un puzzle que nos rompe la cabeza

 

Veintiuna obras son seleccionadas entre 1540 obras. Sin duda esas veintiuna obras tiene gran mérito. Una de esas obras es "Puzzle", de Omar Lopardo y después de haber visto el espectáculo sé que tiene muchísimo más que un gran mérito. Es una obra que merece ese premio y muchos otros.

Dos hombres llegan al mismo tiempo a un banco de plaza. Los dos consideran que ese banco les pertenece. Nunca antes se han visto. Pero muy pronto descubren que se conocen mucho más de lo que pueden imaginar. La memoria les irá jugando una mala pasada –o buena, depende desde dónde miremos- y se les irá develando la historia propia y la del otro, que no es la misma pero es igual. ¿Son dos? ¿Es uno? ¿Son ellos? ¿O somos nosotros? Tal vez no tiene importancia, o la tiene toda, porque son un universo todo y desde ese universo hablan de la vida, de la verdad, de la mentira, de los engaños, de la burla, de los desencantos, de la identidad, de lo expuesto, de lo oculto…  y de la justicia en todas sus formas –formal, divina, por mano propia-.

Un texto intenso, misterioso, inquietante -con reminiscencias de Beckett, Sartre, Ionesco-, con chispazos de humor, que encontró en Santiago Doria a su director ideal. Una puesta bella y minimalista, que cuenta no sólo a través de la palabra sino de los objetos, los colores, las luces, los sonidos. Impecables trabajos de escenografía, vestuario, luces y música en manos de Daniel Feijoò, Laura Singh, Roberto Traferri y Martín Bianchedi respectivamente. Un espectáculo bordado a mano, estilo exquisito tan propio de Doria.  

Párrafo aparte, obvio, para las dos descomunales actuaciones, que se entregan con pasión a la difícil propuesta tanto de texto como de dirección. Esteban y Marcos tienen en Osmar Nuñez y Jorge Suárez sus cuerpos y sus almas. Sus encarnaduras precisas. Dos trabajos de una sensibilidad mayúscula. Un ir y venir cómodo -que incomoda- de la palabra al sentimiento, del sentimiento al desgarro.

Del otro lado de la pantalla –el espectáculo se ofrece desde la plataforma digital del Teatro Nacional Cervantes- las y los espectadores se reflejarán en espejos deformes mientras se preguntan cuánto de cada uno de esos dos personajes vive –y muere- en cada uno de nosotros.

Stella Matute

Ficha técnico-artística:

Autor: Omar Lopardo

Actores: Osmar Núñez y Jorge Suárez

Producción: TNC: Marcelo Dorto

Asistencia de dirección: TNC: Esteban De Sandi

Música: Martín Bianchedi

Iluminación: Roberto Traferri

Vestuario: Laura Singh

Escenografía: Daniel Feijóo

Dirección: Santiago Doria

Disponible aquí: https://www.youtube.com/watch?v=6cL0EzVqu4I
Duraciòn: 51 minutos.

Othelo como excusa

 

Volver a ser espectadora después de un año de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Para quienes enfrentamos este tiempo con responsabilidad, salir hacia un hecho social, ya es mucho. Todo inquieta. Y sentarse en una sala teatral con barbijo puesto, después de haber sido testeada en temperatura y a dos metros de distancia del siguiente espectador, propone un estado verdaderamente especial. De verdad deseaba que lo que iba a ver me conmoviera –siempre lo deseo, pero en este tiempo todo se dimensiona-, lo que no esperaba era que me modificara tanto. Y sin duda, “Othelo –termina mal-“ modifica.

En realidad, ya el título debió habérmelo advertído.

¡Esto es Shakespeare!, aclaran de entrada los cuatro magos del escenario. Y para afirmarlo ponen al gran William –cual omnipresente testigo- para que los observe desde un costado de la acción. ¡No es clown, no señores!, vuelven a aclarar y no se ponen nunca la nariz roja. Y desde esa aclaración casi constante ofrecen Othelo y también –por si fuera poco- aclaran de entrada que “termina mal”. Por lo tanto, nos anuncian que no habrá sorpresa. Que todo lo que pase allí ya lo sabemos. ¡Ja! Gran engaño. Porque el público no tiene idea de lo que va a ver… 

La historia del admirado autor inglés ha sido amasada en la talentosa procesadora de Gabriel Chame Buendia y mezclada con una apabullante dosis de imaginación, otra de sorpresa, una más grande de ingenio y otra –inmensa- de riesgo. Vertió esa mezcla en los cuatro de los mejores “moldes” con que un hacedor pueda contar y el resultado es un Othelo desopilante horneado a fuego lento en la llama única del talento colosal.

Tres actores y una actriz para un Otelo completo. Ahí están Yago, Desdémona, su padre, Rodrigo, Casio, Ludovico, Emilia, Brabancio y –claro- Otelo siendo fieles e infieles al mismo tiempo a la mítica obra shakespeariana. Respetándola a rajatabla pero acercándola desfachatadamente a nuestros días, a nuestro lenguaje, a nuestro cotidiano. Con humor desopilante, con desparpajo, con soltura, y con trabajo. Mucho trabajo. Traspirando la camiseta como obreros de la escena. Convirtiendo cajas en tronos, mesas en palacios, telas en mares y sábanas, cuerpos en instrumentos inefables de la narración.

¿Teatro físico? Si. Y del muy bueno. Pero hay más. ¿Clown? Sí, y del mejor. Pero hay más. ¿Buenas voces? Si, pero hay más. ¿Buen manejo del escenario? Sí, pero hay más. ¿Interacción descomunal con el público? Sí, pero hay más. Hay más.

Hay comunión. Hay ceremonia. Hay ofrenda. Hay actualidad feroz en ese texto milenario traído a interpelarnos hoy.

Matias Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio son los desaforados e imprescindibles creadores con los que Gabriel Chame Buendía cuenta para que su vuelo de dramaturgia y dirección sea alto y luminoso. Los cuatro alcanzan climax a lo largo de los 110 minutos que dura el espectáculo y que pasan volando.

El público ríe ríe y ríe con los juegos y recursos de estos cuatro artistas que se sacan chispas en un duelo de talentos pocas veces visto en la escena porteña. Y a la vez, puedo asegurar, que el público teatral nunca antes quedó tan mudo cuando esta tragedia se desenlaza. Otro gran hallazgo de Chame Buendia. 

Othelo, tantas veces vista, esta vez es la mejor excusa posible para hablar de la condición humana actual, de la mentira, la verdad, la justicia, las conspiraciones y, sobre todo, la violencia y el femicidio. 

Volver a ser espectadora después de ¿un año? ¿un siglo? ¿un milenio? de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Un acierto de mi parte haber elegido este espectáculo para volver a serlo. Hasta el tapabocas deja de molestar por tanta entrega que llega desde el escenario del Caras y Caretas. Y sí, salí de la sala absolutamente modificada. 

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Autor: William Shakespeare

Adaptación: Gabriel Chame Buendia

Actores: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio

Vestuario: Gabriel Chame Buendia

Escenografía y Diseño de luces: Jorge Pastorino

Diseño sonoro: Sebastián Furman

Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar

Fotografía: Gianni Mestichelli

Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone

Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole

Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik

Asistencia De Producción: Micaela Fariña

Asistencia técnica: Ariel Dabbah

Asistencia de dirección: Justina Grande

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar

Producción: Buendia Theatre

Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037 - Sarmiento 2037 - CABA
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 26/03/2021
Duración: 110 minutos

LA TORTUGA

Escrita y dirigida por Marcelo Allasino
Interpretada por Matilde Campilongo

"No sé bien qué quiero decir, pero quiero decir algo", dije pidiendo la palabra. Y balbucée conmovida lo mucho que me había gustado el trabajo, perdiéndome en reflexiones de estos tiempos.
En este momento me pasa algo parecido... "no sé bien qué quiero escribir pero quiero escribir algo" pienso, y doy vueltas y vueltas porque todo es nuevo.
Hace un par de noches viví la experiencia de ver "La tortuga" por el streaming de www.teatrouaifai.com y todo fue inaugural.
No es teatro, no es cine, no es televisión. Y digo esto no en desmedro del espectáculo sino todo lo contrario. Matilde Campilongo, la intérprete, y Marcelo Allasino, el autor y director, se metieron en mi casa, en la intimidad de mi habitación y desde un lenguaje nuevo me propusieron una iniciación como espectadora. Vibré, me emocioné, me sentí interpelada. Todo en la soledad del confinamiento al que estamos obligados y sentada en mi cama tomándome una copa de vino.
La obra cuenta la historia de una mujer de más de 50 años que ha perdido su aparato reproductor a causa de un cáncer. Y desde las sensaciones de ese hecho traumático va repasando su vida toda. La excusa es una videollamada con una compañera de secundaria a la que no ve desde aquel entonces.
La historia es muy buena y cuenta con una actriz extraordinaria para darle carnadura. Y la forma en que la cuentan desde este nuevo lenguaje la potencia. Sucede. Algo del terreno del teatro, la televisión y el cine juntos, sucede. Sucede la emoción, sucede la conmoción, sucede algo parecido a esa vibración que sentimos en la platea cuando vemos buen teatro. Y digo parecido porque no es en una platea de teatro sino en la comodidad -o incomodidad- de nuestras casas.
Cuando la función, de exactos y agradecidos cuarenta y cinco minutos, termina, te invitan a una reunión de zoom para reflexionar al respecto y eso, sin dudas, completa la experiencia inaugural de la que hablé al comienzo. Durante ese encuentro cibernético te ves con las y los espectadores, cada cual en sus casas, sus hijos que entran a pedir atención, las mascotas que buscan mimos, las bibliotecas de fondo, la cotidianeidad misma...
Todo ayuda a que la experiencia sea sumamente enriquecedora.
Por último, una reflexión sobre el texto. Desde una anécdota puntual, Marcelo Allasino se mete con todos nuestros dolores. Los de las mujeres, digo. Hay algo de todas nosotras inundando esa historia, bordeando en los males del patriarcado, de la violencia, de las postergaciones, de las injusticias, y librando hacia la tangente todo el universo femenino. Y Matilde Campilongo es su personaje y es todas nosotras. Y ella misma. Al mismo tiempo.
"La tortuga" nos propone -nos exige- repensar muchas cosas. Desde la forma de "hacer teatro en cuarentena" hasta el modo de deconstruirnos para volver a construirnos en temas esenciales.
Ingresen a www.teatrouaifai.com y reserven su entrada para la próxima función. No se van a arrepentir.

Stella Matute

Una boda que dará que hablar

Cuando el público hace su ingreso a la sala, un grupo de mozos elegantes lo recibe con bandejas llenas de ricos bocaditos y copas con  vino y gaseosas. Así,  los espectadores serán convertidos en invitados –y fisgones- de una boda lujosa. La boda de la hija del Presidente. Una celebración social de la que la alta sociedad se ufana y las clases medias y bajas espían en noticieros, programas de interés general y revistas de peluquería mientras sueñan participar alguna vez de alguna.
La sala 3 del Teatro La Comedia aporta su majestuosidad para que -con una gran síntesis de recursos- el espectáculo se convierta en un salón de fiestas con sus mesas numeradas, sus invitados diversos, familiares, posibles colados, y las celebridades del jet set que nunca deben faltar en este tipo de acontecimientos.

“La boda de la hija del Presidente” se estrenó en el año 2003 con su título original “Alejandro y Ana, lo que España no pudo ver del banquete de bodas de la hija del presidente" como una parodia de la boda de la hija del entonces presidente español José María Aznar. Y su vigencia conmueve, divierte y espanta al mismo tiempo.
La obra va mucho más allá de narrar las miserias de un casamiento célebre para dar paso a una descomposición minuciosa  sobre la potencia de los mecanismos de poder, en una realidad arrinconada por lo peor del pensamiento y el quehacer de la derecha y el neoliberalismo político y económico.

Los cinco mozos de la recepción serán luego los políticos, el chofer, el obispo, la madre y el pare de la novia, las damas de honor, el asesor literario del presidente, el personal de vigilancia, la cocinera, entre otros personajes que por la boda pululan.

El director del espectáculo, Adrián Cardoso,  ha sabido sacarle el jugo tanto a los talentos de sus actores tanto como a la brillante idea de  Juan Mayorga y Juan Cavestany, sus autores. La duplicidad de roles fluye y convierte a Diego Freigedo, Ariel Gangemi, Sebastián Giuliani, Miguel Haddad y Cristian Sabaz  en un elenco numeroso de hombres y mujeres que chismosean, vigilan, pelean, compiten, conspiran, disfrutan y trabajan en el famoso evento social y político. Todas y todos acompañados por música de piano que en manos del maestro Alejandro Weber acompaña la escena con gran acierto. El vestuario y los elementos escenográficos son absolutamente funcionales a la propuesta. El espectáculo divierte, entretiene e interpela. Cuando uno sale de la sala teatral-salón de fiestas, va apagando la carcajada para dar paso a la reflexión.
No se la pierdan.
Es ideal para un domingo al mediodía.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística
Autores: Juan Cavestany, Juan Mayorga

Actúan: Diego freigedo, Ariel Gangemi, Sebastián Giuliani, Miguel Haddad, Cristian Sabaz

Músico en escena: Alejandro Weber

Vestuario: Sabrina López Hovhannessian

Escenografía: Magdalena de la Torre

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Romina Ganovelli

Asistencia de vestuario: Lucía De La Cuesta

Asistencia de dirección: Miguel Haddad

Producción general: Domènica Producción Teatral

Dirección: Adrian Cardoso

TEATRO LA COMEDIA
Rodriguez Peña 1062 - Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228
Entrada: $ 500,00 - Domingo - 12:00 hs

"CUARTELES DE INVIERNO", un desafío muy bien logrado

Dos hombres. Un boxeador venido a menos y un cantante de tangos otrora prestigioso. Una estación de trenes de un pueblo perdido que festejará su aniversario en tiempos de horror, uniformes y botas. Allí se conocen esos dos solitarios que se miden desde sus diferentes perspectivas. Pronto irán descubriendo cosas en común: la dignidad, por ejemplo. Ambos se sienten por fuera de la política pero eso no les evitará enredarse en problemas con los autoritarios poderosos del lugar. Muy pronto se verán envueltos en un mundo brutalmente despótico y opresor. Justamente eso es lo que los unirá en una amistad sin tregua donde la lealtad superará toda diferencia.

“Cuarteles de invierno” es una de las novelas más emblemáticas del admirado escritor Osvaldo Soriano. Escrita y publicada en los tiempos oscuros de la dictadura militar argentina, pronto se convirtió en una burbuja de oxígeno para quienes nos sentíamos ahogados por la falta de aire de esos días. Ni bien se restauró la Democracia en el país, Lautaro Murúa llevó una versión al cine que también se convirtió muy pronto en un éxito.

Con todo ese buen peso sobre los hombros, el autor y director Daniel Moreno decidió llevar adelante una versión teatral de la legendaria novela. Y sale más que bien parado de tamaño desafío, poniendo en escena un espectáculo sólido en actuaciones, bello en imagen y sintético en relato. Con gran economía de recursos y sosteniéndose en el trabajo, los cuerpos y el talento de sus actores, el espectáculo entretiene, angustia y divierte.

Norberto Gonzalo, Luis Manchini, Jorge Noya, Daniel Toppino y Néstor Villa se mueven cómodos en sus roles, doblan personajes, asfixian y dan respiro, logrando recrear el clima de ese pueblo atravesado por el depotismo y la tiranía. El miedo, la lealtad, la solidaridad, el horror y la venganza son algunos de los temas con los que este espectáculo se mete, haciendo honor al gran texto del querido Gordo Soriano.

La cita es: DOMINGOS 18.15 en NoAveztruz, Humboldt 1857 (hasta el 25 de agosto). 

No se lo pierdan.

Stella Matute

"Un domingo en familia", un alarido social en forma de espectáculo teatral

"Un domingo en familia", de Susana Torres Molina no es un espectáculo teatral.
Es un Acto de Justicia, un Hecho Revolucionario, un Alarido Social. Necesario, imprescindible, obligatorio, urgente.
Hablando de la muerte es un soplo de vida.
Exponiendo el horror honra la valentía.
Susana Torres Molina escribió una obra mayor, desde las entrañas hacia las entrañas. Y todo el elenco -Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado, Juan De Rosa, José Mehrez y Guillermina Etkin-, acompaña con altura esa épica. Ese texto no podría haber encontrado mejor director que el inmenso Juan Pablo Gomez que le imprime al espectáculo un ritmo entre subyugante y sórdido, entre vertiginoso y calmo, con una puesta de permanente doble lectura que atraviesa tiempos y distancias.
El elenco interpela y conmueve poniendo al espectador en el centro de la escena, obligándolo -casi- a tomar partido durante el desarrollo de la historia.
Vale destacar la elección de este material para que forme parte de la programación del Teatro Nacional Cervantes. En estos tiempos aciagos, un encuentro con nuestra historia más negra para dignificar a nuestra mejor generación desde el único teatro nacional con el que cuenta el país, es a mi entender un hecho histórico.
Esa generación entregó la vida luchando por un mundo mejor y merecía este homenaje, este espacio de reflexión, este sitio de discusión.
Por último, desde la platea se agradece que sea el Arte como política cultural quien nos advierta que una vez más estamos en peligro.
"Un domingo en familia". No se la pierdan.

¡¡¡COMPAÑERO ROBERTO QUIETO!!!!
¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

30000 COMPAÑEROS DETENIDOS DESAPARECIDOS:
¡¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

Stella Matute

Ficha técnico artística:

Autora: Susana Torres Molina
Actúan: Anabella Bacigalupo, Juan De Rosa, Lautaro Delgado Tymruk, Jose Mehrez
Vestuario: Roberta Pesci
Escenografía: Paola Delgado
Iluminación: Patricio Tejedor
Música original y música en escena: Guillermina Etkin
Asistencia de escenografía: Verónica Copello
Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi
Asistencia de dirección: Esteban de Sandi Sansiviero
Producción: Lucero Margulis
Dirección: Juan Pablo Gómez

De jueves a domingos 21 hs. 
TEATRO NACIONAL ARGENTINO - TEATRO CERVANTES
Libertad 815 
C.A.B.A. - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/