HABLAR DE LO NECESARIO

 "Como tú, yo también he tratado de luchar
con todas mis fuerzas contra el olvido.
Como tú, he deseado tener una inconsolable memoria,
una memoria de sombras y de piedra..."
(Así se expresa uno de los personajes
de "Hiroshma, mon amour".)

 

¿Cuántas veces hay que contar nuestra historia para que no se olvide? Las que sean necesarias.

Una muchacha de diecisiete años es expulsada de España por haber tenido la osadía de ser madre soltera. Pero ni la guerra ni su inflexible padre podrán con su espíritu soñador y de lucha. Llega a la nueva tierra joven, pobre y mujer, pero embanderada en el amor y la libertad. Una mujer que construye grandeza en la adversidad. La vida no le evitará dolores y ella no reparará en luchas.

Luciana Cervera Novo se escribe esta historia basándose en la de su bisabuela… Aquella Luisa que subió al barco en busca de nuevos y mejores destinos. Y digo “se escribe” porque además de escribirla, Luciana la encarna y sana. Sana a su linaje y a nuestra historia.

Acompañada en vivo por el exquisito aporte del músico Agustín Mulet –compositor de la música original de la obra– y dirigida con delicadeza y sensibilidad por Natalia Pascale, Luciana construye un espectáculo que bordea el biodrama. Transita la historia de su bisabuela con una comodidad, una nobleza y una hidalguía que conmueven. Canta, baila, dialoga, se emociona y emociona.

En el escenario está ella y su músico. Pero el espectador se irá habiendo conocido también a Luis –primogénito de Luisa y abuelo de Luciana–, a Leandra, a Alfonso, a  Olga, Ramón, a los vecinos; se irá también habiendo visto el mar, el conventillo, las calles humildes, las prisiones, las compañeras. Y también habrá atravesado tiempos, épocas, historia. ¿Cuánto tiempo es una hora teatral? A veces simplemente cruza siglos.

Luis, además de hijo de Luisa y abuelo de Luciana en la vida real, es uno de nuestros compañeros detenidos, desaparecidos. Luisa una de nuestras madres de pañuelos blancos. La voz en off de nuestra inmensa Taty Almeida corona esta ceremonia teatral y suma a esa emoción que desborda por los ojos de comienzo a final.

“Luisa” es un espectáculo imprescindible. Por talento y porque imprescindible es mantener viva nuestra Memoria.

Que Luciana, Agustín y Natalia, tres personas tan jóvenes, se propongan esa gesta reaviva la esperanza.

30.000 compañeros detenidos desaparecidos: ¡PRESENTES! ¡AHORA Y SIEMPRE!

Gracias infinitas a nuestras Madres y Abuelas, siempre.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia y actuación: Luciana Cervera Novo

Voces en Off: Taty Almeida y Matias Bertiche

Diseño de vestuario: Anita Figueroa

Diseño de escenografía y diseño gráfico: Ayelén Beti

Música original y músico en escena: Agustín Mulet

Diseño de Iluminación y fotografía: @fiero.fuego

Asistencia de dirección: Soledad Ayardi

Dirección: Natalia Pascale

"LUISA" puede verse los sábados a las 20 hs. en el nuevo espacio teatral, recientemente inaugurado, ITACA, un lujo para estos tiempos que corren. Humahuaca 4027. 

De poetas, actores y resistencias

“El teatro es poesía que se sale del libro para hacerse humana”
Federico García Lorca

 

El poeta escribe y lo matan. Su obra inconclusa será la prueba irrefutable del crimen. “¿Qué mal puedo haber hecho yo si sólo escribo?” Su obra inconclusa buscará un final porque siempre hay un final. Posible, soñado, necesario, inesperado, desesperado.

Un actor encuentra esa obra y se propone buscar ese final que hará que el poeta sea eterno aunque ya lo es. El actor ensaya y busca, ensaya y rastrea, ensaya y averigua, ensaya y pregunta, ensaya y encuentra. No encuentra un final, encuentra un camino. El camino de la palabra, de la emoción, de la reunión con la poesía toda de un poeta que son todos los poetas.

“El camino de la fuente”, escrita y dirigida por Sabatino Palma recorre ese camino infinito y mayúsculo con una sencillez y una delicadeza que conmueve y abraza. Claro que cuenta para ese recorrido a un actor como Pablo Razuk, que una vez más (y van…) deslumbra con su sensibilidad, su precisión, su compromiso. Él es el actor, los personajes de Lorca y el poeta. Él bucea en la intimidad de un ensayo pero también se enfrenta con esa oscuridad luminosa que es el público, a veces multitudes y otras veces, las más, un puñadito de almas amantes del escenario. Busca un final posible para la obra inconclusa y encuentra poesía, siempre poesía, traducida al mismo en música y teatro, en canciones y gritos, en injusticias y resistencias, en sangre y esperanza, en crímenes y sobrevivientes, que cruzan mares y océanos, que son diferentes y siempre iguales…

Y la esperanza, claro. Siempre la esperanza.  Un homenaje profundo a la poesía, a los poetas, al teatro, a las luchas y, fundamentalmente, al Gran Federico.

Hermoso texto y ajustada dirección de Sabatino Palma. Y Razuk “sacando a la poesía del libro para hacerla humana”. 

Stella Matute

Venganza, Amistad y Amor

¿Cuánto tiempo se necesita para llevar a cabo una venganza? A veces toda la vida.

Este es uno de los temas que aborda “Chaco arde”, el melodrama musical queer creado por Belén Amada, Micaela Fariña y Gonzalo Quintana, quien además está a cargo de la dirección del espectáculo. Evidentemente un espectáculo visceral desde su origen.

Sandra Díaz y Alejandra Gorriti son dos amigas que han recorrido juntas el camino desde una adolescencia vapuleada por el bullyng hasta una adultez que las encuentra sedientas por castigar a sus antiguos agresores. Y ese camino las deposita en una ruta que las lleva al  Chaco, donde dos de sus compañeres de secundaria consumarán un casamiento al que ellas no han sido invitadas. Con el que, obviamente, no están de acuerdo. Y están dispuestas a todo por impedirlo. A todo.

En ese “a todo”, el director Gonzalo Quintana cuenta con dos actrices de una entrega y un talento inusitados que se entregan a la historia sin guardarse nada o, al menos, ofreciendo mucho. El espectáculo tiene esa impronta generosa de la creación colectiva, de la investigación que genera confianza escénica y que el espectador disfruta agradecido. Aún en algunas desprolijidades vocales que dificultan comprender algunos diálogos o alguna ausencia de síntesis, el trabajo interpela, conmueve, contagia entusiasmo, impacta y cala hondo en quien se entrega a ese viaje que va del disparate a la ternura sin escala.

Micaela Fariña es Sandra, una mujer que no puede olvidar un beso que una compañera le dio en Bariloche, cuando el viaje de egresades les proponía que todo era posible. “Un beso como no se besa a una amiga”. Está convencida de que eso que ella siente desde ese tiempo hasta hoy es el verdadero amor y que todo lo demás es mentira. Para contarnos ese sentimiento cuenta con un instrumento físico,  vocal y musical envidiables. Y lo usa. Vaya si lo usa.

Y Marina Ortega –que se incorporó al espectáculo en esta temporada- no le va en saga. Construye desde las entrañas a su Alejandra, esa amiga incondicional, todoterreno, que puede matar por defender a quien ama. Y le imprime a su composición la fuerza de un secreto que le vibra de pies a cabeza. Su trabajo tiene la impronta de una ofrenda.

Hermosas las dos, por momentos arriesgan mucho en esa entrega. Y se recomponen, y emocionan en ese margen de la ternura que da respiro. Y ahí hace pie la venganza, en la ternura y el amor. Que es la única forma de venganza aceptable.

Menudo trabajo ha tenido el director para ordenar ese desborde de talento y entrega.

El espacio escénico del Tadrón no podría ser mejor lugar para que estas dos mujeres se entreguen a la libertad de sus cuerpos y sus voces. Dicen que les quedan sólo dos funciones. Pero arriesgamos a  augurarles unas cuantas temporadas más.

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autores: Belén Amada, Micaela Fariña, Gonzalo Quintana

Actrices: Micaela Fariña, Marina Ortega

Diseño de vestuario: Mailen Calvo

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de luces: Samir Carrillo

Visuales: Eliana Agüero

Fotografía: Gastón Marín

Diseño gráfico: Roy Cifre

Asesoramiento De Movimiento: Sebastián Villagra

Asistencia técnica: Josefina Bonnet

Asistencia de dirección: Belén Amada, Kika Monte

Coreografía: Sebastián Villagra

Dirección: Gonzalo Quintana

SÁBADOS 21 hs. en TADRON TEATRO

Niceto Vega 4802 CABA - Argentina

Teléfonos: 4777-7976

Un abrazo que sana

Un hombre escribe sobre un hombre. Escribe, quizá,  para sanar a ese hombre que es él y que tal vez no. Luego  olvida su escrito en un rincón de la nostalgia. Otro hombre encuentra ese texto y decide sanar y sanarse poniendo su piel al servicio de todos los hombres que fueron niños y crecieron de golpe en las garras de lo inesperado.

Esos dos hombres, el que escribió y el que encarna, se unen en una ceremonia que es “abrazo de frío azulejo”, habitando los rincones del misterio que propone crear universos de la nada. Nada que es un espacio, un cubo, una gota que horada, una melodía, un dibujo en el piso y un cuerpo casi desnudo. Así se ofrecen y así reciben.

“Abrazo de frío azulejo” narra en presente la historia de un niño que ya es adulto y que recuerda una experiencia que le marcó la vida.

Fernando Alegre, autor y director, logra esta vez una síntesis artística que es el resultado de una profunda investigación desde la dramaturgia y la escena. Y Gastón Biagioni se entrega a ese niño vulnerado, que en el baño de un club su vida irá de la fantasía al infierno, toda la magia necesaria para que el espectador lo vea abrazado a ese azulejo que pinceló su retina y su alma para siempre. Y ya sabemos que “siempre” es mucho tiempo. Entre los dos –director y actor- logran un espectáculo visceral y generoso que interpela y conmueve; duele y sana; provoca y deconstruye.

Quienes asisten a esa ceremonia teatral, que comienza en el hall con una empanada y un vino, no salen ilesos de la experiencia. Y sin dudas, quien se entregue a la sensibilidad, saldrá mejor persona. Porque el arte mejora a la gente y este espectáculo da cuenta de ello.

“Abrazo de frío azulejo” es una creación que va de lo pequeño a la desmesura. 

No te la pierdas. 

Para acceder a verla debés llamar o escribir al +54 9 11 6665-9843 y ahí te dirán para cuándo pueden reservarte. Porque las localidades suelen estar agotadas.  

Stella Matute

Autoría y dirección: Fernando Alegre

Actor: Gastón Biagioni

Lugar: Unicornio Espacio de Arte

Funciones: a convenir por reservas

Una pareja, una Patria

Algún pueblo de nuestro vasto territorio. De esos que, salvo para un puñado de personas que lo habitan, suelen ser lugares de paso y de respiro para quienes recorren el país con su trabajo. 

Un hotel. Una década que se consume. Una Patria que agoniza. Un invierno frío. Tal vez el más frío de los inviernos.  

Una pareja que no fue. Dos personas que transitan los laberintos de un desencuentro infinito.

“Fuera del mundo” es una sutil metáfora sobre el comienzo del horror. Un delicado recorrido paralelo entre lo micro y lo macro. De las habitaciones de un modesto hotelucho al país entero. Del relato de dos seres individuales al de los sucesos de todo un país vulnerado. 

Julia y Martín se han visto periódicamente durante diez años. Y ese domingo de frío y niebla, de soledad y desasosiego, podrán –tal vez- dar los pasos del único baile que desearon pero bajo la melodía de una sucesión de notas desafinadas, definitivas. 

Raúl Brambilla, autor y director del espectáculo, no pudo encontrar mejores intérpretes para encarnar a los desamparados, suaves  y sensibles personajes de su historia. Una historia arriesgada y simple a la vez, que narra un universo todo desde el sencillo comedor de una casona vetusta. Malena Figó y Marcelo Mininno ponen todo su talento, intensidad y nobleza artística al servicio de esas criaturas que, desde sus cándidas existencias, cruzan el puente del deseo postergado para encontrarse en la inmensidad de lo imposible. Tanto ella como él saben domar el potro desbordado de sus emociones para darles luego rienda suelta corcoveando entre la impotencia y la esperanza que no por esquiva es menos potente. Brambilla tiene el talento de que su mano de director no se vea en el transcurso de un espectáculo que está dirigido puntillosamente, en el que la actriz y el actor suben al público  a un cabalgar que va del paso manso al galope desenfrenado para pasearlo por la memoria de una historia que nos pertenece y nos sigue doliendo. 

"Fuera del mundo", es el título. Pero es una obra que te hace estar dentro de esa  historia, dentro de esa memoria –que es la nuestra-, dentro de ese interminable dolor de una patria lastimada.

Stella Matute

FICHA TECNICO-ARTISTICA: 

Actúan: Malena Figó y Marcelo Mininno 

Diseño de vestuario: Cecilia Carini

Diseño de escenografía: Iván Salvioli 

Diseño de luces: José Binetti 

Fotografía: Claudio Da Passano 

Producción Ejecutiva y Asistencia de Dirección: Rubén Sibilia 

Dramaturgia y Dirección General: Raúl Brambilla 

TEATRO DEL PUEBLO 

Lavalle 3636, CABA 

Teléfono: 7542-1752 

Entrada: $ 700,00 / $ 550,00

Sábados, 17:00 hs - Del 30/10/2021 al 11/12/2021

Una clase de Historia hecha Teatro

 

Alejandra Darín y Pablo Razuk 

Una muerte, un desalojo, una casa, una historia. Una vida. O dos. Dos.

Nuestra historia.

La construcción del pensamiento nacional y la resistencia de los odiadores de siempre. Desde el comienzo de la historia hasta nuestros días. Quizá hasta el final de los tiempos.

De todo esto y más habla Scalabrini Ortiz, de Florencia Aroldi. Un espectáculo necesario, un documento encarnado, hecho escena.

En un tiempo sin tiempo el público hace un recorrido por algunos de los vericuetos de un país que viene luchando por su autonomía, por su independencia económica y por caminar sin pedir permiso al Poder Real que siempre pone rocas en el camino. Y de una pareja que lucha por lo mismo. 

En ese tiempo poético del escenario, Pablo Razuk interpretando a Scalabrini Ortiz y Alejandra Darín en la piel de Mercedes Comaleras, nos hablan de realidades y amores, de resistencias y lealtades, de respeto y atropellos, de amigos y traidores, de enfermedad y eternidad. Ambos intérpretes ya nos han acostumbrados a sus entregas y sus talentos, y en esta oportunidad –una vez más- interpelan y conmueven.

Pablo Razuk logra un parecido notable con el pensador histórico y, fundamentalmente, encarna esa sencillez de la que Scalabrini Ortiz hizo una bandera que defendió hasta su último suspiro. Y Alejandra Darín le da vida a una de esas mujeres de nuestra historia que sostuvieron el camino de sus compañeros renunciando a la merecida gloria propia. La obra cuenta una vida con dos protagonistas, con dos luchadores, con dos imprescindibles.

Delicada y precisa la propuesta de escenografía y vestuario en manos de Alejandro Mateo y bello relato musical que acompaña desde el talento de Sergio Vainikoff.

Sin dudas todas son grandes elecciones de Sebastián Berenguer, el director general de este espectáculo que debería ser declarado de "Interés Histórico Educativo" y ser “de escenario obligatorio” en escuelas y universidades. Gracias Florencia Aroldi por Scalabrini Ortiz.

STELLA MATUTE

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Autora: Florencia Aroldi

Actúan: Alejandra Darín y Pablo Razuk

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Maquillaje: Sofía Banegas

Diseño de iluminación: Horacio “Chino” Novelle

Composición musical: Sergio Vainikoff

Fotografía y diseño: Patricio Vegezzi

Producción ejecutiva: Albondigas Producciones, Korinthio Teatro y Sebastián Berenguer

Asistencia de producción: Lydia Stevens

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Carolina Peralta

Dirección general: Sebastián Berenguer

Sábados a las 17.30 hs

Teatro Picadero. Pasaje Santos Discepolo 1857

 

 

PALABRAS CON PELIGRO

 

¿Cuántas formas tiene el abuso? ¿Cuántas son sus máscaras? ¿En qué lugar agazapado de la condición humana siempre está a mano para dar el zarpazo y herir, lastimar, despertar el horror? 

La fascinación por su docente de una adolescente con discapacidad. La fascinación del docente por esa alumna que lo deslumbra con su sensibilidad distinta. En ese vínculo anida el peligro. No importa si hay buenas o malas intenciones. Lo que no debe ser no debe ser. Y cuando el daño está hecho no hay vuelta atrás. 

“Mis palabras”, escrita y dirigida por Marcelo Allasino, ingresa a ese laberinto y lleva a los espectadores a perderse allí, en ese delgado límite entre el poder de enseñar y el abuso del rol. 

“Las palabras crean realidades y tejen deseos.  ¿Cómo suenan mis palabras en tu escucha?  ¿Cómo afectan tu fantasía y tu verdad? ¿Qué responsabilidades tenemos frente a la entrega, el amor, la compasión? ¿Y frente a la creación?  Las palabras, también, le abren la puerta al espanto.”, dice la gacetilla informativa. Y es de una verdad tan desmesurada que no salís ileso al levantarte de la platea. Esas palabras atraviesan. Todas. 

“Mis palabras” es un espectáculo potente, titánico, épico, necesario. Que cuenta con una actriz –Agostina Prato- que atraviesa todos los estados y los estadios, con un talento superador. Y un actor –Nahuel Monasterio- de una sensibilidad que le permite deshacerse y rehacerse una y otra vez en escena. Generan un tándem que no da respiro. Los acompaña la magia de Nico Diab con un diseño sonoro en escena, que ayuda tanto al elenco como al espectador a respirar el dolor y arrojar al aire la carcajada cuando la tensión se diluye un algo. Todo dirigido “a lo Allasino”, con originalidad y potencia. Es difícil escribir mucho más sobre “Mis palabras” porque es difícil escribir sobre una experiencia que arrastra al espectador por la ladera de un volcán que acaba de explotar. 

Se ofrece los viernes, sábados y domingos a las 20 hs. en el Centro Cultural San Martín. No dejen de verlo. Hay que verlo. (Hasta el 13/11/2021) - Sarmiento 1551

Ficha técnico/ artística:

Actuación: Agostina Prato y Nahuel Monasterio

Música y puesta sonora en vivo: Nico Diab (MUX)

Escenografía: Ignacio Riveros

Diseño de Iluminación: Leandra Rodríguez (ADEA)

Ayudante de Iluminación: Agustín Valle

Diseño de vestuario: Uriel Cistaro

Realización de vestuario: Patricia Mizraji

Dibujos: Clara Esborraz

Dispositivo visual: Mauricio Casaretto y Fabián Kesler

Videos cámaras de seguridad: Ramiro Rodríguez y Julio Constantin

Edición de videos: Mica Di Pompo

Cámaras en vivo: Sol Muñoz y Camila Morales

Asistencia de sonido: Gonzalo Peralta

Diseño gráfico: Leonor Barreiro

Prensa: Valeria Franchi

Coproducción: El Cultural San Martín

Asistencia de producción: Agustina Gil

Producción: Raúl S. Algán

Asistencia de dirección: Juliana Ortiz

Autoría y dirección: Marcelo Allasino

Un puzzle que nos rompe la cabeza

 

Veintiuna obras son seleccionadas entre 1540 obras. Sin duda esas veintiuna obras tiene gran mérito. Una de esas obras es "Puzzle", de Omar Lopardo y después de haber visto el espectáculo sé que tiene muchísimo más que un gran mérito. Es una obra que merece ese premio y muchos otros.

Dos hombres llegan al mismo tiempo a un banco de plaza. Los dos consideran que ese banco les pertenece. Nunca antes se han visto. Pero muy pronto descubren que se conocen mucho más de lo que pueden imaginar. La memoria les irá jugando una mala pasada –o buena, depende desde dónde miremos- y se les irá develando la historia propia y la del otro, que no es la misma pero es igual. ¿Son dos? ¿Es uno? ¿Son ellos? ¿O somos nosotros? Tal vez no tiene importancia, o la tiene toda, porque son un universo todo y desde ese universo hablan de la vida, de la verdad, de la mentira, de los engaños, de la burla, de los desencantos, de la identidad, de lo expuesto, de lo oculto…  y de la justicia en todas sus formas –formal, divina, por mano propia-.

Un texto intenso, misterioso, inquietante -con reminiscencias de Beckett, Sartre, Ionesco-, con chispazos de humor, que encontró en Santiago Doria a su director ideal. Una puesta bella y minimalista, que cuenta no sólo a través de la palabra sino de los objetos, los colores, las luces, los sonidos. Impecables trabajos de escenografía, vestuario, luces y música en manos de Daniel Feijoò, Laura Singh, Roberto Traferri y Martín Bianchedi respectivamente. Un espectáculo bordado a mano, estilo exquisito tan propio de Doria.  

Párrafo aparte, obvio, para las dos descomunales actuaciones, que se entregan con pasión a la difícil propuesta tanto de texto como de dirección. Esteban y Marcos tienen en Osmar Nuñez y Jorge Suárez sus cuerpos y sus almas. Sus encarnaduras precisas. Dos trabajos de una sensibilidad mayúscula. Un ir y venir cómodo -que incomoda- de la palabra al sentimiento, del sentimiento al desgarro.

Del otro lado de la pantalla –el espectáculo se ofrece desde la plataforma digital del Teatro Nacional Cervantes- las y los espectadores se reflejarán en espejos deformes mientras se preguntan cuánto de cada uno de esos dos personajes vive –y muere- en cada uno de nosotros.

Stella Matute

Ficha técnico-artística:

Autor: Omar Lopardo

Actores: Osmar Núñez y Jorge Suárez

Producción: TNC: Marcelo Dorto

Asistencia de dirección: TNC: Esteban De Sandi

Música: Martín Bianchedi

Iluminación: Roberto Traferri

Vestuario: Laura Singh

Escenografía: Daniel Feijóo

Dirección: Santiago Doria

Disponible aquí: https://www.youtube.com/watch?v=6cL0EzVqu4I
Duraciòn: 51 minutos.

Othelo como excusa

 

Volver a ser espectadora después de un año de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Para quienes enfrentamos este tiempo con responsabilidad, salir hacia un hecho social, ya es mucho. Todo inquieta. Y sentarse en una sala teatral con barbijo puesto, después de haber sido testeada en temperatura y a dos metros de distancia del siguiente espectador, propone un estado verdaderamente especial. De verdad deseaba que lo que iba a ver me conmoviera –siempre lo deseo, pero en este tiempo todo se dimensiona-, lo que no esperaba era que me modificara tanto. Y sin duda, “Othelo –termina mal-“ modifica.

En realidad, ya el título debió habérmelo advertído.

¡Esto es Shakespeare!, aclaran de entrada los cuatro magos del escenario. Y para afirmarlo ponen al gran William –cual omnipresente testigo- para que los observe desde un costado de la acción. ¡No es clown, no señores!, vuelven a aclarar y no se ponen nunca la nariz roja. Y desde esa aclaración casi constante ofrecen Othelo y también –por si fuera poco- aclaran de entrada que “termina mal”. Por lo tanto, nos anuncian que no habrá sorpresa. Que todo lo que pase allí ya lo sabemos. ¡Ja! Gran engaño. Porque el público no tiene idea de lo que va a ver… 

La historia del admirado autor inglés ha sido amasada en la talentosa procesadora de Gabriel Chame Buendia y mezclada con una apabullante dosis de imaginación, otra de sorpresa, una más grande de ingenio y otra –inmensa- de riesgo. Vertió esa mezcla en los cuatro de los mejores “moldes” con que un hacedor pueda contar y el resultado es un Othelo desopilante horneado a fuego lento en la llama única del talento colosal.

Tres actores y una actriz para un Otelo completo. Ahí están Yago, Desdémona, su padre, Rodrigo, Casio, Ludovico, Emilia, Brabancio y –claro- Otelo siendo fieles e infieles al mismo tiempo a la mítica obra shakespeariana. Respetándola a rajatabla pero acercándola desfachatadamente a nuestros días, a nuestro lenguaje, a nuestro cotidiano. Con humor desopilante, con desparpajo, con soltura, y con trabajo. Mucho trabajo. Traspirando la camiseta como obreros de la escena. Convirtiendo cajas en tronos, mesas en palacios, telas en mares y sábanas, cuerpos en instrumentos inefables de la narración.

¿Teatro físico? Si. Y del muy bueno. Pero hay más. ¿Clown? Sí, y del mejor. Pero hay más. ¿Buenas voces? Si, pero hay más. ¿Buen manejo del escenario? Sí, pero hay más. ¿Interacción descomunal con el público? Sí, pero hay más. Hay más.

Hay comunión. Hay ceremonia. Hay ofrenda. Hay actualidad feroz en ese texto milenario traído a interpelarnos hoy.

Matias Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio son los desaforados e imprescindibles creadores con los que Gabriel Chame Buendía cuenta para que su vuelo de dramaturgia y dirección sea alto y luminoso. Los cuatro alcanzan climax a lo largo de los 110 minutos que dura el espectáculo y que pasan volando.

El público ríe ríe y ríe con los juegos y recursos de estos cuatro artistas que se sacan chispas en un duelo de talentos pocas veces visto en la escena porteña. Y a la vez, puedo asegurar, que el público teatral nunca antes quedó tan mudo cuando esta tragedia se desenlaza. Otro gran hallazgo de Chame Buendia. 

Othelo, tantas veces vista, esta vez es la mejor excusa posible para hablar de la condición humana actual, de la mentira, la verdad, la justicia, las conspiraciones y, sobre todo, la violencia y el femicidio. 

Volver a ser espectadora después de ¿un año? ¿un siglo? ¿un milenio? de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Un acierto de mi parte haber elegido este espectáculo para volver a serlo. Hasta el tapabocas deja de molestar por tanta entrega que llega desde el escenario del Caras y Caretas. Y sí, salí de la sala absolutamente modificada. 

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Autor: William Shakespeare

Adaptación: Gabriel Chame Buendia

Actores: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio

Vestuario: Gabriel Chame Buendia

Escenografía y Diseño de luces: Jorge Pastorino

Diseño sonoro: Sebastián Furman

Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar

Fotografía: Gianni Mestichelli

Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone

Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole

Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik

Asistencia De Producción: Micaela Fariña

Asistencia técnica: Ariel Dabbah

Asistencia de dirección: Justina Grande

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar

Producción: Buendia Theatre

Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037 - Sarmiento 2037 - CABA
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 26/03/2021
Duración: 110 minutos