NICANDRO Y ALDA: CUANDO EL AMOR HEREDA FUTURO

 

"Nicandro y Alda", escrito por Amancay Espíndola y dirigido con delicadeza exquisita por Virginia Lombardo, pertenece a esa categoría poco frecuente de obras que logran abrazar al espectador mientras le hablan de aquello que también le pertenece.

La obra nace a partir de un hallazgo: un paquete de cartas de amor que el padre de Amancay le escribió a su madre. Pero lo que podría haber sido apenas una reconstrucción biográfica se transforma en algo mucho más profundo. Porque cuando una historia es contada con honestidad, deja de ser privada. Y entonces la vida de una familia se vuelve espejo de muchas otras vidas.

Podríamos decir que Amancay realiza un trabajo de sanación de linaje. Y quizá nos quedaríamos cortos. Porque lo que sucede en escena se parece mucho a una constelación familiar hecha teatro. Allí conviven generaciones, deseos, mandatos, silencios y valentías. Allí están la abuela, la madre y la hija. Allí está el amor oculto de dos jóvenes que desafían circunstancias y distancias. Allí está la mujer que sostuvo cuando sostener implicaba enfrentarse a las convenciones de una época. Y allí está también la hija, observando todo desde el presente, intentando comprender de qué materiales está hecha su propia historia.

El resultado es profundamente conmovedor.

Carlo Argento construye un Nicandro inolvidable. Su presencia tiene la nobleza de aquellos hombres formales de una época, pero capaces de escribir cartas de amor sin vergüenza y sin cinismo. Enamora desde la ternura, desde la espera y desde una sensibilidad que hoy parece insurrecta.

Coni Marino encarna a Alda con una delicadeza que conmueve. Su trabajo permite ver a una mujer -bellísima- atravesada por el amor, pero también por las circunstancias y las renuncias que toda época impone.

María Nydia Ursi Ducó interpreta a esa abuela socialista, fuerte y amorosa, capaz de acompañar a su hija aun cuando el mundo le indicaba otro camino. Su personaje funciona como una columna ética y afectiva que atraviesa toda la obra.

Y Amancay Espíndola realiza una tarea singular: se interpreta a sí misma. Pero no desde el exhibicionismo autobiográfico, sino desde una búsqueda profundamente artística. Es protagonista y observadora al mismo tiempo. Testigo y heredera. Su presencia tiene algo de danza y algo de evocación. Habita el escenario como quien recorre un sueño. Es etérea y corpórea a la vez. Parece flotar entre recuerdos mientras intenta atrapar aquello que el tiempo amenaza con borrar.

La dirección de Virginia Lombardo merece un párrafo aparte. Porque en "Nicandro y Alda" nada parece librado al azar. Cada movimiento, cada silencio, cada transición está cuidadosamente trabajado. La sensación es que incluso los papeles que vuelan obedecen a una lógica poética precisa. Como si la directora hubiera cuidado hasta la forma en que se arrugan las hojas que representan algunas de esas cartas rescatadas del fondo de un placard, enlazadas durante décadas por una simple liga de seda. El vestuario, la escenografía y la utilería tienen el bello sello del siempre sensible Alejandro Mateo. 

La belleza del espectáculo no reside únicamente en lo que cuenta, sino en cómo lo cuenta. Hay algo onírico en su construcción, algo que pertenece al territorio de los recuerdos y de los sueños. Y, sin embargo, todo resulta profundamente verdadero.

La gacetilla dice que desde 1937 hasta hoy Nicandro y Alda atraviesan el tiempo en un vagón postal. Es una hermosa definición. Pero quizá podría agregarse otra: también atraviesan nuestros corazones.

En tiempos perforados por la velocidad, la fragmentación y los vínculos descartables, "Nicandro y Alda" se atreve a hablar del amor. Sin ironía ni crítica sino como una fuerza capaz de sanar, de unir generaciones y desafiar épocas. Y ese gesto, lejos de ser ingenuo, resulta hoy profundamente revolucionario.

Porque hay historias que no sólo se cuentan. Hay historias que reparan. Y esta es una de ellas.

Stella Matute

Junio ´26

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN: 

Autora: Amancay Espíndola
Elenco: Carlo Argento, Amancay Espíndola, Coni Marino, Maria Nydia Ursi Ducó
Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo
Diseño de luces: Leandra Rodríguez
Diseño sonoro: Mariano Cossa
Asistencia de dirección: Brizna De Luz Martinez
Prensa: Natalia Bocca
Productor asociado: Pablo Paissanidis
Dirección: Virginia Lombardo

DÓNDE LO HACEN: 
PATIO DE ACTORES
Lerma 568 - CABA 
Sábados a las 18:00 hs

La memoria tiene nombre de mujer: "LAS MUJERES QUE HABITAN EN MI"

Toda familia guarda un puñado de historias que parecen pequeñas hasta que alguien decide contarlas. Entonces descubrimos que en ellas cabe un mundo entero. La memoria nunca viene sola. Cuando una mujer recuerda a su madre, a sus tías y a su abuela, detrás de esos nombres aparecen también una época, una forma de vivir, de amar, de resistir y de habitar el mundo. “Las mujeres que habitan en mí”, escrito e interpretado por Mona Moroni y dirigido por Luis Campos, nace precisamente en ese territorio donde lo íntimo y lo colectivo se encuentran.

Desde una propuesta que combina la narración oral con la interpretación teatral, Mona Moroni abre el álbum de su propio linaje femenino y nos presenta a su abuela inmigrante, a sus tías, a su madre. Pero lo que comienza como un relato familiar pronto se transforma en algo mucho más vasto. Porque en cada una de esas mujeres aparecen reflejadas miles de otras: mujeres que inmigraron, trabajaron, resistieron, enviudaron, criaron, soñaron, callaron y lucharon en tiempos muchas veces adversos.

Con notable sensibilidad, Mona transita esos recuerdos sin caer jamás en la nostalgia fácil. Cada evocación encuentra su resonancia en la historia social y política de nuestro país. Las conquistas, las injusticias, los derechos ganados y los dolores heredados aparecen entrelazados con anécdotas domésticas, recordándonos que la Historia siempre sucede también en las cocinas, los patios, las máquinas de coser y las sobremesas.

La dirección de Luis Campos acompaña con inteligencia una puesta austera que confía en lo esencial: la palabra, la presencia y la verdad de quien cuenta.

Y es precisamente en esa aparente sencillez donde reside gran parte de su potencia. Porque “Las mujeres que habitan en mí” no se limita a reconstruir una historia familiar: realiza una delicada operación de memoria. Un acto de amor hacia quienes nos precedieron y una invitación a preguntarnos qué voces, qué gestos y qué luchas siguen habitando en nosotros. Qué parte de esas vidas sigue latiendo en la nuestra. Y qué huella dejaremos, a nuestra vez, para quienes vengan después.

Acaso por eso conmueve tanto.

Stella Matute

Junio´26

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:

Autora y actriz: Mona Moroni
Vestuario: Socias Vestuario & Producción
Diseño de luces: Fabi Maneiro
Fotografía: Julián Campos
Diseño gráfico: Iván Lifschitz
Asistencia de iluminación: Daniel Lifschitz
Asistencia de dirección: Susana Arata
Prensa y producción ejecutiva:Fabi Maneiro
Dirección: Luis Campos

DÓNDE LO HACEN: 
EL CRISOL - Malabia 611 - CABA
Domingos - 18:00 hs 

"TODO LO QUE QUEDA": la ´insoportable´ arbitrariedad de los recuerdos

Hay espectáculos que se disfrutan. Y hay otros que, además, se quedan a vivir un tiempo con nosotros. "Todo lo que queda" pertenece a esa segunda categoría.

A partir de una herencia material, dos hermanos se ven obligados a enfrentarse con una herencia mucho más compleja: la de los recuerdos, los silencios, los afectos, los mandatos y las heridas compartidas. O aparentemente compartidas. Porque una de las preguntas que atraviesa la obra es justamente esa: ¿cuánto de una misma historia fue realmente igual para quienes la vivieron?

Los hermanos Jeger (Fernando y Gastón) construyen un trabajo de una precisión admirable. Hay algo profundamente conmovedor en la manera en que se complementan sobre escena. No sólo porque son excelentes intérpretes, sino porque entre ellos circula una complicidad que excede la actuación y se vuelve materia teatral. Se percibe el vínculo fraterno en cada mirada, en cada pausa, en cada desacuerdo y en cada abrazo.

Dirigidos con sensibilidad e inteligencia por Javier Lejwa, habitan un universo donde el lenguaje clownesco despliega toda su potencia poética. El humor aparece como una forma de conocimiento. La torpeza, el delirio y el juego se transforman en herramientas para explorar territorios complejos: el duelo por la muerte del padre, la construcción de la identidad, las miserias humanas, el amor, la desconfianza y esa extraña arbitrariedad con la que funciona la memoria.

Porque la obra nos recuerda algo esencial: no recordamos los hechos, recordamos nuestra versión de los hechos. Y allí, en ese territorio inestable, se construyen muchas veces los vínculos familiares.

El dispositivo escénico es minimalista y eficaz. El diseño lumínico acompaña con precisión. Nada sobra. Nada distrae. Todo está puesto al servicio de la actuación y del relato.

Y entonces ocurre algo hermoso: el espectador pasa de la carcajada franca a la emoción más profunda sin advertir el trayecto. Ríe. Se conmueve. Se reconoce.

Al terminar, uno sale de la sala con una sonrisa persistente. De esas que vuelven horas después, cuando ya está en otro lugar, y recuerda que durante un rato compartió una experiencia profundamente humana.

Y eso, en tiempos tan ruidosos, es un regalo enorme.

Como si fuera poco, es a la gorra. 

NO SE LO PIERDAN. 

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:
Actores: Fernando Jeger, Gaston Jeger
Diseño De Iluminación: Braian Mustafá
Asistencia de dirección: Sandra Rojas
Dirección: Javier Lejwa

DÓNDE LO HACEN: 

Espacio Aguirre

Aguirre 1270- CABA

Domingos a las 18

PROYECTO BERTA: la intemperie y la ternura

 

La intemperie no siempre es solamente el frío. A veces se disfraza de indiferencia. Y logra un frío mucho más profundo. La sensación de que nadie mira, de que nadie escucha, de que ciertas vidas quedaron definitivamente afuera del paisaje cotidiano. PROYECTO BERTA, escrita por Sonia Novello y Marcelo Valerga sobre un cuento de Novello,  y dirigida por Faty Arahuete, se mete justamente en ese territorio incómodo y profundamente humano: el de quienes viven en la calle y sobreviven como pueden, cargando no solo con su propio abandono, sino muchas veces también con el abandono ajeno. Pero lo hace desde un lugar sensible y honesto, evitando golpes bajos y buscando humanidad allí donde el resto del mundo parece haber dejado de mirar.

Berta recoge perros. Los rescata, los alimenta, los protege como puede. Y también recibe los que otros abandonan en sus manos, casi como si ella fuera un refugio improvisado que nunca puede decir que no. Hay algo devastador en esa imagen: quienes tienen techo, comida y abrigo delegan en una mujer que no tiene nada la responsabilidad de seguir cuidando vidas. Y después siguen de largo.

El espectáculo trabaja sobre ese abandono social. Sobre el frío, el hambre, el deterioro físico y emocional de quienes quedan afuera de todo. Pero también sobre cierta dignidad silenciosa que persiste aun en medio del despojo.

En el centro de la escena está María Seghini, una actriz de enorme entrega y un instrumento expresivo muy poderoso. Hay en su trabajo una capacidad genuina para transitar registros, dolores y pequeños destellos de humor o ternura que sostienen gran parte de la propuesta. Su composición consigue una verdad que emociona, especialmente cuando la fragilidad del personaje se mezcla con ese amor inmenso hacia los animales que rescata.

PROYECTO BERTA es, sobre todo, un espectáculo necesario por el tema que decide mirar. Porque obliga —aunque sea por un rato— a detenernos frente a aquello que tantas veces elegimos no ver. Y porque recuerda algo esencial: a veces quienes menos tienen son quienes más profundamente saben dar y cuidar. Si no me crees, no tenés más que conectarte con quienes viven en la calle. En la mayoría de los casos, comparten su nada con un perro. O dos. O varios. Como Berta.

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN
Dramaturgia: Sonia Novello, Marcelo Valerga
Actúa: María Seghini
Vestuario: Marcela Basso
Escenografía: Marcela Basso, Marcelo Valerga
Diseño de luces: Juan Ignacio Sandoval
Prensa: Paula Simkin
Producción: Marisa Garrigó
Asistencia de dirección: Yolanda Dunn
Diseño De Sonido y Dirección: Faty Arahuete

DÓNDE Y CUÁNDO: 
ESPACIO CALLEJÓN - Humahuaca 3759 - CABA
Domingo - 20:00 hs

LA MÚSICA DESPUES DEL AMOR: Juan estoy en la puerta, bajá

 

Hay espectáculos que parecen hechos con retazos de vida verdadera. Como si alguien hubiera abierto una herida, le hubiera puesto música, humor, un poco de brillantina noventosa… y nos invitara a mirar sin solemnidad, pero con el corazón completamente disponible. JUAN ESTOY EN LA PUERTA, BAJÁ es uno de esos espectáculos.

Escrita por Francisco Pesqueira —quien además protagoniza la obra— y por Emiliano Samar —quien además dirige el espectáculo—, la pieza bucea con una ductilidad admirable entre las aguas claras de la risa y las profundidades de la herida. Entre el absurdo cotidiano y esa tristeza íntima que dejan las separaciones cuando todavía hay preguntas sin responder, recuerdos, nostalgias… o discos. Porque de eso habla, finalmente, este espectáculo: de dos personas rotas intentando atravesar el duelo amoroso cada una a su manera, a su tiempo, con sus propias y precarias herramientas.

Y ahí aparece una de las mayores virtudes del trabajo: no juzgar jamás a sus personajes. Dejarlos ser contradictorios, torpes, intensos, vulnerables. Dejarlos fracasar y volver a intentar. Como hacemos todos.

En esta propuesta, Francisco Pesqueira —junto a todo el equipo— sostiene además un doble desafío profundamente conmovedor: llevar adelante también VÍCTOR VENÍ A BUSCAR LOS DISCOS, la otra cara de esta misma historia. Porque ambos espectáculos hablan de la separación de Juan y Víctor, después de treinta años compartidos. Hay algo muy valiente en esa entrega. Un actor que se anima a habitar las dos mitades de un derrumbe amoroso. Y lo hace con enorme sensibilidad, con humor, con canciones y con una humanidad que desarma.

La dirección de Emiliano Samar entiende perfectamente el tono de la propuesta y jamás fuerza ni la emoción ni la risa. Las deja aparecer. Respirar. Tanto en las canciones pop románticas de los años 90 de Juan como en los boleros de Víctor, la música funciona como guiño generacional, refugio emocional, memoria compartida y también como comentario irónico sobre lo que alguna vez creímos que era amar.

La música en vivo de Pepo Lapouble y Federico Razetti aporta un pulso vital y cercano que vuelve todo todavía más entrañable. Ambos funcionan como sensibles servidores de escena, al tiempo que despliegan sus talentos incuestionables.

Canciones, humor, ternura, esfuerzo, emoción. Mucho esfuerzo y una propuesta arriesgada: dos espectáculos que hablan de lo mismo con dos puntos de vista diferentes, hechos por el mismo actor, el mismo día. Todo eso latiendo dentro del teatro independiente... o sea, una tarea titánica.

Dos espectáculos que abrazan el dolor sin cinismo y nos recuerdan que, aun después de una ruptura, siempre queda la posibilidad —frágil y hermosa— de volver a empezar.

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN: 

Autores: Francisco Pesqueira, Emiliano Samar
Actúa: Francisco Pesqueira
Músicos en vivo: Pepo Lapouble, Federico Razetti
Arreglos musicales: Pepo Lapouble
Realización de escenografia y asistencia de escenario: Analia Schiavino
Prensa: Paula Simkin
Dirección: Emiliano Samar

DÓNDE Y CUÁNDO: 
PATIO DE ACTORES - Lerma 568  - CABA

Domingos: 
A las 15:30 hs: Juan estoy en la puerta, bajá
A las 18 hs: Víctor vení a buscar los discos

El abrazo de Osmar Nuñez y el corazón de Lorca

Escuchar la palabra de Federico García Lorca siempre es una forma de resistencia. Una resistencia delicada, amorosa, profundamente humana. En tiempos donde todo parece empujar hacia la velocidad, el cinismo y la crueldad, volver a encontrarse con esa escritura tan llena de belleza y de dolor produce algo parecido al alivio.

Eso sucede en Con Federico, el espectáculo de Analía Fedra García protagonizado por Osmar Nuñez con intervenciones de la propia dramaturga y directora. Y sucede desde el primer minuto.

Lorca aparece en toda su dimensión: el poeta, el dramaturgo, el hombre herido, el irónico, el artista que piensa el amor, la muerte, el deseo, la soledad y también el sentido del arte. Qué valiosa resulta la decisión de Analía Fedra García de alternar entre distintas formas de su escritura: cuentos, poesía, escenas teatrales, conferencias, discursos. Ese recorrido no solamente enriquece el espectáculo, sino que le otorga un ritmo permanente, una respiración sensible que evita cualquier solemnidad.

Y en el centro de todo está Osmar Nuñez.

¡Ay, Osmar Nuñez! 

Cuánto talento. Cuánta palabra bien dicha. Qué maravilla verlo atravesar esos textos con semejante verdad. Hay intérpretes que parecen “decir” a los autores y otros que los encarnan hasta volverlos presentes. Osmar pertenece a estos últimos. Habita a Lorca con una profundidad conmovedora, pero también con una enorme sencillez. Sin excesos. Sin artificios. Apenas un actor inmenso dejando pasar la poesía a través de su cuerpo.

Y allí, como un contrapunto, aparece Analía Fedra García en escena. Sus intervenciones airean los climas cuando la oscuridad lorquiana se vuelve demasiado densa. Introduce humor, ternura, cercanía. Le recuerda al público que también se puede respirar dentro del dolor. Ese equilibrio entre emoción y liviandad vuelve al espectáculo especialmente amable. Y qué hermoso es poder usar esa palabra: amable.

Porque Con Federico es un gran espectáculo y también es un abrazo. Una invitación a detenerse un rato y dejarse acariciar el pecho y permitir que la belleza haga su trabajo silencioso sobre el alma.

Stella Matute

Mayo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN

Textos: Federico García Lorca

Dramaturgista: Analía Fedra García

Actor: Osmar Nuñez

Música original y diseño de sonido: Miguel Angel Pesce

Realización de vestuario: Candela Mac Lennan

Realización de objetos: Carlos Miguel Sosa, Sol Scheifer

Diseño de iluminación:Marco Pastorino

Asistencia de dirección:Tomás Scheifer

Dirección: Analía Fedra García

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543

Viernes - 21:00 hs

MUJERES QUE VUELVEN EN PALABRA: Ellas y Galeano

 

"Ellas y Galeano", con dirección de Santiago Doria, es un espectáculo que no necesita imponerse para quedarse acunado en el costado. Un trabajo que elige la sencillez como forma y, desde ahí, alcanza una profundidad conmovedora.

A partir de textos del gran Eduardo Galeano, la obra construye un recorrido por historias de mujeres que han dejado huella en nuestra amada y lastimada Latinoamérica —historias muchas veces silenciadas, otras tantas olvidadas—. No hay artificios: dos actrices, dos bancos, papeles, algunas canciones. Y, sin embargo, todo sucede. Todo late.

Hay una dramaturgia precisa en el hilvanado de esos textos. No es una sucesión de relatos: es un devenir histórico, un tejido de luchas, conquistas, dolores y celebraciones. Cada palabra parece encontrar su lugar justo en ese entramado que levanta banderas y señala heridas. Galeano, con su mirada siempre atenta a lo invisible, reaparece aquí con toda su potencia: la desobediencia como gesto vital, la resistencia como forma de existir, la igualdad como horizonte.

La sensibilidad de Santiago Doria potencia ese universo y lo pone en manos de dos intérpretes que sostienen el espectáculo con una delicadeza admirable. Cecilia Cósero y Carla Haffar dicen y sienten “a lo Galeano”: doman la emoción sin negarla, la atraviesan sin caer en el exceso. Sus voces acarician al espectador, sus pausas respiran sentido, sus cuerpos alojan esas historias con respeto y entrega.

Hay fuerza y canto. Hay tristeza. Y hay rabia. Pero siempre hay belleza. Una belleza que no edulcora, que no esquiva el dolor, pero que encuentra en la palabra un modo de reparación.

“Ellas y Galeano” es, en definitiva, un espectáculo que abraza desde lo mínimo. Que demuestra que la profundidad no necesita volumen. Y que, en tiempos de tanta violencia y ruido, se vuelve un bálsamo: un espacio donde recostarse, escuchar, y —aunque sea por un rato— volver a creer en la potencia transformadora de la memoria y la palabra.

Stella Matute

Abril, 2026

Tenerte al Tanto

QUIENES LO HACEN:

Textos: Eduardo Galeano

Actrices: Cecilia Cósero, Carla Haffar

Iluminación: Fernando Cuadra

Diseño gráfico y asistencia: Iván Lifschitz

Producción ejecutiva: Fabi Maneiro

Dirección: Santiago Doria

DOMINGOS A LAS 20 HS. 
ÍTACA TEATRO
Humahuaca 4027 - CABA

AMOR CON PERFUME DE MEMORIA: El perfume de un amor, de Eduardo Caballero

 

“El perfume de un amor”, escrito y dirigido por Eduardo Caballero, es un espectáculo musical, pero es mucho más que eso: es un acto de memoria puesto en escena con el cuerpo entero. Desde una fábrica de jabones y perfumes —territorio obrero, cotidiano, reconocible— se despliega una historia de amor que crece al mismo tiempo que un país se transforma, se sacude, conquista derechos y vuelve, una y otra vez, a perderlos.

Hay algo profundamente honesto en la forma de contar esta historia. No hay artificio que oculte, sino recursos puestos al servicio de una emoción que avanza sin pedir permiso. No hay metáfora para descifrar, hay valentía para contar. La obra se anima a atravesar décadas complejas de nuestra historia —desde los años 30 hasta el 55—, incluyendo uno de los hechos más dolorosos de nuestra historia: el bombardeo de una fuerza sobre su propio pueblo, desarmado por si fuera poco. Y, sin embargo, lo hace sin solemnidad ni acartonamiento: lo hace desde la humanidad de personajes que podrían ser cualquiera de nosotros, desde un vínculo amoroso que insiste y resiste aun en medio del horror.

La resolución de esos momentos difíciles —la violencia, la pérdida, la muerte de Evita— está lograda con inteligencia escénica y sensibilidad. No se subraya: se sugiere, se encarna, se comparte. Y ahí aparece uno de los mayores aciertos del espectáculo: la capacidad de emocionar –y sorprender- incluso cuando sabemos exactamente qué va a suceder.

El elenco —26 intérpretes en escena, más músicos en vivo— sostiene con compromiso y entrega una maquinaria titánica del teatro independiente. Hay alegría y tristeza, hay conciencia de clase, hay interpelación directa al público. Y hay, sobre todo, un pulso colectivo que recuerda que el teatro también puede ser trinchera.

Este musical conmueve porque no miente. Porque no baja la mirada. Porque se anima a decir.

Sería bueno –y necesario- lo vea mucha gente joven. Y ojalá lo vieran quienes dudan, quienes niegan, quienes olvidan.

Porque hay historias que no pueden —ni deben— volver a ser silencio.

Siguen todos los sábados de mayo, a las 19.30. No se lo pierdan. 

Stella Matute

Abril, 2026

Tenerte al Tanto

QUIENES LO HACEN:

Autor: Eduardo Caballero

Elenco: Manu Amasifuen, Naty Arrúa, Emanuel Bergessio, Mirta Cecilia Brosio, Eduardo Caballero, Brian Correa, Daiana Dimeola, Taty Donia, Marina Gagliano, Marcelo Gamarra, Muriel Gerace, Matías Gil, Teresa Gutierrez, Caio Jeandet, Silvia Ledesma, Sol Pacín, Leandro Perez, Walter Rentera, Eli Salazar, Alejandro Schietroma, Viviana Torti

Músicos en escena: Pablo Donia, Sofia Guaymas, Pablo Muscatello

Escenografía: Mauricio Cangele, Eli Salazar

Maquillaje: Belén y Mariana Irazu

Diseño de luces: Eduardo Caballero, Liliana Jelin

Video y fotografía: Marcela Sarzano

Asistencia de dirección: Emanuel Bergessio

Prensa: Marcelo Olivieri

Arreglos Vocales y coros: Pablo Donia

Producción ejecutiva: Liliana Jelin

Producción general: Laura Alonso, Caio Jeandet, Pablo Muscatello, Eli Salazar

Coreografía: Eduardo Caballero, Brian Correa, Daiana Dimeola

Puesta en escena y dirección: Eduardo Felix Caballero

SÁBADOS 19.30 HS. 
TEATRO EL CUBO
Zelaya 3053 - CABA

WESER: ese mar que somos todos

 

El mar respira en "Weser". Respira hondo, como si guardara secretos antiguos, como si en cada ola trajera una historia que no termina de decirse y la vez se dice sin tapujos. Y en ese ir y venir, Fernando Spiner construye, junto a Aníbal Saldívar, una película que no busca respuestas sino compañía. Compañía en la soledad, en el encierro, en ese tiempo suspendido que dejó la pandemia y que todavía resuena en los cuerpos.

Hay algo profundamente entrañable en este film, algo que abraza sin solemnidad. La vida y la muerte conviven sin estridencias, como si fueran parte de un mismo oleaje. La memoria aparece como territorio inevitable, y la historia —la nuestra, la colectiva— se filtra en cada rincón, en cada silencio, en cada gesto.

En ese universo, la presencia de Daniel Fanego es conmovedora en un sentido casi físico. Hay en su trabajo una verdad que desarma, una humanidad que late incluso en lo más mínimo. Se siente como un legado, como una huella que queda. 

A su lado, Valeria Lois transita una sensibilidad delicada, una forma de estar que acaricia la escena, que invita a protegerla en la fuerza de su dolor,  mientras Luis Ziembrowski irrumpe con esa intensidad tan suya, tan necesaria, con esa potencia que tensiona y completa.

La película se despliega también desde lo sensorial: la música que envuelve sin invadir, la dirección de arte que construye un mundo reconocible y, a la vez, onírico, y una edición precisa que acompasa este viaje interior. Todo parece sostener una misma respiración.

Fer Spiner se mueve en las aguas de su Villa Gesell adoptada y nada con una mezcla de pertenencia y extrañeza. Como si el verdadero territorio estuviera en otro lado: en los recuerdos, en las pérdidas, en aquello que no se puede nombrar del todo pero que hay que nombrar en forma urgente.

"Weser" no se impone, no subraya. Se deja habitar. Más que una película es un viaje espiritual. Y en ese viaje, propone algo tan simple como necesario: un encuentro. Con lo propio y con lo ajeno. Con lo que duele y con lo que todavía, pese a todo, insiste en latir.

Gracias por esta película. Por el temblor que deja. Por esa marea íntima que sigue moviéndose aun cuando ya salimos de la sala. Por recordarnos, con una delicadeza infinita, que incluso en la soledad más honda hay un hilo que nos une… y que el arte, cuando es verdadero, sabe cómo encontrarlo.

Si la ven programada en algún cine, no se la pierdan

Stella Matute

Abril, 2026

Tenerte al Tanto

EL RUMOR DEL MAR EN CARNE VIVA: "SEGUNDA PRINCESA", de Alejandro Schiapacasse

 

El mar no está en escena, pero respira. La celda no está en escena, pero encierra. Laten en cada palabra, en cada silencio, en cada gesto de ese cuerpo que, solo, es capaz de sostener un mundo entero. “Segunda Princesa”, escrita, dirigida e interpretada por Alejandro Schiapacasse, es una de esas experiencias donde el teatro se vuelve acto de fe: creemos porque él cree.

Un banco, unas botas, guantes, una campera. Y, sin embargo, un pueblo costero. Los pescadores, las barcazas, las redes, la intemperie. Las frustraciones que se enquistan, la violencia que se niega. El correntino calentón, el gordo violento, la chica bonita, el perro endemoniado. Todos están ahí, a la vista del público, convocados por ese “polaco” soñador, enamorado, tierno, desesperado y brutal que Schiapacasse encarna con una precisión conmovedora. No los describe: los hace existir.

En “Segunda Princesa” el relato avanza sin fisuras, con una organicidad que atrapa y no suelta, que no da respiro. Hay una tensión sostenida, una expectativa que no se rompe nunca, como si el espectador estuviera también ahí, al borde de ese mar, esperando algo que no termina de llegar —o que puede llegar de la peor manera. La historia avanza como una red lanzada al mar, esperando su peso. El público queda suspendido en ese tiempo, en ese borde, acompañando cada deriva.

Lo más potente es la transformación constante. Schiapacasse no cambia de personaje: se vuelve territorio donde todos suceden. Los deja atravesarlo, los expone, los humaniza en sus luces y sus sombras. Y en ese tránsito, logra que también nosotros los veamos, casi como si pudiéramos tocarlos.

Hay en este trabajo una crudeza que no lastima, una belleza áspera –necesaria- y una poesía que no acicala: conviven, tensan, respiran juntas. “Segunda Princesa” es una actuación delicada y un relato que se sostiene de principio a fin en estado de expectación. Un recordatorio de que, cuando hay verdad, el teatro no necesita nada más que un cuerpo dispuesto a arder.

Stella Matute
Abril, 2026
Tenerte al Tanto

QUIENES LO HACEN:

Autor: Alejandro Schiappacasse

Actor: Alejandro Schiappacasse

Vestuario y Escenografía: Paula Molina

Diseño de luces: Lucas Orchessi

Asesoramiento artístico: Carlos Belloso

Asistencia de dirección: Arturo Leone

Prensa: Adriana Schottlender

Dirección general: Alejandro Schiappacasse

 

DOMINGOS DE ABRIL A LAS 20 HS

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

Viajar para decir, amar para callar: VELADO AMOR VIAJERO

Hay espectáculos que llegan como una confidencia. Y Velado amor viajero es, justamente, eso: una historia que se dice a media voz, pero que resuena con una profundidad inesperada.

Escrita y dirigida por Amancay Espíndola, a partir de la novela Dos palabras de Cynthia Cordi, la obra reconstruye la vida de Ada María Elflein (1880-1919), la primera mujer en integrar la redacción de un diario en Argentina, nada menos que La Prensa, territorio de varones. 

Pero lejos de una biografía ilustrativa, lo que aquí se despliega es una trama sensible sobre lo que una mujer puede —o no— permitirse sentir en una época que la empuja a correrse de sí misma para poder existir.

Desde el ingreso a la sala, la escenografía —corpórea, precisa, de una belleza austera— predispone al viaje. Todo está ahí para que la historia suceda: el tiempo, la atmósfera, el pulso de una época. El vestuario acompaña con un criterio exquisito, y lo sonoro —producido en escena por las propias actrices— aporta una textura íntima, casi secreta, como si el sonido, la música, los ruidos cotidianos también eligieran no decirlo todo.

Las actuaciones son de una fineza notable. Marilú Diz se despliega en tres personajes con una versatilidad admirable, e incluso canta y toca la guitarra; Alejandra López Molina construye una Mary Kenny sensible, cálida y precisa; y Anabella Valencia encarna a Ada con una delicadeza que conmueve: su cuerpo parece debatirse constantemente entre el deseo y la contención.

Y es ahí donde la obra encuentra su núcleo más potente: en ese amor velado. En lo que se dice y en lo que se calla. En esa tensión íntima de una mujer que, siendo profundamente disruptiva en lo social y en lo profesional, no logra —o no puede— asomarse del todo a sus propios sentimientos. ¿Teme? ¿Se protege? ¿Protege a Mary? ¿Se resguarda del mundo o de sí misma?

Velado amor viajero no responde estas preguntas. Y en ese gesto radica su belleza. Porque hay historias que no necesitan ser dichas en voz alta para ser comprendidas. Basta con que alguien, en escena, se anime a sostener el susurro. Y alguien, en la platea, a escucharlo.

Stella Matute

Marzo, 2026

Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN:

Autora: Amancay Espíndola (a partir de la novela Dos Palabras de Cinthia Cordi)
Actrices: Marilú Diz, Alejandra López Molina, Anabella Valencia

Vestuario y escenografía: Teatro Nacional Cervantes, Jorgelina Herrero Pons
Iluminación: Leandra Rodríguez
Video: Lorena Lemos
Fotografía: Ana Maria Ferrari
Asistencia De Producción: Carolina Lopez
Asistencia de dirección: Mateo Castelli
Utilería: Teatro Nacional Cervantes

Prensa: Adriana Schottlender
Producción: Grupo Estable El Popular
Grafica: Walter Cesar Remus
Coreografía: Silvina Perez

Dirección: Amancay Espíndola

TEATRO EL POPULAR

Chile 2080 - CABA

Sábados - 18:00 hs

ENTRE EL GRITO Y EL SILENCIO, LA VERDAD DE LA DENUNCIA

El reestreno de EL GRITO Y EL SILENCIO, de Selva Palomino, abrió la Temporada 2026 de Andamio ’90 con la intensidad que solo el buen teatro sabe provocar: esa mezcla de conmoción, pensamiento y belleza que deja al espectador horadado por lo que acaba de ver.

La obra propone un territorio delicado y urgente. Un espacio donde aquello que muchas veces se calla —por miedo, por dolor o por imposición del poder— encuentra finalmente un cauce para decirse. En ese cruce entre lo que se grita y lo que se calla, entre lo visible y lo oculto por la historia, la dramaturgia de Palomino construye una trama que se asoma a una zona incómoda de nuestro pasado. Allí, las voces silenciadas de mujeres jóvenes y las preguntas de quienes buscan su origen abren una grieta en el relato oficial. Sin subrayados ni golpes bajos, la obra deja entrever cómo la violencia ejercida desde el poder puede marcar destinos, cuerpos y generaciones. 

En el centro de ese dispositivo están Gabriela Villalonga y Luciana Procaccini, dos intérpretes que sostienen el espectáculo con actuaciones memorables. Ambas despliegan un notable trabajo de composición, transitando diversos personajes y perspectivas que van revelando, pieza a pieza, el complejo rompecabezas de la historia. Incluso encarnan, desde miradas opuestas, la figura masculina que condensa el abuso de poder: una presencia que aparece filtrada por la memoria, el dolor y la búsqueda de verdad. El resultado es un juego escénico de gran intensidad, donde cada cambio de registro amplía el sentido de lo que se narra.

La dirección de Fabi Maneiro se destaca por su inteligencia y sensibilidad. Con una puesta delicada, precisa y a la vez contundente, Maneiro entiende que la potencia de esta obra está en lo esencial. Nada sobra, nada busca imponerse por exceso. Cada gesto, cada pausa, cada grito, cada silencio parece pensado para permitir que el texto y las actuaciones respiren y desplieguen toda su fuerza.

El resultado es un espectáculo que conmueve sin manipular, que interpela sin violentar y que deja resonando preguntas necesarias sobre la memoria, el poder y la identidad. En tiempos donde muchas veces el ruido tapa lo importante, EL GRITO Y EL SILENCIO recuerda que el teatro sigue siendo un lugar privilegiado para decir en un aullido profundo y sutil aquello que la historia intentó callar.

Un trabajo sólido, sensible y profundamente humano.

Un espectáculo absolutamente recomendable.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Marzo´26

QUIÉNES LO HACEN:

Autora: Selva Palomino

Actúan: Luciana Procaccini, Gabriela Villalonga

Vestuario: Jorge Hirschfeld

Sombreros: María Auzmendi

Edición de sonido: Ariel Piccinali

Asistencia, fotografía y diseño gráfico: Iván Lifschitz

Prensa: Daniel Franco

Producción, puesta en escena y dirección: Fabi Maneiro

 

ANDAMIO '90
Paraná 660 - CABA
Teléfonos: 1130277499 / 4373-5670
Viernes - 20:00 hs

PERROS: la revolución de la ternura

En tiempos donde la realidad —y el mundo— parecen tensarse hasta el límite de lo soportable, donde la agresión y la velocidad se imponen como norma, “PERROS” irrumpe con una decisión casi subversiva: hablar del amor. Y no de cualquier amor. Del amor hacia un perro.

El unipersonal escrito por Pablo Albarello, protagonizado por Nacho Vavassori y dirigido por Elvira Massa, se instala en ese territorio íntimo donde lo pequeño se vuelve inmenso. Lo que podría parecer una anécdota doméstica se transforma en un espejo delicado de nuestras propias carencias, anhelos, miedos y necesidades de afecto.

Hay en la dramaturgia de Albarello una comprensión profunda de la condición humana. El vínculo con el animal no es mero recurso emotivo: es puerta de entrada a la fragilidad. A la lealtad. A la pérdida. A esa forma de amor que no negocia ni especula. El texto avanza sin golpes bajos, con una sensibilidad que conmueve porque no fuerza.

Pero es en la presencia de Nacho Vavassori donde la obra encuentra su verdad más palpable. Hay algo en su estar —en su respiración, en sus silencios, en la manera en que sostiene la palabra— que resulta profundamente honesto. No “actúa” el amor hacia ese perro: lo encarna. Se deja atravesar. Y en esa transparencia el público reconoce algo propio. Su interpretación está lejos de cualquier artificio; trabaja desde la sencillez y, justamente por eso, alcanza una potencia emocional enorme.

La dirección de Elvira Massa acompaña con inteligencia y precisión. No subraya. No sobrecarga. Confía. La puesta es austera, medida, y esa economía de recursos potencia cada gesto, cada pausa. La escena respira. Y en ese respirar compartido aparece la emoción genuina.

Hablar hoy del amor hacia un perro —en un mundo que parece olvidar la compasión— es un acto revolucionario. Porque pone en el centro la ternura. Porque reivindica la sensibilidad como fuerza. Porque nos recuerda que el afecto más puro puede encontrarse en lo que muchos consideran menor.

“PERROS” no busca deslumbrar. No busca deslumbrar. Busca hacer vibrar algo profundo. Y lo logra. Salimos del teatro con el corazón un poco más blando. Y en estos tiempos hostiles, que un espectáculo nos devuelva la ternura es, sin duda, un gesto profundamente político.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Febrero, 2026

QUIENES LO HACEN:

Autor: Pablo Albarello

Actor: Nacho Vavassori

Vestuario: Silvia Jerez

Escenografía: Néstor Bo

Asistencia técnica: Valentina Pereyra

Dirección: Elvira Massa

CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS

Av. Corrientes 2038 – CABA

Sábado - 21:00 hs - Hasta el 28/02/2026

ÉTICA DE LA CRUDEZA: "Yo no muero, ya no más" de Fernando Rubio

Anoche fui a ver, en el marco del Festival TABA, el espectáculo “Yo no muero, ya no más”, una experiencia escénica que no se deja mirar con comodidad. No es una obra “sobre” la violencia de género: es un aullido teatral que irrumpe, que rasga, que incomoda sin caer en el golpe bajo. Y allí radica una de sus mayores virtudes.

El autor y director Fernando Rubio construye un dispositivo austero, casi descarnado, donde cada gesto y cada silencio pesan más que cualquier artificio. La crudeza de la forma no es un recurso efectista sino una decisión ética: no embellecer el horror. No suavizarlo. No hacerlo digerible. Pero tampoco "reproducirlo". Distanciarse para acercar. Mostrar para vivirlo. La escena se vuelve territorio de exposición, pero también de observación, escucha y reflexión.

Uno de los ejes más potentes del espectáculo es el límite entre lo público y lo privado. ¿Qué sucede cuando un crimen que nace en la intimidad irrumpe en el espacio social? ¿Hasta dónde es “una historia personal” y en qué punto se convierte en responsabilidad colectiva? La obra no responde de manera didáctica: sacude. Obliga a mirar. Y al hacerlo, nos involucra.

El compromiso físico, emocional y artístico del elenco —Gabo Correa, Pablo Gasloli, Lucrecia Oviedo, Nayla Pose, Jorge Prado y Silvina Sabater— alcanza extremos de conmoción. Los cuerpos tensados, la mirada llevada al borde, la exposición sin red. Hay una entrega que estremece y que logra algo difícil: incomodar sin violentar al espectador. Interpelar sin alienar en la pura emoción.

“Yo no muero, ya no más” no busca aplauso fácil ni catarsis complaciente. Busca conciencia. Y en tiempos donde la violencia de género sigue cobrando vidas, el teatro, cuando asume esta densidad, deja de ser entretenimiento para convertirse en acto político y humano.

Y eso, profundamente, importa. Me importa. Debería importarnos a todas y todos.

El sábado 21 de febrero vuelve a hacer función en Timbre 4, a las 20. Vos sabrás. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Febrero, 2026

QUIÉNES LO HACEN:

Elenco: Gabo Correa, Pablo Gasloli, Lucrecia Oviedo, Nayla Pose, Jorge Prado, Silvina Sabater

Diseño sonoro: Sebastian Sachtel

Diseño de espacio: Fernando Rubio

Asistencia de dirección: Tatiana Sandoval

Autor y director: Fernando Rubio

El delicado coraje de quedarse: "DONDE QUIERAS ESTAR"

 

Hay espectáculos que no sólo se ven: se sienten. “Donde quieras estar” pertenece a esa estirpe que se posa en el pecho con la delicadeza de un colibrí y, con su aleteo vertiginoso y su pico inquieto, logra mover lo más profundo para excavar en lo más tierno. Escrita y protagonizada por Federico Buso —junto a la exquisita Silvina Katz— y dirigida con un vuelo sereno y preciso por Martín Goldberg, la obra despliega un universo que parece íntimo y propio pero se vuelve inmenso y colectivo y que en cada gesto respira poesía.

La gacetilla anticipa un encuentro en un parque, entre palabras, sonidos y un vestido que no llega. Pero lo que ocurre en escena es más hondo: es la forma en que la espera se convierte en espejo, en territorio donde lo cotidiano se vuelve revelación. Allí, entre ramas que los cobijan —escenografía bellísima de Alicia Leloutre, paleta tierra que continúa con finura en el vestuario de José Escobar— dos seres se buscan sin saberlo del todo, rozando esa inquietud que conocemos tan bien: ¿aparecerá el otro? ¿Y yo? ¿Qué hago con mis pequeñas cobardías, con mis ausencias, con lo que no dije nunca?

La iluminación perfecta de Sebastián Francia acompaña como un susurro, realzando zonas que parecen internas: suaviza, sostiene, deja ver. Y la música original de Lucas Sebastián Ramírez termina de envolver ese clima suspendido donde lo simple se vuelve esencial.

Hay en la obra una tensión sutil entre lo que elegimos y lo que nos elige; entre el deseo de estar y el miedo de no ser suficiente. Por momentos interpela en lo  profundo: como si Pedro y María dijeran en voz alta las vacilaciones, inseguridades, pérdidas, miedos de quienes están en la platea. Y a partir de ahí mostrar con crudeza y verdad el modo en que la felicidad suele estar ahí, tan cerca, pero requiere un pequeño acto de valentía para alcanzarla.

Donde quieras estar es mucho más que un espectáculo teatral: es un encuentro, es una caricia, es una invitación a mirar de frente lo que duele y, aun así, elegir quedarse.

Estén atentos para cuando vuelva a la cartelera y si no la vieron, no se la pierdan. Y si la vieron, recomiéndenla. 

Stella Matute

Tenerte al Tanto

Noviembre, 2025

QUIÉNES LO HACEN: 

Autor: Federico Buso
Colaboración en dramaturgia: Martín Goldber
Elenco: Federico Buso, Silvina Katz
Diseño de vestuario: Jose Escobar
Diseño de escenografía: Alicia Leloutre
Música original: Lucas Sebastián Ramírez
Diseño De Iluminación: Sebastián Francia
Fotografía: Gerardo Serre
Asistencia de dirección: Lucia Clavel
Prensa: Adriana Schottlender
Producción ejecutiva: Francisco Tortorelli
Puesta en escena y dirección: Martín Goldber