La memoria tiene nombre de mujer: "LAS MUJERES QUE HABITAN EN MI"

Toda familia guarda un puñado de historias que parecen pequeñas hasta que alguien decide contarlas. Entonces descubrimos que en ellas cabe un mundo entero. La memoria nunca viene sola. Cuando una mujer recuerda a su madre, a sus tías y a su abuela, detrás de esos nombres aparecen también una época, una forma de vivir, de amar, de resistir y de habitar el mundo. “Las mujeres que habitan en mí”, escrito e interpretado por Mona Moroni y dirigido por Luis Campos, nace precisamente en ese territorio donde lo íntimo y lo colectivo se encuentran.

Desde una propuesta que combina la narración oral con la interpretación teatral, Mona Moroni abre el álbum de su propio linaje femenino y nos presenta a su abuela inmigrante, a sus tías, a su madre. Pero lo que comienza como un relato familiar pronto se transforma en algo mucho más vasto. Porque en cada una de esas mujeres aparecen reflejadas miles de otras: mujeres que inmigraron, trabajaron, resistieron, enviudaron, criaron, soñaron, callaron y lucharon en tiempos muchas veces adversos.

Con notable sensibilidad, Mona transita esos recuerdos sin caer jamás en la nostalgia fácil. Cada evocación encuentra su resonancia en la historia social y política de nuestro país. Las conquistas, las injusticias, los derechos ganados y los dolores heredados aparecen entrelazados con anécdotas domésticas, recordándonos que la Historia siempre sucede también en las cocinas, los patios, las máquinas de coser y las sobremesas.

La dirección de Luis Campos acompaña con inteligencia una puesta austera que confía en lo esencial: la palabra, la presencia y la verdad de quien cuenta.

Y es precisamente en esa aparente sencillez donde reside gran parte de su potencia. Porque “Las mujeres que habitan en mí” no se limita a reconstruir una historia familiar: realiza una delicada operación de memoria. Un acto de amor hacia quienes nos precedieron y una invitación a preguntarnos qué voces, qué gestos y qué luchas siguen habitando en nosotros. Qué parte de esas vidas sigue latiendo en la nuestra. Y qué huella dejaremos, a nuestra vez, para quienes vengan después.

Acaso por eso conmueve tanto.

Stella Matute

Junio´26

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:

Autora y actriz: Mona Moroni
Vestuario: Socias Vestuario & Producción
Diseño de luces: Fabi Maneiro
Fotografía: Julián Campos
Diseño gráfico: Iván Lifschitz
Asistencia de iluminación: Daniel Lifschitz
Asistencia de dirección: Susana Arata
Prensa y producción ejecutiva:Fabi Maneiro
Dirección: Luis Campos

DÓNDE LO HACEN: 
EL CRISOL - Malabia 611 - CABA
Domingos - 18:00 hs 

"TODO LO QUE QUEDA": la ´insoportable´ arbitrariedad de los recuerdos

Hay espectáculos que se disfrutan. Y hay otros que, además, se quedan a vivir un tiempo con nosotros. "Todo lo que queda" pertenece a esa segunda categoría.

A partir de una herencia material, dos hermanos se ven obligados a enfrentarse con una herencia mucho más compleja: la de los recuerdos, los silencios, los afectos, los mandatos y las heridas compartidas. O aparentemente compartidas. Porque una de las preguntas que atraviesa la obra es justamente esa: ¿cuánto de una misma historia fue realmente igual para quienes la vivieron?

Los hermanos Jeger (Fernando y Gastón) construyen un trabajo de una precisión admirable. Hay algo profundamente conmovedor en la manera en que se complementan sobre escena. No sólo porque son excelentes intérpretes, sino porque entre ellos circula una complicidad que excede la actuación y se vuelve materia teatral. Se percibe el vínculo fraterno en cada mirada, en cada pausa, en cada desacuerdo y en cada abrazo.

Dirigidos con sensibilidad e inteligencia por Javier Lejwa, habitan un universo donde el lenguaje clownesco despliega toda su potencia poética. El humor aparece como una forma de conocimiento. La torpeza, el delirio y el juego se transforman en herramientas para explorar territorios complejos: el duelo por la muerte del padre, la construcción de la identidad, las miserias humanas, el amor, la desconfianza y esa extraña arbitrariedad con la que funciona la memoria.

Porque la obra nos recuerda algo esencial: no recordamos los hechos, recordamos nuestra versión de los hechos. Y allí, en ese territorio inestable, se construyen muchas veces los vínculos familiares.

El dispositivo escénico es minimalista y eficaz. El diseño lumínico acompaña con precisión. Nada sobra. Nada distrae. Todo está puesto al servicio de la actuación y del relato.

Y entonces ocurre algo hermoso: el espectador pasa de la carcajada franca a la emoción más profunda sin advertir el trayecto. Ríe. Se conmueve. Se reconoce.

Al terminar, uno sale de la sala con una sonrisa persistente. De esas que vuelven horas después, cuando ya está en otro lugar, y recuerda que durante un rato compartió una experiencia profundamente humana.

Y eso, en tiempos tan ruidosos, es un regalo enorme.

Como si fuera poco, es a la gorra. 

NO SE LO PIERDAN. 

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:
Actores: Fernando Jeger, Gaston Jeger
Diseño De Iluminación: Braian Mustafá
Asistencia de dirección: Sandra Rojas
Dirección: Javier Lejwa

DÓNDE LO HACEN: 

Espacio Aguirre

Aguirre 1270- CABA

Domingos a las 18

El abrazo de Osmar Nuñez y el corazón de Lorca

Escuchar la palabra de Federico García Lorca siempre es una forma de resistencia. Una resistencia delicada, amorosa, profundamente humana. En tiempos donde todo parece empujar hacia la velocidad, el cinismo y la crueldad, volver a encontrarse con esa escritura tan llena de belleza y de dolor produce algo parecido al alivio.

Eso sucede en Con Federico, el espectáculo de Analía Fedra García protagonizado por Osmar Nuñez con intervenciones de la propia dramaturga y directora. Y sucede desde el primer minuto.

Lorca aparece en toda su dimensión: el poeta, el dramaturgo, el hombre herido, el irónico, el artista que piensa el amor, la muerte, el deseo, la soledad y también el sentido del arte. Qué valiosa resulta la decisión de Analía Fedra García de alternar entre distintas formas de su escritura: cuentos, poesía, escenas teatrales, conferencias, discursos. Ese recorrido no solamente enriquece el espectáculo, sino que le otorga un ritmo permanente, una respiración sensible que evita cualquier solemnidad.

Y en el centro de todo está Osmar Nuñez.

¡Ay, Osmar Nuñez! 

Cuánto talento. Cuánta palabra bien dicha. Qué maravilla verlo atravesar esos textos con semejante verdad. Hay intérpretes que parecen “decir” a los autores y otros que los encarnan hasta volverlos presentes. Osmar pertenece a estos últimos. Habita a Lorca con una profundidad conmovedora, pero también con una enorme sencillez. Sin excesos. Sin artificios. Apenas un actor inmenso dejando pasar la poesía a través de su cuerpo.

Y allí, como un contrapunto, aparece Analía Fedra García en escena. Sus intervenciones airean los climas cuando la oscuridad lorquiana se vuelve demasiado densa. Introduce humor, ternura, cercanía. Le recuerda al público que también se puede respirar dentro del dolor. Ese equilibrio entre emoción y liviandad vuelve al espectáculo especialmente amable. Y qué hermoso es poder usar esa palabra: amable.

Porque Con Federico es un gran espectáculo y también es un abrazo. Una invitación a detenerse un rato y dejarse acariciar el pecho y permitir que la belleza haga su trabajo silencioso sobre el alma.

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN

Textos: Federico García Lorca

Dramaturgista: Analía Fedra García

Actor: Osmar Nuñez

Música original y diseño de sonido: Miguel Angel Pesce

Realización de vestuario: Candela Mac Lennan

Realización de objetos: Carlos Miguel Sosa, Sol Scheifer

Diseño de iluminación:Marco Pastorino

Asistencia de dirección:Tomás Scheifer

Dirección: Analía Fedra García

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543

Viernes - 21:00 hs

MUJERES QUE VUELVEN EN PALABRA: Ellas y Galeano

 

"Ellas y Galeano", con dirección de Santiago Doria, es un espectáculo que no necesita imponerse para quedarse acunado en el costado. Un trabajo que elige la sencillez como forma y, desde ahí, alcanza una profundidad conmovedora.

A partir de textos del gran Eduardo Galeano, la obra construye un recorrido por historias de mujeres que han dejado huella en nuestra amada y lastimada Latinoamérica —historias muchas veces silenciadas, otras tantas olvidadas—. No hay artificios: dos actrices, dos bancos, papeles, algunas canciones. Y, sin embargo, todo sucede. Todo late.

Hay una dramaturgia precisa en el hilvanado de esos textos. No es una sucesión de relatos: es un devenir histórico, un tejido de luchas, conquistas, dolores y celebraciones. Cada palabra parece encontrar su lugar justo en ese entramado que levanta banderas y señala heridas. Galeano, con su mirada siempre atenta a lo invisible, reaparece aquí con toda su potencia: la desobediencia como gesto vital, la resistencia como forma de existir, la igualdad como horizonte.

La sensibilidad de Santiago Doria potencia ese universo y lo pone en manos de dos intérpretes que sostienen el espectáculo con una delicadeza admirable. Cecilia Cósero y Carla Haffar dicen y sienten “a lo Galeano”: doman la emoción sin negarla, la atraviesan sin caer en el exceso. Sus voces acarician al espectador, sus pausas respiran sentido, sus cuerpos alojan esas historias con respeto y entrega.

Hay fuerza y canto. Hay tristeza. Y hay rabia. Pero siempre hay belleza. Una belleza que no edulcora, que no esquiva el dolor, pero que encuentra en la palabra un modo de reparación.

“Ellas y Galeano” es, en definitiva, un espectáculo que abraza desde lo mínimo. Que demuestra que la profundidad no necesita volumen. Y que, en tiempos de tanta violencia y ruido, se vuelve un bálsamo: un espacio donde recostarse, escuchar, y —aunque sea por un rato— volver a creer en la potencia transformadora de la memoria y la palabra.

Stella Matute

Abril, 2026

Tenerte al Tanto

QUIENES LO HACEN:

Textos: Eduardo Galeano

Actrices: Cecilia Cósero, Carla Haffar

Iluminación: Fernando Cuadra

Diseño gráfico y asistencia: Iván Lifschitz

Producción ejecutiva: Fabi Maneiro

Dirección: Santiago Doria

DOMINGOS A LAS 20 HS. 
ÍTACA TEATRO
Humahuaca 4027 - CABA

EL RUMOR DEL MAR EN CARNE VIVA: "SEGUNDA PRINCESA", de Alejandro Schiapacasse

 

El mar no está en escena, pero respira. La celda no está en escena, pero encierra. Laten en cada palabra, en cada silencio, en cada gesto de ese cuerpo que, solo, es capaz de sostener un mundo entero. “Segunda Princesa”, escrita, dirigida e interpretada por Alejandro Schiapacasse, es una de esas experiencias donde el teatro se vuelve acto de fe: creemos porque él cree.

Un banco, unas botas, guantes, una campera. Y, sin embargo, un pueblo costero. Los pescadores, las barcazas, las redes, la intemperie. Las frustraciones que se enquistan, la violencia que se niega. El correntino calentón, el gordo violento, la chica bonita, el perro endemoniado. Todos están ahí, a la vista del público, convocados por ese “polaco” soñador, enamorado, tierno, desesperado y brutal que Schiapacasse encarna con una precisión conmovedora. No los describe: los hace existir.

En “Segunda Princesa” el relato avanza sin fisuras, con una organicidad que atrapa y no suelta, que no da respiro. Hay una tensión sostenida, una expectativa que no se rompe nunca, como si el espectador estuviera también ahí, al borde de ese mar, esperando algo que no termina de llegar —o que puede llegar de la peor manera. La historia avanza como una red lanzada al mar, esperando su peso. El público queda suspendido en ese tiempo, en ese borde, acompañando cada deriva.

Lo más potente es la transformación constante. Schiapacasse no cambia de personaje: se vuelve territorio donde todos suceden. Los deja atravesarlo, los expone, los humaniza en sus luces y sus sombras. Y en ese tránsito, logra que también nosotros los veamos, casi como si pudiéramos tocarlos.

Hay en este trabajo una crudeza que no lastima, una belleza áspera –necesaria- y una poesía que no acicala: conviven, tensan, respiran juntas. “Segunda Princesa” es una actuación delicada y un relato que se sostiene de principio a fin en estado de expectación. Un recordatorio de que, cuando hay verdad, el teatro no necesita nada más que un cuerpo dispuesto a arder.

Stella Matute
Abril, 2026
Tenerte al Tanto

QUIENES LO HACEN:

Autor: Alejandro Schiappacasse

Actor: Alejandro Schiappacasse

Vestuario y Escenografía: Paula Molina

Diseño de luces: Lucas Orchessi

Asesoramiento artístico: Carlos Belloso

Asistencia de dirección: Arturo Leone

Prensa: Adriana Schottlender

Dirección general: Alejandro Schiappacasse

 

DOMINGOS DE ABRIL A LAS 20 HS

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

Viajar para decir, amar para callar: VELADO AMOR VIAJERO

Hay espectáculos que llegan como una confidencia. Y Velado amor viajero es, justamente, eso: una historia que se dice a media voz, pero que resuena con una profundidad inesperada.

Escrita y dirigida por Amancay Espíndola, a partir de la novela Dos palabras de Cynthia Cordi, la obra reconstruye la vida de Ada María Elflein (1880-1919), la primera mujer en integrar la redacción de un diario en Argentina, nada menos que La Prensa, territorio de varones. 

Pero lejos de una biografía ilustrativa, lo que aquí se despliega es una trama sensible sobre lo que una mujer puede —o no— permitirse sentir en una época que la empuja a correrse de sí misma para poder existir.

Desde el ingreso a la sala, la escenografía —corpórea, precisa, de una belleza austera— predispone al viaje. Todo está ahí para que la historia suceda: el tiempo, la atmósfera, el pulso de una época. El vestuario acompaña con un criterio exquisito, y lo sonoro —producido en escena por las propias actrices— aporta una textura íntima, casi secreta, como si el sonido, la música, los ruidos cotidianos también eligieran no decirlo todo.

Las actuaciones son de una fineza notable. Marilú Diz se despliega en tres personajes con una versatilidad admirable, e incluso canta y toca la guitarra; Alejandra López Molina construye una Mary Kenny sensible, cálida y precisa; y Anabella Valencia encarna a Ada con una delicadeza que conmueve: su cuerpo parece debatirse constantemente entre el deseo y la contención.

Y es ahí donde la obra encuentra su núcleo más potente: en ese amor velado. En lo que se dice y en lo que se calla. En esa tensión íntima de una mujer que, siendo profundamente disruptiva en lo social y en lo profesional, no logra —o no puede— asomarse del todo a sus propios sentimientos. ¿Teme? ¿Se protege? ¿Protege a Mary? ¿Se resguarda del mundo o de sí misma?

Velado amor viajero no responde estas preguntas. Y en ese gesto radica su belleza. Porque hay historias que no necesitan ser dichas en voz alta para ser comprendidas. Basta con que alguien, en escena, se anime a sostener el susurro. Y alguien, en la platea, a escucharlo.

Stella Matute

Marzo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:

Autora: Amancay Espíndola (a partir de la novela Dos Palabras de Cinthia Cordi)
Actrices: Marilú Diz, Alejandra López Molina, Anabella Valencia

Vestuario y escenografía: Teatro Nacional Cervantes, Jorgelina Herrero Pons
Iluminación: Leandra Rodríguez
Video: Lorena Lemos
Fotografía: Ana Maria Ferrari
Asistencia De Producción: Carolina Lopez
Asistencia de dirección: Mateo Castelli
Utilería: Teatro Nacional Cervantes

Prensa: Adriana Schottlender
Producción: Grupo Estable El Popular
Grafica: Walter Cesar Remus
Coreografía: Silvina Perez

Dirección: Amancay Espíndola

TEATRO EL POPULAR

Chile 2080 - CABA

Sábados - 18:00 hs

ENTRE EL GRITO Y EL SILENCIO, LA VERDAD DE LA DENUNCIA

El reestreno de EL GRITO Y EL SILENCIO, de Selva Palomino, abrió la Temporada 2026 de Andamio ’90 con la intensidad que solo el buen teatro sabe provocar: esa mezcla de conmoción, pensamiento y belleza que deja al espectador horadado por lo que acaba de ver.

La obra propone un territorio delicado y urgente. Un espacio donde aquello que muchas veces se calla —por miedo, por dolor o por imposición del poder— encuentra finalmente un cauce para decirse. En ese cruce entre lo que se grita y lo que se calla, entre lo visible y lo oculto por la historia, la dramaturgia de Palomino construye una trama que se asoma a una zona incómoda de nuestro pasado. Allí, las voces silenciadas de mujeres jóvenes y las preguntas de quienes buscan su origen abren una grieta en el relato oficial. Sin subrayados ni golpes bajos, la obra deja entrever cómo la violencia ejercida desde el poder puede marcar destinos, cuerpos y generaciones. 

En el centro de ese dispositivo están Gabriela Villalonga y Luciana Procaccini, dos intérpretes que sostienen el espectáculo con actuaciones memorables. Ambas despliegan un notable trabajo de composición, transitando diversos personajes y perspectivas que van revelando, pieza a pieza, el complejo rompecabezas de la historia. Incluso encarnan, desde miradas opuestas, la figura masculina que condensa el abuso de poder: una presencia que aparece filtrada por la memoria, el dolor y la búsqueda de verdad. El resultado es un juego escénico de gran intensidad, donde cada cambio de registro amplía el sentido de lo que se narra.

La dirección de Fabi Maneiro se destaca por su inteligencia y sensibilidad. Con una puesta delicada, precisa y a la vez contundente, Maneiro entiende que la potencia de esta obra está en lo esencial. Nada sobra, nada busca imponerse por exceso. Cada gesto, cada pausa, cada grito, cada silencio parece pensado para permitir que el texto y las actuaciones respiren y desplieguen toda su fuerza.

El resultado es un espectáculo que conmueve sin manipular, que interpela sin violentar y que deja resonando preguntas necesarias sobre la memoria, el poder y la identidad. En tiempos donde muchas veces el ruido tapa lo importante, EL GRITO Y EL SILENCIO recuerda que el teatro sigue siendo un lugar privilegiado para decir en un aullido profundo y sutil aquello que la historia intentó callar.

Un trabajo sólido, sensible y profundamente humano.

Un espectáculo absolutamente recomendable.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Marzo´26

QUIÉNES LO HACEN:

Autora: Selva Palomino

Actúan: Luciana Procaccini, Gabriela Villalonga

Vestuario: Jorge Hirschfeld

Sombreros: María Auzmendi

Edición de sonido: Ariel Piccinali

Asistencia, fotografía y diseño gráfico: Iván Lifschitz

Prensa: Daniel Franco

Producción, puesta en escena y dirección: Fabi Maneiro

 

ANDAMIO '90
Paraná 660 - CABA
Teléfonos: 1130277499 / 4373-5670
Viernes - 20:00 hs

ÉTICA DE LA CRUDEZA: "Yo no muero, ya no más" de Fernando Rubio

Anoche fui a ver, en el marco del Festival TABA, el espectáculo “Yo no muero, ya no más”, una experiencia escénica que no se deja mirar con comodidad. No es una obra “sobre” la violencia de género: es un aullido teatral que irrumpe, que rasga, que incomoda sin caer en el golpe bajo. Y allí radica una de sus mayores virtudes.

El autor y director Fernando Rubio construye un dispositivo austero, casi descarnado, donde cada gesto y cada silencio pesan más que cualquier artificio. La crudeza de la forma no es un recurso efectista sino una decisión ética: no embellecer el horror. No suavizarlo. No hacerlo digerible. Pero tampoco "reproducirlo". Distanciarse para acercar. Mostrar para vivirlo. La escena se vuelve territorio de exposición, pero también de observación, escucha y reflexión.

Uno de los ejes más potentes del espectáculo es el límite entre lo público y lo privado. ¿Qué sucede cuando un crimen que nace en la intimidad irrumpe en el espacio social? ¿Hasta dónde es “una historia personal” y en qué punto se convierte en responsabilidad colectiva? La obra no responde de manera didáctica: sacude. Obliga a mirar. Y al hacerlo, nos involucra.

El compromiso físico, emocional y artístico del elenco —Gabo Correa, Pablo Gasloli, Lucrecia Oviedo, Nayla Pose, Jorge Prado y Silvina Sabater— alcanza extremos de conmoción. Los cuerpos tensados, la mirada llevada al borde, la exposición sin red. Hay una entrega que estremece y que logra algo difícil: incomodar sin violentar al espectador. Interpelar sin alienar en la pura emoción.

“Yo no muero, ya no más” no busca aplauso fácil ni catarsis complaciente. Busca conciencia. Y en tiempos donde la violencia de género sigue cobrando vidas, el teatro, cuando asume esta densidad, deja de ser entretenimiento para convertirse en acto político y humano.

Y eso, profundamente, importa. Me importa. Debería importarnos a todas y todos.

El sábado 21 de febrero vuelve a hacer función en Timbre 4, a las 20. Vos sabrás. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Febrero, 2026

QUIÉNES LO HACEN:

Elenco: Gabo Correa, Pablo Gasloli, Lucrecia Oviedo, Nayla Pose, Jorge Prado, Silvina Sabater

Diseño sonoro: Sebastian Sachtel

Diseño de espacio: Fernando Rubio

Asistencia de dirección: Tatiana Sandoval

Autor y director: Fernando Rubio

El delicado coraje de quedarse: "DONDE QUIERAS ESTAR"

 

Hay espectáculos que no sólo se ven: se sienten. “Donde quieras estar” pertenece a esa estirpe que se posa en el pecho con la delicadeza de un colibrí y, con su aleteo vertiginoso y su pico inquieto, logra mover lo más profundo para excavar en lo más tierno. Escrita y protagonizada por Federico Buso —junto a la exquisita Silvina Katz— y dirigida con un vuelo sereno y preciso por Martín Goldberg, la obra despliega un universo que parece íntimo y propio pero se vuelve inmenso y colectivo y que en cada gesto respira poesía.

La gacetilla anticipa un encuentro en un parque, entre palabras, sonidos y un vestido que no llega. Pero lo que ocurre en escena es más hondo: es la forma en que la espera se convierte en espejo, en territorio donde lo cotidiano se vuelve revelación. Allí, entre ramas que los cobijan —escenografía bellísima de Alicia Leloutre, paleta tierra que continúa con finura en el vestuario de José Escobar— dos seres se buscan sin saberlo del todo, rozando esa inquietud que conocemos tan bien: ¿aparecerá el otro? ¿Y yo? ¿Qué hago con mis pequeñas cobardías, con mis ausencias, con lo que no dije nunca?

La iluminación perfecta de Sebastián Francia acompaña como un susurro, realzando zonas que parecen internas: suaviza, sostiene, deja ver. Y la música original de Lucas Sebastián Ramírez termina de envolver ese clima suspendido donde lo simple se vuelve esencial.

Hay en la obra una tensión sutil entre lo que elegimos y lo que nos elige; entre el deseo de estar y el miedo de no ser suficiente. Por momentos interpela en lo  profundo: como si Pedro y María dijeran en voz alta las vacilaciones, inseguridades, pérdidas, miedos de quienes están en la platea. Y a partir de ahí mostrar con crudeza y verdad el modo en que la felicidad suele estar ahí, tan cerca, pero requiere un pequeño acto de valentía para alcanzarla.

Donde quieras estar es mucho más que un espectáculo teatral: es un encuentro, es una caricia, es una invitación a mirar de frente lo que duele y, aun así, elegir quedarse.

Estén atentos para cuando vuelva a la cartelera y si no la vieron, no se la pierdan. Y si la vieron, recomiéndenla. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Noviembre, 2025

QUIÉNES LO HACEN: 

Autor: Federico Buso
Colaboración en dramaturgia: Martín Goldber
Elenco: Federico Buso, Silvina Katz
Diseño de vestuario: Jose Escobar
Diseño de escenografía: Alicia Leloutre
Música original: Lucas Sebastián Ramírez
Diseño De Iluminación: Sebastián Francia
Fotografía: Gerardo Serre
Asistencia de dirección: Lucia Clavel
Prensa: Adriana Schottlender
Producción ejecutiva: Francisco Tortorelli
Puesta en escena y dirección: Martín Goldber

ENTRE LA POESÍA Y LA AUSENCIA: "HUELLAS DE HAROLDO"

Recordar a nuestro Haroldo Conti en el centenario de su nacimiento es, más que un gesto artístico, un acto de justicia poética. Desaparecido por la última dictadura militar, Conti sigue vivo en cada palabra que escribió, en cada río que cruzó con su literatura, en cada personaje que habitó sus historias de provincia. En Huellas de Haroldo, espectáculo que se estrenó en el Teatro Payró, el equipo propone un homenaje sensible y valiente que rescata no sólo al escritor, sino al hombre, al soñador, al caminante que dejó su marca en la tierra y en la memoria colectiva.

La obra —adaptación teatral de los cuentos "Perfumada noche" y "A la diestra"— se despliega como un entramado de voces que cruzan la ternura, el humor y la tragedia. 

Tres cómicos ambulantes, de esos que parecen salidos de una feria de otro tiempo, traen consigo la frescura del teatro popular. Ellos -interpretados por Ariel Haal, Pablo Mingrino y Lara Olgiati- son los guardianes del recuerdo, los que transitan las calles del Chacabuco natal de Haroldo. 

Desde ese pueblo, donde la vida cotidiana y el sueño se confunden, van hilando las palabras que devuelven a Conti a la escena, a su gente, a su paisaje.

Doce años después de aquel entrañable unipersonal "Lo que llevo de ausencia", Marcelo Bucossi, protagonista del relato y nacido también en Chacabuco, tiene la valentía de volver sobre "A la diestra" con una entrega -física y emocional- conmovedora.  

Su trabajo es de una hondura extraordinaria: cuerpo y palabra se funden en un mismo gesto de resistencia. Su interpretación no sólo revisita el texto, sino que lo resignifica desde el presente, con la madurez y la memoria a flor de piel, como si su adn personal se uniera con un adn social que nos compromete a todas y todos. 

La adaptación y dirección de Alfredo Martín logran un gran equilibrio entre la poesía y la teatralidad, entre la evocación y la carne viva del escenario. Agustín Giganti, el músico en escena y co-autor de la música original, aporta su presencia como un susurro cómplice, acompaña el dolor del relato de la desaparición y, con delicadeza, lo alivia, le da aire, lo vuelve soportable.

La presencia en la platea de Alejandra y Ernesto Conti, hijos del escritor, otorgó una emoción especial y profunda a la noche de estreno. Huellas de Haroldo no es sólo un homenaje: es una ceremonia de amor por la palabra, por el teatro y por la memoria de uno de los escritores más luminosos de nuestra historia.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Octubre, 2025

QUIÉNES LO HACEN:

Dramaturgia (sobre cuentos de Haroldo Conti): Alfredo Martín

Actúan: Marcelo Bucossi, Ariel Haal, Pablo Mingrino, Lara Olgiati

Vestuario: Marcelo Bucossi

Escenografía: El Paraíso

Iluminación: Alfredo Martín, Gustavo Reverdito

Redes Sociales: Angel Blanco

Creación de objetos: Gustavo Reverdito

Video: Ignacio Verguilla

Música original: Agustín Giganti, Quique Sosa

Música En Vivo:Agustín Giganti

Asistencia de dirección: Cecilia Pérez

Prensa: Valeria Franchi

Producción: El Paraíso

Coreografía: Mirna Serra

Dirección: Alfredo Martín

TEATRO PAYRÓ

San Martin 766 - CABA

Teléfono: 4312-5922

JUEVES 20.30 HS. 

Un solcito contra la indiferencia: SOLCITO DE OTOÑO

En "Solcito de otoño", el dramaturgo Sebastián Bayot encuentra en la ternura y la sencillez un lenguaje dramático que conmueve por su hondura. 

La dirección de Gonzalo Castagnino aporta el tono justo, sin subrayados ni excesos, para que lo difícil parezca fácil. Y en el centro de la escena, Ana Padilla sostiene el unipersonal con una entrega tan delicada como poderosa: es capaz de reír y llorar en la misma respiración, de iluminar lo oscuro con un gesto mínimo.

El vestuario, la escenografía, el diseño de luces, aportan a la sencillez y a la belleza. Todo es simple, con esa simpleza que nos invita a bucear en lo profundo. La obra se sumerge en territorios que podrían resultar devastadores: la soledad, el miedo a enfermar, las marcas del abandono, el peso de una sociedad indiferente que condena sin piedad. También atraviesa ese borde inquietante entre el deseo de morir y las ganas de estar viva. Sin embargo, lo que podría hundirnos en el dolor se transforma en un milagro escénico: los espectadores desde la platea sonríen, sonríen sin parar, incluso frente a lo más desgarrador. Esa paradoja es la gran proeza de este trabajo.

"Solcito de otoño" no propone respuestas, pero sí un abrazo teatral que nos recuerda la fragilidad y la fortaleza de estar vivos. Ana Padilla construye un personaje entrañable, que se instala en la memoria como un destello cálido en medio de tanto desencanto.

Este viernes 26 de octubre pasado fue la última función. Pero puedo asegurar que no fue la última, porque es un espectáculo que está vivo y que es necesario. Seguramente regresará pronto. Estén atentas y atentos, no se lo pierdan. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Septiembre, 2025

QUIÉNES LO HACEN:

Autor: Sebastián Bayot
Actriz: Ana Padilla

Vestuario y Escenografía: Alejandro Mateo

Objetos: Giselle Lalo

Luces: Lucas Orchessi

Música: Fernando Nazar

Asistencia: Carlos Fernández

Dirección: Gonzalo Castagnino

Un golpe de verdad y crueldad dicho con belleza: MUERDE, de Francisco Lumernan

Francisco Lumerman, con la sensibilidad y la precisión de quien conoce de cerca el territorio que pisa, escribe y dirige MUERDE, un unipersonal que habla, sin eufemismos ni concesiones, del lugar que ocupa “el diferente” en una sociedad que lo observa primero con curiosidad, después con desconfianza, y finalmente con la violencia de lo excluyente. La dramaturgia, lejos de victimizar, expone con inteligencia cómo la maquinaria social puede volverse implacable hasta arrasar la vida de quien no encaja en sus moldes.

En el centro, Luciano Cáceres se entrega a un trabajo actoral de una intensidad difícil de describir. Su criatura es, a la vez, desvalida y feroz. Desde el primer segundo, Cáceres encarna con compromiso absoluto tanto la fragilidad como la amenaza que provoca en los otros ese personaje que no pide permiso para existir. Su cuerpo, su voz, sus silencios y estallidos componen una partitura emocional y física que hipnotiza. No hay artificio: todo es carne viva, riesgo, respiración contenida.

El espectáculo, que ya lleva un recorrido de muchísimas funciones y ha sido reconocido con prestigiosos premios, confirma en cada presentación por qué merece seguir en cartel. La noche de la función a la que asistí, la sala estaba colmada. El silencio atento durante la obra se transformó, en el último instante, en una ovación larga, emocionada, agradecida.

MUERDE es teatro que provoca y deja huella. Un recordatorio de que, muchas veces, lo que más nos incomoda mirar es justamente lo que más necesitamos entender.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Agosto, 2025

QUIÉNES LO HACEN: 

Autor: Francisco Lumerman

Actor: Luciano Cáceres

Escenografía:Agustín Garbelloto

Diseño de luces:Ricardo Sica

Diseño De Sonido:Agustín Lumerman

Asistencia de dirección: Emiliano Lamoglie

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección: Francisco Lumerman

TIMBRE 4

México 3554 - CABA

Domingo - 20:15 hs - Jueves - 21:00 hs 

UNA MEMORIA LUMINOSA: Marúnica, de Cecilia Hopkins

 

Cuánto ha tardado el mundo en reconocer el talento de algunas mujeres artistas, inmensas. A veces demasiado. La mayoría de las veces. Tal es el caso de Maruja Mallo que perteneció a la Generación del 27, pero el machismo de su época la eclipsó, dejándola en los márgenes de una historia que incluyó a sus amigos y colegas: Rafael Alberti, Federico García Lorca, Salvador Dalí y, más tarde, Pablo Picasso. Maruja fue una mujer libre, revolucionaria, de talento inabarcable, que conoció el exilio y que nunca dejó de luchar por un mundo más justo. Bajo el nombre de Marúnica -uno de sus apodos-, se presenta en el Centro Cultural de la Cooperación, encarnada de manera magistral por Cecilia Hopkins, dirigida por Ana Alvarado, con la noble intención de reparar esa deuda de memoria.

El recurso dramatúrgico del reportaje, atravesando los tiempos de la vida de la artista, es el hilo que permite a la protagonista encarnar dos momentos de Mallo: la juventud, cargada de ímpetu y curiosidad, y la vejez, habitada por la nostalgia y la lucidez de quien ha vivido intensamente. El títere que la acompaña -diseño y realización de Alejandra Farley-, las proyecciones de su obra -armadas con sensibilidad por Ro Larroca, el exacto diseño de luces de Horacio Novelle, el vestuario de Roxana Ciordia y la banda sonora de Nicolás Cardoso, crean un tejido delicado donde el arte, la vida y los recuerdos se funden en una trama que emociona y conmueve.

La dupla artística Hopkins–Alvarado es, sin duda, un hallazgo. Ana Alvarado dirige con precisión y sensibilidad, potenciando el talento de Hopkins, quien despliega en escena su oficio de actriz y bailarina con una naturalidad deslumbrante. Su interpretación transita la ternura, la picardía, la fortaleza y la fragilidad, hasta lograr que quienes no conocíamos a Maruja salgamos del teatro sintiendo que la queremos.

Marúnica es un espectáculo cálido, lleno de imágenes, relatos y nostalgias epocales. Una invitación a mirar de frente a una artista inmensa habitada por otra artista inmensa. Y dejarse conmover por la fuerza intacta de su luz potenciada por la luz de una actriz exquisita. Los viernes a las 20.30 en el Centro Cultural de la Cooperación. Regálense una hora a puro Arte.  

Stella Matute

Tenerte al tanto

Agosto, 2025

QUIÉNES LO HACEN:

Autora e intérprete: Cecilia Hopkins

Vestuario: Roxana Ciordia

Diseño y realización de títere: Alejandra Farley

Edición de sonido: Nicolás Cardoso

Diseño De Iluminación: Horacio Novelle

Fotografía: Alicia Busso

Diseño y realizacion de imagen: Ro Larroca

Asistencia de dirección: Ro Larroca

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Cristina Sisca

Dirección: Ana Alvarado

 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - CABA

Viernes - 20:30 hs

LAS RUINAS DE LA CONCIENCIA o "La era del olvido" - Unipersonal

 

Hay personas que suben la sinuosa escalera del poder creyendo que ascienden, cuando en realidad no hacen más que hundirse en el lodo de la corrupción. “La era del olvido”, unipersonal escrito y dirigido por Francisco Estrada e interpretado con entrega feroz y ternura desconcertante por Germán Rodríguez, es el retrato de uno de esos seres humanos a los que cuesta entender como humanos. Ambicioso, aspiracional, atrapado en el vértigo de los cargos públicos, las expectativas desaforadas y las negociaciones turbias, este personaje se lanza al vacío moral con la convicción de estar escalando al éxito.

La obra, construida con un texto agudo y filoso, nos convoca al interior del protagonista: sus contradicciones, sus estrategias, sus anhelos, sus ambiciones, sus miserias. Un hombre que se cae y se recompone al ritmo de las noticias que le traen sus asesores —un fuera de campo que se convierte en el gran titiritero de su conciencia. Lo político y lo íntimo se entrecruzan sin piedad: la sombra de un padre impecable lo interpela, mientras su hija adolescente lo desnuda con una verdad que quiere pero no puede eludir.

El autor dirige su texto proponiendo una puesta sobria, despojada, casi ascética. Los objetos en escena son muy pocos, pero cada uno está allí por algo, y Germán Rodríguez sabe cómo llenarlos de sentido, peso, ironía y emoción. Es un actor que habita todos los estados: la desfachatez, la fragilidad, la lucidez, la hipocresía… y los vicios. Su trabajo es tan sensible como feroz.

“La era del olvido” pone en cuestión -una vez más- a la política, y también a las formas de olvido que la sociedad toda practica para sobrevivir. Y lo hace con humor, inteligencia y una profunda humanidad. Porque en medio del caos y la vorágine, hay una lucecita de esperanza: el temblor de la conciencia, esa voz interna que puede susurrar cuando todo afuera grita.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Agosto, 2025

QUIÉNES LO HACEN:

Autor: Francisco Estrada

Actor: Germán Rodríguez

Diseño de escenografía: Francisco Estrada, Ariel Vaccaro

Realización Set-electric: Daniel Grilli

Diseño De Iluminación:Paula Fraga

Diseño gráfico: Estefanía Piccini

Prensa: Carolina Alfonso

Colaboración artística: Mariana Garcia Guerreiro

Dirección: Francisco Estrada

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 - CABA

Sábado - 20:45 hs y Domingo - 19:00 hs

CUANDO LA RISA TAMBIÉN DESARMA MANDATOS

Mariana está a punto de cumplir 40 y, como tantas otras mujeres -sino todas-, carga mochilas que no eligió: el mandato de la pareja estable, la sospecha social sobre quien vive sola, la presión de la maternidad, la idealización del “para siempre” en el amor. “Después del después”, unipersonal escrito por Paula Simkin, interpretado con entrega absoluta por Laura Otermin y dirigido con sutileza por Mónica Felippa, elige narrar ese tránsito con humor, ironía, ternura y emoción.

Lejos de declamar verdades solemnes, el texto se apoya en una escritura directa, que sabe conectar con experiencias comunes sin caer en lugares comunes. Mariana no es una heroína ni una víctima. Es una mujer que se anima a poner en palabras su deseo y sus contradicciones. Que reconoce el dolor que puede implicar el abandono, pero también la alegría —y la culpa, siempre la culpa— de sentirse bien sola, de animarse a viajar sin compañía, de no querer responder a las expectativas de otros.

Laura Otermin encarna ese universo con naturalidad, sensibilidad y una entrega escénica conmovedora. Hace del relato una conversación íntima, donde la platea se reconoce, se ríe, se interpela y se emociona. Mónica Felippa dirige con inteligencia, comprendiendo que a veces el gesto más pequeño tiene una potencia inmensa. La puesta es sencilla pero eficaz, confiada en el peso de la palabra, en la verdad de la actriz y en la simpleza de los elementos utilizados. Ese “menos es más” que tantas veces se repite, aquí se convierte en una virtud estética.

Hay algo en “Después del después” que dialoga, como en eco sutil, con aquel otro unipersonal entrañable que fue El mundo en mis zapatos 2. Ambas propuestas comparten la necesidad de decir lo que tantas veces se silencia, con humor, con lucidez y con cuerpo de mujer.

Un espectáculo cálido, generoso y vital. Como una charla honesta entre amigas, amigos, amigues que, después de todo, también puede cambiar el mundo.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Julio, 2025

FICHA ARTÍSTICO-TECNICO:

Autora: Paula Simkin

Actriz: Laura Otermin

Voz en Off: Luis Rivera López

Escenografía: Jorgelina Herrero Pons

Diseño de luces: Luis Rivera López

Fotografía: Lucía Rivera López

Diseño gráfico: Patricio Azor

Asistencia de dirección: Candelaria Martinez

Prensa: Paula Simkin

Producción: Julieta Rivera López

Coreografía: Brenda Fabregat

Dirección: Mónica Felippa

UNA PUNTADA AL ALMA CON TRAMA DE ENCAJE

"Piel de Encaje" estrenó anoche en la Ciudad de Buenos Aires y lo hizo con un vuelo aún más alto que el que ya habíamos vislumbrado. El espacio La Gloria Teatral le sienta como un abrazo: lo recibe, lo realza, lo contiene.

Escrito y dirigido por Fernando Alegre y protagonizado por Eduardo “Pacha” Paglieri, este unipersonal es una experiencia íntima y transformadora. No se trata sólo de una historia de amor; se trata del amor mismo, en todas sus formas: el que arde, el que duele, el que no se resigna. El que pregunta —como lo hace el personaje en escena— “¿nosotres tenemos permiso para ser amades?”. Y la respuesta, que llega desde una butaca como un rayo de verdad, estremece: “¿Por qué pedís permiso?”. Amar es un derecho. Siempre que no dañemos, amar es un acto sagrado.

Pacha no actúa: se entrega. Canta con una voz que parece contener siglos de historia, baila con el cuerpo entero y con el alma, dice cada palabra como quien borda una carta. Su presencia en escena es de una belleza brutal. Es carne, es poesía, es verdad.

El texto de Fernando es puro corazón: delicado, honesto, a ratos tierno, a ratos feroz. La dirección es precisa, sabia, sin adornos innecesarios. Cada gesto, cada silencio, cada mirada tiene sentido. La música y los arreglos de Carlos Ledrag, el vestuario de Rocío Florella, Jhonatan Oviedo, Titi Suárez Y las precisas luces de Fernando Alegre cierran ese tejido con la puntada justa.

(Foto: Juan José Lopez)

No se pierdan "Piel de Encaje". No es sólo teatro. Es un espejo. Un abrazo. Un permiso para amar. Y una caricia en el centro mismo de la herida.

Stella Matute
Tenerte al Tanto
Julio 2025

Foto: Alejandro Palacios

Equipo artístico técnico:

Autor: Fernando Alegre

Actor: Eduardo Pacha Paglieri

Vestuario: Rocío Florella, Jhonatan Oviedo, Titi Suárez

Maquillaje: Gemma

Video: Spaguethi Films, Matías Erazo

Música original y arreglos musicales: Carlos Ledrag

Diseño de Iluminación: Fernando Alegre

Fotografía: Alejandro Palacios / Juan José Lopez

Prensa: Gp Prensa Activa

Producción ejecutiva: Cristina Sisca

Producción general: Fernando Alegre, Eduardo Pacha Paglieri

Dirección: Fernando Alegre

LA GLORIA. ESPACIO TEATRAL
Yatay 890
Sábados 21 hs