CUANDO EL TEATRO REVIVE LA HISTORIA PARA ILUMINAR EL PRESENTE - EL DEBATE

En tiempos donde el diálogo parece un bien escaso y la grieta un mal comun que se profundiza, EL DEBATE emerge como una propuesta teatral imprescindible. Bajo la interpretación magistral de Pepe Monje y Gabriel Rovito, el espectáculo reconstruye el histórico encuentro televisivo entre José Ignacio Rucci y Agustín Tosco, dos figuras antagónicas del sindicalismo argentino que, en 1973, lograron algo hoy casi impensado: debatir con firmeza, pero sin violencia.

Imagen de EL DEBATE - Espectáculo - 2025

 La puesta en escena nos traslada a aquella histórica transmisión televisiva, donde Rucci y Tosco confrontaron sus ideas con pasión, pero también con respeto mutuo. En una sociedad marcada por discursos que priorizan el agravio sobre el argumento, la obra no solo reconstruye un episodio clave de nuestra historia reciente, sino que interpela con fuerza el presente. No se trata de recrear un enfrentamiento, sino de reivindicar el debate político como herramienta para construir en vez de destruir.

Imagen documental del Debate real - 1973

Rovito y Monje son excepcionales. No solo capturan los matices ideológicos y temperamentales de Rucci y Tosco, sino que consiguen dotar de humanidad a sus personajes. Sus interpretaciones logran transmitir la intensidad y la convicción de aquel debate sin necesidad de exageraciones, permitiendo que las palabras y los gestos hablen por sí solos. Los acompañan un elenco sólido – Joselo Bella, Enrique Dumont, Miguel Core y Sebastián Dartayete– que contribuyen a la atmósfera de tensión y respeto, replicando con precisión el tono de la época.

Más que un ejercicio de memoria, EL DEBATE es un espejo en el que deberíamos mirarnos. A 50 años de aquel cruce televisivo, la obra nos recuerda que la política no es una batalla campal, sino un espacio de confrontación de ideas, donde la palabra es la verdadera protagonista.

Un espectáculo necesario, que emociona y moviliza. Ojalá el teatro siempre siga siendo este faro que ilumina en el pasado lo que el presente no debería olvidar.

Stella Matute

Tenerte al Tanto

EDIT - Divulgo Teatro

Marzo, 2025

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Elenco: Pepe Monje, Gabriel Rovito, Joselo Bella, Miguel Core, Sebastián Dartayete, Enrique Dumont 

Escenografía: Lula Rojo 

Música original: Martín Bianchedi 

Libro: Manuel González Gil 

Asistencia de dirección: Mica Rivamar 

Dirección: Manuel González Gil

FUNCIONES:
Miércoles, jueves y viernes: 20 hs.

Sábados: 19.30 y 21 hs

Domingos: 19.30 hs.

MULTITABARIS
Av. Corrientes 831 - CABA 

muti

¿Poseemos a los objetos o los objetos nos poseen?

 Reseña de "El Funeral de los Objetos"

“El Funeral de los Objetos”, escrito y dirigido por Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano, vuelve a escena en su quinta temporada en la Sala Pablo Neruda del Complejo La Plaza, confirmando su lugar como un espectáculo provocador y necesario.

Con una propuesta que combina teatro musical y un lenguaje escénico original, la obra explora la compleja relación entre los seres humanos y los objetos que nos rodean. En un mundo donde el apego material muchas veces define nuestra identidad, este montaje desafía al espectador a reflexionar sobre lo que realmente poseemos y lo que, sin darnos cuenta, nos posee.

A lo largo de la obra, los actores dan vida a un universo donde los objetos no son meros accesorios, sino protagonistas de las emociones, recuerdos y cargas cotidianas de los personajes que habitan la escena. Que bien pueden ser cualquiera de nosotros. 

El apego y el desapego son los grandes ejes temáticos, tratados en un ritmo escénico que no da respiro. La música, ejecutada con precisión y originalidad, refuerza esta tensión constante, sumergiendo al público en un viaje tan incómodo como necesario.

El espectáculo no permite relajarse. Con un lenguaje escénico provocador que desafía las convenciones, "El Funeral de los Objetos" obliga a mirar de frente nuestras propias contradicciones y ataduras. Cada elemento en escena, desde las luces  hasta las coreografías, está diseñado para mantener al espectador alerta, en un diálogo continuo con las ideas y emociones que se despliegan.

Manasseri y Provenzano han logrado un montaje donde la potencia conceptual se une a una muy buena realización, con un elenco homogéneo y comprometido que pone el cuerpo y las voces a un 100%, consolidando a "El Funeral de los Objetos" como una obra necesaria para quienes buscan en el teatro una experiencia que interpele. Entre risas, exaltaciones, gritos, canciones, silencios y reflexiones, esta propuesta invita a cuestionarnos: ¿qué tan libres somos cuando vivimos rodeados –o poseídos- de aquello que creemos poseer?

Stella Matute
Enero, 2025
Tenerte al Tanto / Edit

Ganadora del Premio “LUISA VEHIL” a Mejor Comedia Musical 2022

4 Nomimaciones a Los Premios ESTRELLA DE MAR 2023

3 Nominaciones a los PREMIOS HUGO” al Teatro Musical 2022

Libro - Idea Original: Nicolás Manasseri - Fernanda Provenzano

Música Original: Nicolás Manasseri - Fernanda Provenzano

Elenco en Orden de aparición: Martina Alonso – Fernanda Provenzano – Eugenia Fernandez –

Renzo Morelli – Nicolás Manasseri – Matías Zajic – Christian Edelstein

Covers: Daniela Rubiatti – Nicolás Hernán Quaglini – Alejandra Oteiza

Pianista: Facundo Cicciu

Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño de Vestuario: La Costurera Teatro

Diseño Gráfico: Mariano Morelli

Diseño de Luces: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Dirección Musical y Arreglos Musicales: Facundo Cicciu

Coreografías: Fernanda Provenzano

Dirección de actores - Puesta en escena - Dirección General: Nicolás Manasseri

Asistente General: Aldana Alessandroni

PRODUCCIÓN GENERAL: PHEPANDÚ

MARTES, 20.30 hs.

Paseo La Plaza, Sala Pablo Neruda

Av Corrientes 1660 

Teléfonos: 6320-5350

Web: http://www.paseolaplaza.com.ar

Piel de Encaje: Un Alma Desnuda en el Escenario

 

La vida, a veces, se derrama como un hilo de encaje: delicado, único, pero tan frágil que amenaza con romperse en cada nudo. Así es "Piel de Encaje", el unipersonal escrito y dirigido por Fernando Alegre y protagonizado por Eduardo “Pacha” Paglieri que anoche nos ofreció un adelanto de lo que será el estreno en Mar del Plata el 6 de enero. Fernando y Pacha son mis amigos. Gente que quiero y admiro. No puedo ser demasiado objetiva y no quiero serlo. Pero les aseguro que tampoco exageraré sobre lo que me pasó sentada en la platea.

La historia que narra el espectáculo es, en el fondo, todas las historias: un amor que arde y se apaga, un deseo que duele, una búsqueda que nunca termina. Pero también es una historia que no teme ser ella misma: queer, libre, genuina. Aquí, el amor no tiene género, ni moldes, ni límites. El dolor de no ser correspondidos, la euforia de un encuentro, la soledad de un desencuentro... todos cabemos en este espacio

Pacha, en el escenario, es un alquimista. Canta como si su voz contuviera secretos ancestrales. Baila como si cada paso fuera una declaración de resistencia. Habita su cuerpo, su historia y las nuestras, con una valentía que estremece. Uno no mira el espectáculo; lo vive, lo respira, lo late. Porque él no actúa, se expone, se entrega. Cada gesto suyo es un mapa del alma, un territorio por descubrir.

El texto de Fer tiene la dulzura de un abrazo y la dureza de una confesión. Es amoroso en su ternura y descarnado en su verdad. La dirección, por su parte, no deja lugar a lo superfluo. Cada movimiento, cada silencio, cada mirada, está ahí porque debe estar. Es una precisión que se siente más como poesía que como teatro.

Los arreglos musicales de Carlos Ledrag son impecables, bordados a mano y tejidos en trama con el texto. Todo es uno. Música, texto actuación, emociones, letras, acordes.

Y el vestuario de Jonathan Oviedo da la puntada final a ese tejido dando practicidad y belleza al mismo tiempo.

"Piel de Encaje" es una experiencia íntima. Salimos del teatro con el corazón latiendo distinto, con la certeza de que el amor nos hace iguales en la dicha y en el dolor. Y salimos, también, agradecides.

STELLA MATUTE

Noviembre, 2024

Desde el lunes 6 de enero, todos los lunes a las 22:30, en el Teatro Dúo,

25 de Mayo 3349, Mar del Plata

0223-682-7917

Intérprete: EDUARDO PACHA PAGLIERI

Música original y arreglos: CARLOS LEDRAG

Diseño de vestuario: JONHATAN OVIEDO

Asesoramiento en Makeup Drag: DEMACRADA

Fotos: ELE PALACIOS

Producción ejecutiva: FIORELLA ROCCO

Dramaturgia y Dirección: FERNANDO ALEGRE

De cómo unas victimarias nacieron de ser víctimas

Cuando entramos a la sala ya sabemos el final de la historia que vamos a ver. Se basa –y lo dice la gacetilla informativa- en el crimen de las hermanas Papin, que en 1933 entraron a la parte oscura de la historia asesinando a la esposa y la hija de su patrón. Sin embargo, conocer hacia dónde va la historia que se está contando no evita el suspenso y la tensión que el espectáculo propone.

Dos hermanas. Una infancia de violencias, abusos y abandonos que las destina a una primera –o segunda, tal vez- prisión: la casona de una familia ricachona que las tiene como empleadas domésticas pero las trata como esclavas.

En ese encierro, ellas, de manera inevitable, se construyen sus libertades. Fantasean con irse lejos, con ser otras, con amar y ser amadas, con desear y ser deseadas. Siempre juntas. Siempre unidas. Siempre fusionada, casi mezcladas. Y con un único, inevitable, destino trágico.

Héctor Levy-Daniel, autor y director de la obra, se ha dado en este proyecto varios gustos y varios lujos. Volver a contar una historia conocida -abordada por grandes artistas e investigadores de la humanidad como Jean Genet, Jacques Lacan, Claude Chabrol, Paulette Houdyer, Jean-Pierre Denis- y salir no sólo bien parado sino con un producto brillante, es un mérito de una inmensidad destacable. Y armar un elenco contando con actrices de la estatura interpretativa de Brenda Fabregat y Daniela Rizzo en la díada de las hermanas, y Laura Silva en el de la patrona/madre bordea la perfección.

Brenda Fabregat en el rol de Lina, la más fuerte y rebelde, muestra un abanico expresivo que conmueve e interpela. Es una animal de teatro en carne viva, se mueve en el espacio escénico con una soltura enternecedora y desgarradora al mismo tiempo. Y tiene en Daniela Rizzo, como la sumisa y débil Alba, a la compañera consumada, exacta, brutal y dolorida. Son dos y son una. Se aman y se odian. Se atraen y se repulsan. Danzan –magnífico trabajo coreográfico de Teresa Duggan-, se miden, se abrazan, se agreden, se enredan, se agigantan en un solo cuerpo que son dos. Mientras avanza el espectáculo se vuelven un anatema implacable. Ambas muestran una ductilidad física, vocal y sensible que hipnotiza. Laura Silva las acompaña y las motiva en un gran contrapunto dándole a su criatura fiereza y ternura en justa medida.

Párrafo aparte para la música y la iluminación de Eduardo Zvetelman y Ricardo Sica, respectivamente, que se vuelven personajes indispensables para completar el relato.

Imposible no salir conmovido. Y ojalá todas y todos quienes pasen por esa platea y se dejen llevar por esta penosa historia, puedan preguntarse por el lugar de una sociedad que siempre condena sin preocuparse por el detrás de una tragedia. No hay que matar. Y jamás la justicia por mano propia está justificada. Pero sepamos –enterémonos de una vez y para siempre- que la injusticia social se paga con injusticias. Y las víctimas suelen convertirse en victimarios por prepotencia de violencias, atropellos y crueldades.

No se pierdan la desmesura teatral que es “LAS FUGITIVAS”.

Stella Matute

Setiembre, 2022

FICHA ARTÍSTICA/TÉCNICA

Autor: Héctor Levy-Daniel

Actrices: Brenda Fabregat, Daniela Rizzo, Laura Silva

Vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde

Diseño de luces: Ricardo Sica

Música original: Eduardo Zvetelman

Fotografía y diseño gráfico: Camila Levy-Daniel

Asistencia de dirección: Laura Otermin

Coreografía: Teresa Duggan

Dirección general: Héctor Levy-Daniel

 

EL CRISOL

Malabia 611 – CABA - Teléfono: 4854-3003

Domingo - 18:00 hs

NÉSTOR, el presidente militante. O "Néstor no se murió..."

 

Sin dudas, hace falta valentía –y mucha- para cambiar el rumbo de un país. Y hace falta valentía, también,  para ponerse en la piel de ese que cambió el rumbo de un país a diez años de su fallecimiento. Dos valientes. Y los dos se llaman Néstor.

El segundo es Néstor Sánchez, exquisito actor que enfrentó el desafío del encarnar al primero que fue/es  nada más y nada menos que Néstor Carlos Kirchner. Nuestro Presidente militante. Antes, hubo otros dos valientes: el que escribió la historia y el que la adaptó para teatro. Gabriel Pandolfo y Enrique Federman (quien también dirige la propuesta) respectivamente.

El resultado es un sensible espectáculo que bordea el bio-drama, y nos trae -a quienes lo amamos y extrañamos- al querido Néstor Kirchner un ratito de vuelta. Utilizando con gran acierto recursos audiovisuales y lumínicos, Federman se apoyó fundamentalmente en el talento, la entrega y la sensibilidad de Néstor Sánchez quien, sin asomarse en ningún momento a la imitación,  logra un conmovedor parecido con el Néstor Presidente. La historia del peronismo, del kirchnerismo, del país de las últimas cuatro décadas y del hombre que nos devolvió la esperanza desde su juramento presidencial hasta el día de su fallecimiento,  están narradas con maestría  en un pequeño escenario donde sólo hay una mesa, dos sillas, una pantalla y el cuerpo dúctil y dispuesto de un actor comprometido con su tiempo y sus acontecimientos.

La música original del Gran León Nacional –Gieco- aporta emoción y ternura al relato.

Nada de lo que en ese escenario sucede puede generar sorpresa en quienes hace tan poco vivimos y transitamos los hechos que allí se cuentan. Sin embargo todo es sorpresa en ese recorrido que Sánchez propone calzándose a Kirchner en su piel como un guante y en su alma como una desmesura de nobleza.

El espectáculo no es imparcial. Y no le da al público presente ninguna posibilidad de serlo. Cuando las luces se encienden y Néstor vuelve a ser Sánchez, una infinidad de voces se suman al corazón de ese  público que canta –en silencio o a los gritos- “Néstor no se murió, Néstor no se murió…”

No se la pierdan. Quedan muy poquitas funciones en la sala Dumont. Luego, seguramente rodará por espacios militantes, pero vale la alegría verla en su lugar original, donde la técnica es impecable. 

Stella Matute
Agosto 2022

FICHA ARTÍSTICO/TÉCNICA:

Dramaturgia: Enrique Federman - Sobre textos de Gabriel Pandolfo

Actor: Néstor Sánchez

Vestuario, escenografía y maquillaje: Lula Rojo

Pelucas: Mónica Gutiérrez

Diseño de luces: Omar Possemato

Diseño De Sonido: Pablo Martín

Edición de video: André Palacios

Música original: León Gieco

Asistencia de dirección: Daniel Ceriotti

Producción ejecutiva: Vanina Fabrica

Producción general: Maximiliano Altieri

Dirección: Enrique Federman

DUMONT 4040

Santos Dumont 4040 – CABA - Teléfono: 011-23967013
Domingos 20.30 hs. hasta el 28 de agosto

Stefano, la potencia de nuestros ancestros

 

Mis cuatro abuelos eran españoles. Los cuatro llegaron a “l´América” por separado y cargados de ilusiones entre 1905 y 1909. Por esas cosas de la inmigración, los cuatro viajaron casi mil kilómetros entre el Puerto de Buenos Aires y una tierra promisoria llamada Mendoza. Los cuatro fueron casi fundadores de San Rafael, lugar donde yo, muchos años más tarde, nací.

Mi abuelo paterno se suicidó a los 33 años y su mujer lo siguió muy poco después, dicen que de tristeza. Dejaron tres hijos pequeños. Uno de ellos fue mi padre, que se quedó huérfano a los seis años. A mi padre lo adoptaron otros inmigrantes españoles que ya eran padres de cuatro varones y una mujer, que luego fue mi madre. Sí, mi padre y mi madre, hijos de inmigrantes, se criaron casi como hermanos dentro de una comunidad endogámica que se sostenía en las tristezas que la emigración primero y la inmigración después dejan como huellas imborrables. Mi abuela materna también se quedó viuda muy joven y  fue la que más sobrevivió a esas tristezas que la horadaban. Sin perder nunca su acento castizo siempre hablaba de su tierra, del hambre, de la desesperanza, del viaje en barco, de la pérdida de unos de sus hermanitos en el puerto, al que no volvió a ver nunca más, y del comienzo de la nueva vida en ese pueblo argentino que la había recibido y que ella amaba.

Emigración. Inmigración. ¿De cuántas tragedias, de cuántas ilusiones perdidas, de cuántas familias destrozadas, hablamos cuando hablamos de estas cosas? ¿De cuántas esperanzas, de cuánto esfuerzo, de cuánta lucha, de cuánta frustración?

La obra teatral “Stefano”, de Armando Discépolo, está escrita en 1928. Y narra mucho de lo que narraba mi abuela, pero en una familia italiana. La ilusión, la esperanza, la frustración, el fracaso, la muerte prematura. Muerte decidida o prepotente, da lo mismo.

Siempre es una ilusión y un desafío de los grandes para un elenco encarar la puesta en escena de “un Stéfano”, y si además es en el territorio del teatro independiente, ese desafío se agranda en forma desmesurada. Y la ilusión también. Ilusión y desafío parecidos a aquellos de los inmigrantes que poblaron esta tierra en los comienzos del siglo XX y que tan bien retrata Discépolo en sus obras.

La versión que se está ofreciendo todos los sábados en el Teatro La Máscara atesora esa  ilusión y supera el desafío. 

Osmar Nuñez a cargo de la dirección y puesta en escena logra atravesar tiempos y espacios y hace que Stéfano sea un hombre de 1928 y al mismo tiempo uno que camina hoy nuestras calles. Y también su exquisita batuta hace que todos los instrumentos humanos que habitan ese escenario suenen en una misma frecuencia, y actrices y actores no desafinen nunca. Todo el elenco suena en una armónica melodía.

Jorge Paccini y Elena Petraglia encarnando a María Rosa y Don Alfonso, se calzan al eterno e indisoluble matrimonio que pareciera moverse en una coreografía sin fisuras. El dúo le pone el tono justo al grotesco y la tragedia en el comienzo del espectáculo y diseña el camino para que el resto del elenco lo recorra con soltura.

Párrafo aparte para Norberto Gonzalo que carga con el peso de la complejidad de ese personaje protagónico y la alegría de su sueño cumplido. Ha encontrado, sin dudas, en Stefano al personaje exacto para calzarle su piel y su alma. Lo encara con una sensibilidad que emociona. Parecería que su extensa trayectoria actoral se ha puesto al servicio de esta criatura que atraviesa a la platea con su tragedia.

Osmar Nuñez, nuestro inmenso actor, ha elegido para dirigir este espectáculo un equipo que entendió su propuesta y la potenció; la escenografía y vestuario de Alejandro Mateo le aporta belleza al dolor gris de esa historia que sucedió comenzando el siglo XX y se extiende hasta el transcurso de estos atribulados tiempos que vivimos. La puesta y la dirección de actores de un director que es actor, devienen en un gran espectáculo en el que priman la sencillez y la nobleza.

Cuando la luz comenzó a bajar sobre el escenario y los acordes finales de los delicados arreglos musicales de Gerardo Amarante sonaron, entre lágrimas vi como mis cuatro abuelos se abrazaban emocionados en el fondo del escenario, detrás de esa foto final de la familia de Stefano.

Stella Matute

Agosto, 2022

FICHA ARTÍSTICO/TÉCNICA:

Autor: Armando Discépolo

Elenco: Norberto Gonzalo, Patricio Gonzalo, Pablo Mariuzzi, Jorge Paccini, Elena Petraglia, Paloma Santos, Lucas Soriano, Maria Nydia Ursi-Ducó

Diseño de vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Cristina Lahet

Fotografía: Ana Maria Ferrari

Diseño gráfico: Leandro Correa

Asistencia artística: Mónica Benavidez

Asistencia de dirección: Ruth Scheinsohn

Prensa: Marcos Mutuverría

Arreglos musicales: Gerardo Amarante

Producción ejecutiva: Claudia Díaz

Dirección: Osmar Nuñez

TEATRO LA MÁSCARA - Piedras 736- CABA - Reservas: 4307-0566

Sábados 21 hs. 

Un espejo que interpela, asfixia y libera - Petit Hotel Chernobyl

 

Se hace difícil asignarle un género específico  a “Petit Hotel Chernobyl”, el espectáculo que se ofrece los viernes a las 21.30 en el Complejo Teatral Ítaca. Con autoría de Andrés Binetti y dirección de Nicolas Manasseri, la obra no es un drama, no es una tragedia, no es una comedia negra, no es un absurdo ni es naturalista. Y a la vez es todo eso.

En una minúscula habitación de un hotel  miserable, conviven cuatro mujeres pero tienen sólo tres camas. Ya sólo en esa realidad  puede leerse la síntesis de sus vidas sin esperanzas. Todo, absolutamente todo, es “petit” en ese espacio y la sala elegida ayuda considerablemente con esa propuesta.  Cada una de esas mujeres carga con la frustración  de una vida que no les ha regalado nada y les ha sustraído mucho. Las cuatro buscan sin resultado alguno una salida a esa realidad que “las lleva puestas”. Dos de ellas están enredadas en un vínculo “dominadora – dominada” que no pueden desenredar a pesar de que ninguna de las dos responde al rol que han elegido. Otra es una ex maestra llena de resentimiento que intenta seguir con su rol de docente represora con sus compañeras de vida. Y la cuarta es una depresiva que casi no sale de su cama y ya casi no habla pero que será la que encuentre la solución a sus realidades.

El espectáculo no da tregua. Nos habla de un “adentro” asfixiante y un “afuera” por demás hostil. Porque si bien no se menciona, es ese “afuera” el que las condena a ese encierro oprimente. Un espejo aciago de la sociedad indiferente y ruin en la que nos hemos ido convirtiendo.

Estructurada en breves situaciones separadas por apagones, la obra provoca e interpela al espectador que está incluido en la pequeñez de las realidades de estas cuatro mujeres separadas del sistema social. No llegaremos a saber por qué cada una de ellas llegó  a esa situación y eso es quizá lo más interesante de esas historias. Cualquiera de ellas puede ser cualquiera de nosotres. 

Ojalá nos enteremos.

Las actrices -Alejandra Oteiza, Jowy Sztryk, Silvia Villazur, Martina Zapico- estás todas estupendas. Como se dice comúnmente, “se sacan chispas” en el escenario. Cada una ha sabido sacarle el jugo a su criatura y la construcción escénica de cada una las une y las separa al mismo tiempo. Tienen a la vez algo parecido y algo absolutamente diferente. Como la humanidad misma. Ninguna se destaca porque las cuatro son sólidas en su potencia actoral. Y el director ha sabido mover su batuta en ese despliegue de talentos.

Contrariamente a la impronta trágica, esta propuesta de “Petit Hotel Chernobyl”  sienta bases en una estructura de humor desopilante. El público ríe a carcajadas en varios momentos de los cincuenta minutos en que la historia se desarrolla. Tal vez por sentirnos reflejados en las miserias de esos personajes que exponen algunas de las miserias humanas.

El espectáculo asfixia y libera. Como la vida.

Stella Matute
Junio, 2022

 

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA

Autor: Andrés Binetti

Acttices: Alejandra Oteiza, Jowy Sztryk, Silvia Villazur, Martina Zapico

Vestuario: La Costurera Teatro

Escenografía: Vanessa Giraldo

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Asistencia: Luciana Sapia

Prensa: Duche&zárate

Producción ejecutiva: Nicolas Manasseri, Martina Zapico

Dirección: Nicolas Manasseri

Duración: 50 minutos

ITACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027 – C.A.B.A. - Buenos Aires - Argentina

Viernes - 21:30 hs.

HABLAR DE LO QUE HAY QUE HABLAR - "MARY PARA MARY"

“¡Sé que soy inmortal!”, dice una mujer que sabe que va a morir en breve y que, claro, se vuelve inmortal. En su hija, en su obra, en quienes la recuerdan, la invocan, la encarnan. Y en su inmortalidad se entretejen linajes que sanan linajes.

Mary Wollstonecraft se erigió feminista en el siglo XVIII, hablaba, gritaba, vociferaba a quien tenía enfrente que las mujeres no eran más débiles que los hombres sino que parecían más débiles porque recibían diferente educación. En 1792, con su obra “Vindicación de los derechos de la mujer”, parió las bases del feminismo  liberal. Porque parece que históricamente las mujeres que se meten de prepo en la historia lo hacen pariendo. Con dolor, por supuesto, como condena milenaria: “parirás con dolor”.

De ella, de alumbramientos, parición y dolores habla “Mary para Mary”, el unipersonal que acaba de estrenarse en el Teatro Picadero, protagonizado por Eleonora Wexler, dirigida por Marcelo Moncarz.  Y vuelven a inmortalizarla. En ella Mary madre le habla a Mary hija que tiene diez días de vida. Mary madre le habla de la vida, del amor, de la igualdad de derechos, de miedos y, finalmente, de la muerte. Mary madre habla con la fuerza de la arenga y con la blandura de la intimidad.

Marcelo Moncarz ha dirigido el espectáculo bordeando la fragilidad de lo onírico, navegando las aguas de lo incierto  y haciendo pie en la potencia de su protagonista. Eleonora Wexler aporta toda su sensibilidad, ductilidad, fuerza y delicadeza al servicio de esa mujer lastimada por una sociedad de hombres que no saben proteger la vida, a quienes enfrenta hasta sus últimas fuerzas.

Una propuesta que interpela desde el texto y conmueve desde la actuación. De gran belleza escénica y con gran potencial de crecimiento y coraje. Un espectáculo necesario que habla de aquellas cosas que es necesario hablar. Y cuando la sociedad es indiferente, el Arte tiene la obligación de reparar, mostrar, contar. 

Stella Matute

Mayo, 2022

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA:

ACTRIZ: Eleonora Wexler

AUTORIA: Paloma Pedrero

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Micaela Sleigh

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Daniela Garcia Dorato

DISEÑO VESTUARIO: Micaela Sleigh
REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Paloma Vieytes

MÚSICA ORIGINAL: Mirko Mescia

PRENSA Y COMUNICACIÓN: Mutuverría PR

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Nicolas Asprella

PRODUCCIÓN GENERAL: Iván Javier Flores

FOTOGRAFÍA: Alejandra Lopez

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Claudia Diaz

DIRECCION Y PUESTA EN ESCENA: Marcelo Moncarz

MARTES 20 hs.
TEATRO PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857
CABA

HABLAR DE LO NECESARIO

 "Como tú, yo también he tratado de luchar
con todas mis fuerzas contra el olvido.
Como tú, he deseado tener una inconsolable memoria,
una memoria de sombras y de piedra..."
(Así se expresa uno de los personajes
de "Hiroshma, mon amour".)

 

¿Cuántas veces hay que contar nuestra historia para que no se olvide? Las que sean necesarias.

Una muchacha de diecisiete años es expulsada de España por haber tenido la osadía de ser madre soltera. Pero ni la guerra ni su inflexible padre podrán con su espíritu soñador y de lucha. Llega a la nueva tierra joven, pobre y mujer, pero embanderada en el amor y la libertad. Una mujer que construye grandeza en la adversidad. La vida no le evitará dolores y ella no reparará en luchas.

Luciana Cervera Novo se escribe esta historia basándose en la de su bisabuela… Aquella Luisa que subió al barco en busca de nuevos y mejores destinos. Y digo “se escribe” porque además de escribirla, Luciana la encarna y sana. Sana a su linaje y a nuestra historia.

Acompañada en vivo por el exquisito aporte del músico Agustín Mulet –compositor de la música original de la obra– y dirigida con delicadeza y sensibilidad por Natalia Pascale, Luciana construye un espectáculo que bordea el biodrama. Transita la historia de su bisabuela con una comodidad, una nobleza y una hidalguía que conmueven. Canta, baila, dialoga, se emociona y emociona.

En el escenario está ella y su músico. Pero el espectador se irá habiendo conocido también a Luis –primogénito de Luisa y abuelo de Luciana–, a Leandra, a Alfonso, a  Olga, Ramón, a los vecinos; se irá también habiendo visto el mar, el conventillo, las calles humildes, las prisiones, las compañeras. Y también habrá atravesado tiempos, épocas, historia. ¿Cuánto tiempo es una hora teatral? A veces simplemente cruza siglos.

Luis, además de hijo de Luisa y abuelo de Luciana en la vida real, es uno de nuestros compañeros detenidos, desaparecidos. Luisa una de nuestras madres de pañuelos blancos. La voz en off de nuestra inmensa Taty Almeida corona esta ceremonia teatral y suma a esa emoción que desborda por los ojos de comienzo a final.

“Luisa” es un espectáculo imprescindible. Por talento y porque imprescindible es mantener viva nuestra Memoria.

Que Luciana, Agustín y Natalia, tres personas tan jóvenes, se propongan esa gesta reaviva la esperanza.

30.000 compañeros detenidos desaparecidos: ¡PRESENTES! ¡AHORA Y SIEMPRE!

Gracias infinitas a nuestras Madres y Abuelas, siempre.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia y actuación: Luciana Cervera Novo

Voces en Off: Taty Almeida y Matias Bertiche

Diseño de vestuario: Anita Figueroa

Diseño de escenografía y diseño gráfico: Ayelén Beti

Música original y músico en escena: Agustín Mulet

Diseño de Iluminación y fotografía: @fiero.fuego

Asistencia de dirección: Soledad Ayardi

Dirección: Natalia Pascale

"LUISA" puede verse los sábados a las 20 hs. en el nuevo espacio teatral, recientemente inaugurado, ITACA, un lujo para estos tiempos que corren. Humahuaca 4027. 

Un abrazo que sana

Un hombre escribe sobre un hombre. Escribe, quizá,  para sanar a ese hombre que es él y que tal vez no. Luego  olvida su escrito en un rincón de la nostalgia. Otro hombre encuentra ese texto y decide sanar y sanarse poniendo su piel al servicio de todos los hombres que fueron niños y crecieron de golpe en las garras de lo inesperado.

Esos dos hombres, el que escribió y el que encarna, se unen en una ceremonia que es “abrazo de frío azulejo”, habitando los rincones del misterio que propone crear universos de la nada. Nada que es un espacio, un cubo, una gota que horada, una melodía, un dibujo en el piso y un cuerpo casi desnudo. Así se ofrecen y así reciben.

“Abrazo de frío azulejo” narra en presente la historia de un niño que ya es adulto y que recuerda una experiencia que le marcó la vida.

Fernando Alegre, autor y director, logra esta vez una síntesis artística que es el resultado de una profunda investigación desde la dramaturgia y la escena. Y Gastón Biagioni se entrega a ese niño vulnerado, que en el baño de un club su vida irá de la fantasía al infierno, toda la magia necesaria para que el espectador lo vea abrazado a ese azulejo que pinceló su retina y su alma para siempre. Y ya sabemos que “siempre” es mucho tiempo. Entre los dos –director y actor- logran un espectáculo visceral y generoso que interpela y conmueve; duele y sana; provoca y deconstruye.

Quienes asisten a esa ceremonia teatral, que comienza en el hall con una empanada y un vino, no salen ilesos de la experiencia. Y sin dudas, quien se entregue a la sensibilidad, saldrá mejor persona. Porque el arte mejora a la gente y este espectáculo da cuenta de ello.

“Abrazo de frío azulejo” es una creación que va de lo pequeño a la desmesura. 

No te la pierdas. 

Para acceder a verla debés llamar o escribir al +54 9 11 6665-9843 y ahí te dirán para cuándo pueden reservarte. Porque las localidades suelen estar agotadas.  

Stella Matute

Autoría y dirección: Fernando Alegre

Actor: Gastón Biagioni

Lugar: Unicornio Espacio de Arte

Funciones: a convenir por reservas

Othelo como excusa

 

Volver a ser espectadora después de un año de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Para quienes enfrentamos este tiempo con responsabilidad, salir hacia un hecho social, ya es mucho. Todo inquieta. Y sentarse en una sala teatral con barbijo puesto, después de haber sido testeada en temperatura y a dos metros de distancia del siguiente espectador, propone un estado verdaderamente especial. De verdad deseaba que lo que iba a ver me conmoviera –siempre lo deseo, pero en este tiempo todo se dimensiona-, lo que no esperaba era que me modificara tanto. Y sin duda, “Othelo –termina mal-“ modifica.

En realidad, ya el título debió habérmelo advertído.

¡Esto es Shakespeare!, aclaran de entrada los cuatro magos del escenario. Y para afirmarlo ponen al gran William –cual omnipresente testigo- para que los observe desde un costado de la acción. ¡No es clown, no señores!, vuelven a aclarar y no se ponen nunca la nariz roja. Y desde esa aclaración casi constante ofrecen Othelo y también –por si fuera poco- aclaran de entrada que “termina mal”. Por lo tanto, nos anuncian que no habrá sorpresa. Que todo lo que pase allí ya lo sabemos. ¡Ja! Gran engaño. Porque el público no tiene idea de lo que va a ver… 

La historia del admirado autor inglés ha sido amasada en la talentosa procesadora de Gabriel Chame Buendia y mezclada con una apabullante dosis de imaginación, otra de sorpresa, una más grande de ingenio y otra –inmensa- de riesgo. Vertió esa mezcla en los cuatro de los mejores “moldes” con que un hacedor pueda contar y el resultado es un Othelo desopilante horneado a fuego lento en la llama única del talento colosal.

Tres actores y una actriz para un Otelo completo. Ahí están Yago, Desdémona, su padre, Rodrigo, Casio, Ludovico, Emilia, Brabancio y –claro- Otelo siendo fieles e infieles al mismo tiempo a la mítica obra shakespeariana. Respetándola a rajatabla pero acercándola desfachatadamente a nuestros días, a nuestro lenguaje, a nuestro cotidiano. Con humor desopilante, con desparpajo, con soltura, y con trabajo. Mucho trabajo. Traspirando la camiseta como obreros de la escena. Convirtiendo cajas en tronos, mesas en palacios, telas en mares y sábanas, cuerpos en instrumentos inefables de la narración.

¿Teatro físico? Si. Y del muy bueno. Pero hay más. ¿Clown? Sí, y del mejor. Pero hay más. ¿Buenas voces? Si, pero hay más. ¿Buen manejo del escenario? Sí, pero hay más. ¿Interacción descomunal con el público? Sí, pero hay más. Hay más.

Hay comunión. Hay ceremonia. Hay ofrenda. Hay actualidad feroz en ese texto milenario traído a interpelarnos hoy.

Matias Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio son los desaforados e imprescindibles creadores con los que Gabriel Chame Buendía cuenta para que su vuelo de dramaturgia y dirección sea alto y luminoso. Los cuatro alcanzan climax a lo largo de los 110 minutos que dura el espectáculo y que pasan volando.

El público ríe ríe y ríe con los juegos y recursos de estos cuatro artistas que se sacan chispas en un duelo de talentos pocas veces visto en la escena porteña. Y a la vez, puedo asegurar, que el público teatral nunca antes quedó tan mudo cuando esta tragedia se desenlaza. Otro gran hallazgo de Chame Buendia. 

Othelo, tantas veces vista, esta vez es la mejor excusa posible para hablar de la condición humana actual, de la mentira, la verdad, la justicia, las conspiraciones y, sobre todo, la violencia y el femicidio. 

Volver a ser espectadora después de ¿un año? ¿un siglo? ¿un milenio? de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Un acierto de mi parte haber elegido este espectáculo para volver a serlo. Hasta el tapabocas deja de molestar por tanta entrega que llega desde el escenario del Caras y Caretas. Y sí, salí de la sala absolutamente modificada. 

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Autor: William Shakespeare

Adaptación: Gabriel Chame Buendia

Actores: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio

Vestuario: Gabriel Chame Buendia

Escenografía y Diseño de luces: Jorge Pastorino

Diseño sonoro: Sebastián Furman

Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar

Fotografía: Gianni Mestichelli

Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone

Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole

Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik

Asistencia De Producción: Micaela Fariña

Asistencia técnica: Ariel Dabbah

Asistencia de dirección: Justina Grande

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar

Producción: Buendia Theatre

Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037 - Sarmiento 2037 - CABA
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 26/03/2021
Duración: 110 minutos

"CUARTELES DE INVIERNO", un desafío muy bien logrado

Dos hombres. Un boxeador venido a menos y un cantante de tangos otrora prestigioso. Una estación de trenes de un pueblo perdido que festejará su aniversario en tiempos de horror, uniformes y botas. Allí se conocen esos dos solitarios que se miden desde sus diferentes perspectivas. Pronto irán descubriendo cosas en común: la dignidad, por ejemplo. Ambos se sienten por fuera de la política pero eso no les evitará enredarse en problemas con los autoritarios poderosos del lugar. Muy pronto se verán envueltos en un mundo brutalmente despótico y opresor. Justamente eso es lo que los unirá en una amistad sin tregua donde la lealtad superará toda diferencia.

“Cuarteles de invierno” es una de las novelas más emblemáticas del admirado escritor Osvaldo Soriano. Escrita y publicada en los tiempos oscuros de la dictadura militar argentina, pronto se convirtió en una burbuja de oxígeno para quienes nos sentíamos ahogados por la falta de aire de esos días. Ni bien se restauró la Democracia en el país, Lautaro Murúa llevó una versión al cine que también se convirtió muy pronto en un éxito.

Con todo ese buen peso sobre los hombros, el autor y director Daniel Moreno decidió llevar adelante una versión teatral de la legendaria novela. Y sale más que bien parado de tamaño desafío, poniendo en escena un espectáculo sólido en actuaciones, bello en imagen y sintético en relato. Con gran economía de recursos y sosteniéndose en el trabajo, los cuerpos y el talento de sus actores, el espectáculo entretiene, angustia y divierte.

Norberto Gonzalo, Luis Manchini, Jorge Noya, Daniel Toppino y Néstor Villa se mueven cómodos en sus roles, doblan personajes, asfixian y dan respiro, logrando recrear el clima de ese pueblo atravesado por el depotismo y la tiranía. El miedo, la lealtad, la solidaridad, el horror y la venganza son algunos de los temas con los que este espectáculo se mete, haciendo honor al gran texto del querido Gordo Soriano.

La cita es: DOMINGOS 18.15 en NoAveztruz, Humboldt 1857 (hasta el 25 de agosto). 

No se lo pierdan.

Stella Matute

"Estrella", fácil o imposible

Estrella se desnuda ante la gente sin quitarse prenda alguna.

Estrella se hace querer a los diez segundos de conocerla, y nadie podrá explicar el por qué.

Estrella, tal vez, esté purgando un duelo con perfume de naranjas.

Estrella, quizá, trate de entender por qué algunas veces “lo mejor es tenerlo” y otra “lo mejor es sacártelo”.

Estrella recuerda, y lo hace como si no fuese cierto ese recuerdo, que alguna vez le dijeron linda.

Estrella admira a ese artista de su pueblo que, después de hacer maravillas con retazos de telas, se esconde para ejercer su absoluto yo. Pero Estrella no puede más que admirarlo, o mejor expresado ella no puede más.

De todos estos temas habla “Estrella”, el personaje -y el espectáculo- escrito y actuado por Juan Pablo Geretto, quien además está a cargo de la co-dirección junto a Virginia Martinez.

Parece increíble, pero es así. Y lo hace, a un ritmo y un “tempo” obsesivo que evoca al “ostinato” implacable del Bolero de Ravel, para hablarnos de las bondades de los productos cosméticos de la firma Avon, de sus fragancias, de los colores de sus “rouges” -otrora pintalabios-, de su política de méritos y la anhelada posibilidad de alcanzar un espacio en el brindis anual, lo que también la angustia.

Estrella habla y su voz hace aparecer sumidos en la monotonía de la vida de pueblo, el aborto, la homosexualidad, el amor, el desamor, los secretos familiares, la frustración, Antonio Banderas, la mentira, la televisión, el tedio, Maradona y la Claudia, Jorge Donn, la falta de oportunidades, los mandatos, el lavado de cerebros, la educación, el aburrimiento, lo sencillo, lo complicado, el buen gusto, el autoritarismo, y más…

Estrella nos habla de todo esto, y Geretto lo hace con una facilidad que deslumbra. 

Parece muy difícil lo que hace y logra el talentoso Juan Pablo Geretto sobre el escenario, pero como decía Rubén Juárez –otro artista único– lo que hace Geretto: “no es difícil, es fácil o imposible”.

Ficha técnico artística:

Idea y autoría: Juan Pablo Geretto

Dramaturgista: Virginia Martinez

Actor: Juan Pablo Geretto

Iluminación: David Seldes

Estilismo: Diego Finos

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño y realización de maquillaje: Juan Gasparini

Diseño de vestuario: Magda Banach

Realización de vestuario: César Taibo

Fotografía: Alejandra López

Asistencia de dirección: Maru Reinoso

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección:

Juan Pablo Geretto, Virginia Martinez

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 C.A.B.A.

Teléfonos: 4862-0655

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 - Sábado - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 - Domingo - 21:00 hs - 03/03/2019 

Teatro para perrxs

Teatro para perrxs es una experiencia teatral que se enarbola como simple e inefable.

Un grito que nos provoca. Un aullido que nos despierta. Un ladrido que nos expresa. Un alarido que nos aquieta. Una energía invasora que se potencia y nos potencia; que nos sostiene y nos expulsa; que nos contiene y nos enfrenta con lo que somos, con lo que creemos que somos, con lo que deseamos ser.

Fernando Alegre, su autor y director, es un artista todo terreno que lucha contra la domesticación. De eso se trata su “Teatro para perrxs”. De luchar, atravesar, acuciar, enfrentar, bravear. Y al espectador no le queda otra que reflexionar y reflexionar-se; que pensar y pensar-se; que mirar y mirar-se. También disfrutar y disfrutar-se. Porque “Teatro para perrxs” habla fundamentalmente de cada unx de nosotrxs en tanto ser social y del otro en tanto otredad que nos consolida. Yo y el Otro. Ese extraño tejido que nos forma y nos deforma.

Cuenta, Fernando, con cinco actrices y dos actores que no escatiman ni un gramo de compromiso en una puesta que les exige el máximo de presencia, y una cuota extrema de responsabilidad escénica. Lxs miramos y nos miran. Lxs vemos y nos ven. En ellxs y desde ellxs escenario y platea son una sola cosa porque todxs somos nosotrxs y lxs otrxs. Logran una comunión exquisita y perturbadora con el espacio y con el público. Se provocan y nos provocan. Se acarician y nos acarician. Se atreven y nos interpelan.

Escenografía, vestuario y luces (también a cargo del autor y director) suman a la belleza general de un espectáculo especial para ver los domingos por la tarde, en ese horario en que las almas se enfrentan con los cuerpos de quienes transitamos esta vida haciéndonos preguntas.

Quedan pocas funciones. No se lo pierdan.

S.M.

Ficha técnico-artística

Idea: Beatriz Alvarez, Manuel Cardozo, Gloria Fiol, Constanza Lidueña, Trinidad Llaneza, Carolina Losicer, Joaquín Nudel, Miriam Torchia

Dramaturgia: Fernando Alegre

Diseño de escenografía,  vestuario y luces: Fernando Alegre

Realización de escenografía: Manuel Cardozo, Joaquín Nudel

Realización de vestuario: Pedro Muñóz

Video: Matías Erazo

Música original: Mariano Larumbe, Pablo Vila

Música: Lautaro Delgado

Operación de luces: Nicolás Leccese

Fotografía: Gisela Losicer

Diseño gráfico: Fernando Briloni

Asistencia de dirección: Silvia Acevedo

Producción: Fernando Alegre, Beatriz Alvarez, Manuel Cardozo, Gloria Fiol, Trinidad Llaneza, Carolina Losicer, Miriam Torchia

Dirección general: Fernando Alegre

CENTRO CULTURAL BORGES

Viamonte 525 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 116665-59843

Entrada: $ 150,00 / $ 100,00 - Domingo - 19:00 hs - Del 11/12/2016 al 18/12/2016

Único sábado - 20:30 hs - 17/12/2016

Duración: 60 minutos

  

Mecanógrafas al ritmo de un crimen

Hablar de mujeres que pelean por derechos, que luchan por igualdad de oportunidades laborales, que bregan por equidad salarial siempre es difícil. Si además querés ponerle el condimento de los siempre mentados celos femeninos, la cosa se complica. Hacerlo en lenguaje teatral es aún más complejo. Pero hacerlo con humor y tiempo de comedia musical, y agregándole un homicidio, lo que hace la cosa se vuelva un relato detectivesco a lo Agatha Christie, resulta casi imposible.

Bueno, Natacha Córdoba se propuso todo esto y lo ha logrado con su bello Tiper Tap. Y no sólo sale airosa del desafío, sino que se revela como buena dramaturga, mejor letrista y gran directora teatral.

La famosa cuarta pared queda hecha añicos desde antes que uno ingrese a la sala, y (para los que peinamos canas o ya ni canas peinamos) a medida que avanza la cosa tengamos alguna reminiscencia de aquel policial heterodoxo que se llamó “Un viejo olor a almendras amargas” de Abel Mateo, donde la ficcionalidad del teatro y la terrible verdad del asesinato se daban la mano.

Tiper Tap es un espectáculo “bonito”, con toda la dimensión de esa palabra. Es bello lo que se ve, es bello lo que se dice, es bello lo que se escucha. Y es imposible salir de la sala del Teatro La Máscara sin una sonrisa dibujada en la cara.

Romina Michelizzi, Victoria Orquin, Gaia Rosviar, Florencia Sacchi y Yamila Ulanovsky, las cinco actrices-bailarinas-cantantes brillan con luz propia y les dan hermosas coloraturas a sus criaturas. Rafael Walger parece un actor salido de una película de los ´40 y se agradece cada vez que se lo escucha. Un trabajo verdaderamente revelador es el de Emiliano Samar en su agente de seguridad que comienza ya en el hall mientras el público espera para entrar, devenido en hábil y pertinaz sabueso.

Y la música original y el teclado en vivo de Gerardo Amarante le dan el glamoroso toque final a la fiesta.

El resto del equipo trabajó en forma acertada bajo la coordinación artística del siempre talentoso Tony Lestingi.

Si querés pasar un momento divertido y de gran teatro musical que incluye suspenso, intriga, baile, humor, amor y música en vivo, no te pierdas Tiper Tap.

S.M. y F.M

Ficha técnica:

Autoría: Natacha Córdoba
Actúan: Romina Michelizzi, Victoria Orquín, Gaia Rosviar, Florencia Sacchi, Emiliano Samar, Yamila Ulanovsky, Rafael Walger
Músico en vivo: Gerardo Amarante

Vestuario: FlorencIa Costa, Sandra Ligabue
Escenografía: Mariana Castellucci, Oscar Cordoba, Ana Clara Uhrich
Diseño de luces: Silvana Korrea
Música original: Gerardo Amarante
Fotografía: Salomón Malec
Utilero: Oscar Cordoba, Ana Clara Uhrich
Diseño gráfico: Ezequiel Trovatto
Entrenamiento vocal: Melina D´angelo
Asistencia de dirección: Mariana Garcia

Prensa: Ayni Comunicación, Romina Pomponio
Producción: La Cooperativa

Coordinación artística: Tony Lestingi
Coreografía: Natacha Córdoba
Dirección: Natacha Córdoba

TEATRO LA MÁSCARA 
Piedras 736 - Teléfonos: 4307-0566
Sábado - 20:00 hs

Los derechos de la salud

Florencio Sánchez nació en Montevideo en 1897 y falleció en Milán en 1910. Vale decir que vivió sólo treinta y cinco años. Su obra “Los derechos de la salud”, pieza que tiene como punto de partida dramático la tremenda presencia de la tuberculosis –enfermedad que lo llevaría a la muerte– fue estrenada en 1907.
La puesta que Alfredo Martín ha encarado enfrenta, con las mejores armas, el desafío de mantener la retórica de Sánchez, propia de los albores del Siglo XX, para mostrarnos que la paradoja de “Los derechos de la salud” todavía nos involucra.
Ni los paradigmas morales de entonces, ni las escuálidas respuestas de un existencialismo positivista en pañales, alcanzaban (ni alcanzan) para dilucidar la contradicción; porque cuando hablamos de “derechos de la salud” parecería que nos referimos –exclusivamente– a los enfermos.
Martín encara una puesta que rompe con cualquier tipo de límite entre lo fenoménico y lo perceptual. El teatro está ahí, y nosotros también.
Los puntos de vista quedan al arbitrio de cada espectador, y las actuaciones de Mercedes Fraile (Luisa), de Macelo Bucossi (Roberto), de Élida Schinocca (Mijita), de Lorena Szkely (Renata), de Daniel Goglino (Dr. Ramos), de Rosana López (Albertina), y Cecilia Sanjurjo (violinista), rozan la perfección.
Porque claro está que, como no puede ser de otro modo, para que el resultado del desafío que ha decidido aceptar Martín llegue a buen puerto se requiere un trabajo impecable de actrices y actores, Y esto, insisto, aquí se ha conseguido, y con creces.
La presencia formidable (valga el oxímoron) de la fragilidad de cada uno de los personajes ante la inminencia de la muerte, sólo acentuada por el exquisito recurso del sonido de un violín estremecedor, aparece sin el menor juzgamiento, y entonces queda flotando la pregunta: ¿Los derechos de la salud, son sólo para los enfermos? (F. M.)


Ficha técnico artística

Autoría: Florencio Sánchez
Versión: Alfredo Martín
Actúan: Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile, Daniel Goglino, Rosana López, Elida Schinocca, Lorena Szekely
Músicos: Cecilia Sanjurjo
Vestuario: Mercedes Piñero
Escenografía: Marcelo Jaureguiberry
Iluminación: Fernando Díaz, Marcelo Jaureguiberry
Diseño gráfico: Gustavo Reverdito
Asistencia de dirección: Dana Olivieri
Prensa: Silvina Pizarro
Dirección: Alfredo Martín

En Andamio 90 - Los viernes a las 20.30
Paraná 660 - Capital Federal
Reservas: 4373-5670

Jorobado, el encierro de un cornudo, con Claudio Pazos

"Jorobado, el encierro de un cornudo" o el descomunal talento de un actor

Claudio Pazos toma las riendas de su talento y sujeta su expresividad para galopar cómodo en la integridad de sus dones. Con ese dominio de su arte, -es bailarín, actor, cantante, mago de su corporalidad-, nos vuelve a deslumbrar ahora con la genialidad de su Jorobado.

Siempre es complejo adaptar un relato narrativo a un hecho dramático. Pero en este caso hay una trinidad que ilumina ese traspaso con exactitud. Pazos está acompañado, contenido y guiado con precisión por Jorge Diez en la dirección y la exquisita Mecha Fernández en la dramaturgia coreográfica.

Con sensibiblidad y virtuosidad sin límites Claudio Pazos nos ingresa en el desafiante, intenso y oscuro mundo de Roberto Arlt apoyándose en la ductilidad de su cuerpo y en muy pocos objetos que acentúan la poesía del trabajo. Las luces de Violeta Diez aportan lo suyo.

Delicado y brutal, poético y falaz, “Jorobado, el encierro de un cornduo” nos reafirma esa maravillosa sensación de que el Teatro es posible cuando lo imposible se ve en un escenario. Allí el delito, la traición, la hipocresía y la crítica a la moral burguesa están ahora escritos en el cuerpo de ese actor que parece poderlo todo y nos convence de que eso “es fácil”.

No se lo pierdan. Es una ceremonia de Alto Teatro.

S.M.

Ficha técnico artística 
Dramaturgia: Claudio Pazos
Intérpretes: Claudio Pazos
Diseño de luces: Violeta Diez
Fotografía: GrIn Multimedia
Asistencia de dirección: Virginia Mazzarella
Prensa: Marcos Mutuverria
Producción ejecutiva: Virginia Mazzarella
Diseño de coreografia: Mecha Fernández
Dirección de arte: Jorge Lopez
Dirección: Jorge Diez

En el teatro La Comedia, los sábados a las 21.15
Rodriguez Peña 1062
Capital Federal
Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228