Venganza, Amistad y Amor

¿Cuánto tiempo se necesita para llevar a cabo una venganza? A veces toda la vida.

Este es uno de los temas que aborda “Chaco arde”, el melodrama musical queer creado por Belén Amada, Micaela Fariña y Gonzalo Quintana, quien además está a cargo de la dirección del espectáculo. Evidentemente un espectáculo visceral desde su origen.

Sandra Díaz y Alejandra Gorriti son dos amigas que han recorrido juntas el camino desde una adolescencia vapuleada por el bullyng hasta una adultez que las encuentra sedientas por castigar a sus antiguos agresores. Y ese camino las deposita en una ruta que las lleva al  Chaco, donde dos de sus compañeres de secundaria consumarán un casamiento al que ellas no han sido invitadas. Con el que, obviamente, no están de acuerdo. Y están dispuestas a todo por impedirlo. A todo.

En ese “a todo”, el director Gonzalo Quintana cuenta con dos actrices de una entrega y un talento inusitados que se entregan a la historia sin guardarse nada o, al menos, ofreciendo mucho. El espectáculo tiene esa impronta generosa de la creación colectiva, de la investigación que genera confianza escénica y que el espectador disfruta agradecido. Aún en algunas desprolijidades vocales que dificultan comprender algunos diálogos o alguna ausencia de síntesis, el trabajo interpela, conmueve, contagia entusiasmo, impacta y cala hondo en quien se entrega a ese viaje que va del disparate a la ternura sin escala.

Micaela Fariña es Sandra, una mujer que no puede olvidar un beso que una compañera le dio en Bariloche, cuando el viaje de egresades les proponía que todo era posible. “Un beso como no se besa a una amiga”. Está convencida de que eso que ella siente desde ese tiempo hasta hoy es el verdadero amor y que todo lo demás es mentira. Para contarnos ese sentimiento cuenta con un instrumento físico,  vocal y musical envidiables. Y lo usa. Vaya si lo usa.

Y Marina Ortega –que se incorporó al espectáculo en esta temporada- no le va en saga. Construye desde las entrañas a su Alejandra, esa amiga incondicional, todoterreno, que puede matar por defender a quien ama. Y le imprime a su composición la fuerza de un secreto que le vibra de pies a cabeza. Su trabajo tiene la impronta de una ofrenda.

Hermosas las dos, por momentos arriesgan mucho en esa entrega. Y se recomponen, y emocionan en ese margen de la ternura que da respiro. Y ahí hace pie la venganza, en la ternura y el amor. Que es la única forma de venganza aceptable.

Menudo trabajo ha tenido el director para ordenar ese desborde de talento y entrega.

El espacio escénico del Tadrón no podría ser mejor lugar para que estas dos mujeres se entreguen a la libertad de sus cuerpos y sus voces. Dicen que les quedan sólo dos funciones. Pero arriesgamos a  augurarles unas cuantas temporadas más.

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autores: Belén Amada, Micaela Fariña, Gonzalo Quintana

Actrices: Micaela Fariña, Marina Ortega

Diseño de vestuario: Mailen Calvo

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de luces: Samir Carrillo

Visuales: Eliana Agüero

Fotografía: Gastón Marín

Diseño gráfico: Roy Cifre

Asesoramiento De Movimiento: Sebastián Villagra

Asistencia técnica: Josefina Bonnet

Asistencia de dirección: Belén Amada, Kika Monte

Coreografía: Sebastián Villagra

Dirección: Gonzalo Quintana

SÁBADOS 21 hs. en TADRON TEATRO

Niceto Vega 4802 CABA - Argentina

Teléfonos: 4777-7976

Un abrazo que sana

Un hombre escribe sobre un hombre. Escribe, quizá,  para sanar a ese hombre que es él y que tal vez no. Luego  olvida su escrito en un rincón de la nostalgia. Otro hombre encuentra ese texto y decide sanar y sanarse poniendo su piel al servicio de todos los hombres que fueron niños y crecieron de golpe en las garras de lo inesperado.

Esos dos hombres, el que escribió y el que encarna, se unen en una ceremonia que es “abrazo de frío azulejo”, habitando los rincones del misterio que propone crear universos de la nada. Nada que es un espacio, un cubo, una gota que horada, una melodía, un dibujo en el piso y un cuerpo casi desnudo. Así se ofrecen y así reciben.

“Abrazo de frío azulejo” narra en presente la historia de un niño que ya es adulto y que recuerda una experiencia que le marcó la vida.

Fernando Alegre, autor y director, logra esta vez una síntesis artística que es el resultado de una profunda investigación desde la dramaturgia y la escena. Y Gastón Biagioni se entrega a ese niño vulnerado, que en el baño de un club su vida irá de la fantasía al infierno, toda la magia necesaria para que el espectador lo vea abrazado a ese azulejo que pinceló su retina y su alma para siempre. Y ya sabemos que “siempre” es mucho tiempo. Entre los dos –director y actor- logran un espectáculo visceral y generoso que interpela y conmueve; duele y sana; provoca y deconstruye.

Quienes asisten a esa ceremonia teatral, que comienza en el hall con una empanada y un vino, no salen ilesos de la experiencia. Y sin dudas, quien se entregue a la sensibilidad, saldrá mejor persona. Porque el arte mejora a la gente y este espectáculo da cuenta de ello.

“Abrazo de frío azulejo” es una creación que va de lo pequeño a la desmesura. 

No te la pierdas. 

Para acceder a verla debés llamar o escribir al +54 9 11 6665-9843 y ahí te dirán para cuándo pueden reservarte. Porque las localidades suelen estar agotadas.  

Stella Matute

Autoría y dirección: Fernando Alegre

Actor: Gastón Biagioni

Lugar: Unicornio Espacio de Arte

Funciones: a convenir por reservas

Una pareja, una Patria

Algún pueblo de nuestro vasto territorio. De esos que, salvo para un puñado de personas que lo habitan, suelen ser lugares de paso y de respiro para quienes recorren el país con su trabajo. 

Un hotel. Una década que se consume. Una Patria que agoniza. Un invierno frío. Tal vez el más frío de los inviernos.  

Una pareja que no fue. Dos personas que transitan los laberintos de un desencuentro infinito.

“Fuera del mundo” es una sutil metáfora sobre el comienzo del horror. Un delicado recorrido paralelo entre lo micro y lo macro. De las habitaciones de un modesto hotelucho al país entero. Del relato de dos seres individuales al de los sucesos de todo un país vulnerado. 

Julia y Martín se han visto periódicamente durante diez años. Y ese domingo de frío y niebla, de soledad y desasosiego, podrán –tal vez- dar los pasos del único baile que desearon pero bajo la melodía de una sucesión de notas desafinadas, definitivas. 

Raúl Brambilla, autor y director del espectáculo, no pudo encontrar mejores intérpretes para encarnar a los desamparados, suaves  y sensibles personajes de su historia. Una historia arriesgada y simple a la vez, que narra un universo todo desde el sencillo comedor de una casona vetusta. Malena Figó y Marcelo Mininno ponen todo su talento, intensidad y nobleza artística al servicio de esas criaturas que, desde sus cándidas existencias, cruzan el puente del deseo postergado para encontrarse en la inmensidad de lo imposible. Tanto ella como él saben domar el potro desbordado de sus emociones para darles luego rienda suelta corcoveando entre la impotencia y la esperanza que no por esquiva es menos potente. Brambilla tiene el talento de que su mano de director no se vea en el transcurso de un espectáculo que está dirigido puntillosamente, en el que la actriz y el actor suben al público  a un cabalgar que va del paso manso al galope desenfrenado para pasearlo por la memoria de una historia que nos pertenece y nos sigue doliendo. 

"Fuera del mundo", es el título. Pero es una obra que te hace estar dentro de esa  historia, dentro de esa memoria –que es la nuestra-, dentro de ese interminable dolor de una patria lastimada.

Stella Matute

FICHA TECNICO-ARTISTICA: 

Actúan: Malena Figó y Marcelo Mininno 

Diseño de vestuario: Cecilia Carini

Diseño de escenografía: Iván Salvioli 

Diseño de luces: José Binetti 

Fotografía: Claudio Da Passano 

Producción Ejecutiva y Asistencia de Dirección: Rubén Sibilia 

Dramaturgia y Dirección General: Raúl Brambilla 

TEATRO DEL PUEBLO 

Lavalle 3636, CABA 

Teléfono: 7542-1752 

Entrada: $ 700,00 / $ 550,00

Sábados, 17:00 hs - Del 30/10/2021 al 11/12/2021

Una clase de Historia hecha Teatro

 

Alejandra Darín y Pablo Razuk 

Una muerte, un desalojo, una casa, una historia. Una vida. O dos. Dos.

Nuestra historia.

La construcción del pensamiento nacional y la resistencia de los odiadores de siempre. Desde el comienzo de la historia hasta nuestros días. Quizá hasta el final de los tiempos.

De todo esto y más habla Scalabrini Ortiz, de Florencia Aroldi. Un espectáculo necesario, un documento encarnado, hecho escena.

En un tiempo sin tiempo el público hace un recorrido por algunos de los vericuetos de un país que viene luchando por su autonomía, por su independencia económica y por caminar sin pedir permiso al Poder Real que siempre pone rocas en el camino. Y de una pareja que lucha por lo mismo. 

En ese tiempo poético del escenario, Pablo Razuk interpretando a Scalabrini Ortiz y Alejandra Darín en la piel de Mercedes Comaleras, nos hablan de realidades y amores, de resistencias y lealtades, de respeto y atropellos, de amigos y traidores, de enfermedad y eternidad. Ambos intérpretes ya nos han acostumbrados a sus entregas y sus talentos, y en esta oportunidad –una vez más- interpelan y conmueven.

Pablo Razuk logra un parecido notable con el pensador histórico y, fundamentalmente, encarna esa sencillez de la que Scalabrini Ortiz hizo una bandera que defendió hasta su último suspiro. Y Alejandra Darín le da vida a una de esas mujeres de nuestra historia que sostuvieron el camino de sus compañeros renunciando a la merecida gloria propia. La obra cuenta una vida con dos protagonistas, con dos luchadores, con dos imprescindibles.

Delicada y precisa la propuesta de escenografía y vestuario en manos de Alejandro Mateo y bello relato musical que acompaña desde el talento de Sergio Vainikoff.

Sin dudas todas son grandes elecciones de Sebastián Berenguer, el director general de este espectáculo que debería ser declarado de "Interés Histórico Educativo" y ser “de escenario obligatorio” en escuelas y universidades. Gracias Florencia Aroldi por Scalabrini Ortiz.

STELLA MATUTE

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Autora: Florencia Aroldi

Actúan: Alejandra Darín y Pablo Razuk

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Maquillaje: Sofía Banegas

Diseño de iluminación: Horacio “Chino” Novelle

Composición musical: Sergio Vainikoff

Fotografía y diseño: Patricio Vegezzi

Producción ejecutiva: Albondigas Producciones, Korinthio Teatro y Sebastián Berenguer

Asistencia de producción: Lydia Stevens

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Carolina Peralta

Dirección general: Sebastián Berenguer

Sábados a las 17.30 hs

Teatro Picadero. Pasaje Santos Discepolo 1857

 

 

PALABRAS CON PELIGRO

 

¿Cuántas formas tiene el abuso? ¿Cuántas son sus máscaras? ¿En qué lugar agazapado de la condición humana siempre está a mano para dar el zarpazo y herir, lastimar, despertar el horror? 

La fascinación por su docente de una adolescente con discapacidad. La fascinación del docente por esa alumna que lo deslumbra con su sensibilidad distinta. En ese vínculo anida el peligro. No importa si hay buenas o malas intenciones. Lo que no debe ser no debe ser. Y cuando el daño está hecho no hay vuelta atrás. 

“Mis palabras”, escrita y dirigida por Marcelo Allasino, ingresa a ese laberinto y lleva a los espectadores a perderse allí, en ese delgado límite entre el poder de enseñar y el abuso del rol. 

“Las palabras crean realidades y tejen deseos.  ¿Cómo suenan mis palabras en tu escucha?  ¿Cómo afectan tu fantasía y tu verdad? ¿Qué responsabilidades tenemos frente a la entrega, el amor, la compasión? ¿Y frente a la creación?  Las palabras, también, le abren la puerta al espanto.”, dice la gacetilla informativa. Y es de una verdad tan desmesurada que no salís ileso al levantarte de la platea. Esas palabras atraviesan. Todas. 

“Mis palabras” es un espectáculo potente, titánico, épico, necesario. Que cuenta con una actriz –Agostina Prato- que atraviesa todos los estados y los estadios, con un talento superador. Y un actor –Nahuel Monasterio- de una sensibilidad que le permite deshacerse y rehacerse una y otra vez en escena. Generan un tándem que no da respiro. Los acompaña la magia de Nico Diab con un diseño sonoro en escena, que ayuda tanto al elenco como al espectador a respirar el dolor y arrojar al aire la carcajada cuando la tensión se diluye un algo. Todo dirigido “a lo Allasino”, con originalidad y potencia. Es difícil escribir mucho más sobre “Mis palabras” porque es difícil escribir sobre una experiencia que arrastra al espectador por la ladera de un volcán que acaba de explotar. 

Se ofrece los viernes, sábados y domingos a las 20 hs. en el Centro Cultural San Martín. No dejen de verlo. Hay que verlo. (Hasta el 13/11/2021) - Sarmiento 1551

Ficha técnico/ artística:

Actuación: Agostina Prato y Nahuel Monasterio

Música y puesta sonora en vivo: Nico Diab (MUX)

Escenografía: Ignacio Riveros

Diseño de Iluminación: Leandra Rodríguez (ADEA)

Ayudante de Iluminación: Agustín Valle

Diseño de vestuario: Uriel Cistaro

Realización de vestuario: Patricia Mizraji

Dibujos: Clara Esborraz

Dispositivo visual: Mauricio Casaretto y Fabián Kesler

Videos cámaras de seguridad: Ramiro Rodríguez y Julio Constantin

Edición de videos: Mica Di Pompo

Cámaras en vivo: Sol Muñoz y Camila Morales

Asistencia de sonido: Gonzalo Peralta

Diseño gráfico: Leonor Barreiro

Prensa: Valeria Franchi

Coproducción: El Cultural San Martín

Asistencia de producción: Agustina Gil

Producción: Raúl S. Algán

Asistencia de dirección: Juliana Ortiz

Autoría y dirección: Marcelo Allasino

Un puzzle que nos rompe la cabeza

 

Veintiuna obras son seleccionadas entre 1540 obras. Sin duda esas veintiuna obras tiene gran mérito. Una de esas obras es "Puzzle", de Omar Lopardo y después de haber visto el espectáculo sé que tiene muchísimo más que un gran mérito. Es una obra que merece ese premio y muchos otros.

Dos hombres llegan al mismo tiempo a un banco de plaza. Los dos consideran que ese banco les pertenece. Nunca antes se han visto. Pero muy pronto descubren que se conocen mucho más de lo que pueden imaginar. La memoria les irá jugando una mala pasada –o buena, depende desde dónde miremos- y se les irá develando la historia propia y la del otro, que no es la misma pero es igual. ¿Son dos? ¿Es uno? ¿Son ellos? ¿O somos nosotros? Tal vez no tiene importancia, o la tiene toda, porque son un universo todo y desde ese universo hablan de la vida, de la verdad, de la mentira, de los engaños, de la burla, de los desencantos, de la identidad, de lo expuesto, de lo oculto…  y de la justicia en todas sus formas –formal, divina, por mano propia-.

Un texto intenso, misterioso, inquietante -con reminiscencias de Beckett, Sartre, Ionesco-, con chispazos de humor, que encontró en Santiago Doria a su director ideal. Una puesta bella y minimalista, que cuenta no sólo a través de la palabra sino de los objetos, los colores, las luces, los sonidos. Impecables trabajos de escenografía, vestuario, luces y música en manos de Daniel Feijoò, Laura Singh, Roberto Traferri y Martín Bianchedi respectivamente. Un espectáculo bordado a mano, estilo exquisito tan propio de Doria.  

Párrafo aparte, obvio, para las dos descomunales actuaciones, que se entregan con pasión a la difícil propuesta tanto de texto como de dirección. Esteban y Marcos tienen en Osmar Nuñez y Jorge Suárez sus cuerpos y sus almas. Sus encarnaduras precisas. Dos trabajos de una sensibilidad mayúscula. Un ir y venir cómodo -que incomoda- de la palabra al sentimiento, del sentimiento al desgarro.

Del otro lado de la pantalla –el espectáculo se ofrece desde la plataforma digital del Teatro Nacional Cervantes- las y los espectadores se reflejarán en espejos deformes mientras se preguntan cuánto de cada uno de esos dos personajes vive –y muere- en cada uno de nosotros.

Stella Matute

Ficha técnico-artística:

Autor: Omar Lopardo

Actores: Osmar Núñez y Jorge Suárez

Producción: TNC: Marcelo Dorto

Asistencia de dirección: TNC: Esteban De Sandi

Música: Martín Bianchedi

Iluminación: Roberto Traferri

Vestuario: Laura Singh

Escenografía: Daniel Feijóo

Dirección: Santiago Doria

Disponible aquí: https://www.youtube.com/watch?v=6cL0EzVqu4I
Duraciòn: 51 minutos.

Othelo como excusa

 

Volver a ser espectadora después de un año de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Para quienes enfrentamos este tiempo con responsabilidad, salir hacia un hecho social, ya es mucho. Todo inquieta. Y sentarse en una sala teatral con barbijo puesto, después de haber sido testeada en temperatura y a dos metros de distancia del siguiente espectador, propone un estado verdaderamente especial. De verdad deseaba que lo que iba a ver me conmoviera –siempre lo deseo, pero en este tiempo todo se dimensiona-, lo que no esperaba era que me modificara tanto. Y sin duda, “Othelo –termina mal-“ modifica.

En realidad, ya el título debió habérmelo advertído.

¡Esto es Shakespeare!, aclaran de entrada los cuatro magos del escenario. Y para afirmarlo ponen al gran William –cual omnipresente testigo- para que los observe desde un costado de la acción. ¡No es clown, no señores!, vuelven a aclarar y no se ponen nunca la nariz roja. Y desde esa aclaración casi constante ofrecen Othelo y también –por si fuera poco- aclaran de entrada que “termina mal”. Por lo tanto, nos anuncian que no habrá sorpresa. Que todo lo que pase allí ya lo sabemos. ¡Ja! Gran engaño. Porque el público no tiene idea de lo que va a ver… 

La historia del admirado autor inglés ha sido amasada en la talentosa procesadora de Gabriel Chame Buendia y mezclada con una apabullante dosis de imaginación, otra de sorpresa, una más grande de ingenio y otra –inmensa- de riesgo. Vertió esa mezcla en los cuatro de los mejores “moldes” con que un hacedor pueda contar y el resultado es un Othelo desopilante horneado a fuego lento en la llama única del talento colosal.

Tres actores y una actriz para un Otelo completo. Ahí están Yago, Desdémona, su padre, Rodrigo, Casio, Ludovico, Emilia, Brabancio y –claro- Otelo siendo fieles e infieles al mismo tiempo a la mítica obra shakespeariana. Respetándola a rajatabla pero acercándola desfachatadamente a nuestros días, a nuestro lenguaje, a nuestro cotidiano. Con humor desopilante, con desparpajo, con soltura, y con trabajo. Mucho trabajo. Traspirando la camiseta como obreros de la escena. Convirtiendo cajas en tronos, mesas en palacios, telas en mares y sábanas, cuerpos en instrumentos inefables de la narración.

¿Teatro físico? Si. Y del muy bueno. Pero hay más. ¿Clown? Sí, y del mejor. Pero hay más. ¿Buenas voces? Si, pero hay más. ¿Buen manejo del escenario? Sí, pero hay más. ¿Interacción descomunal con el público? Sí, pero hay más. Hay más.

Hay comunión. Hay ceremonia. Hay ofrenda. Hay actualidad feroz en ese texto milenario traído a interpelarnos hoy.

Matias Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio son los desaforados e imprescindibles creadores con los que Gabriel Chame Buendía cuenta para que su vuelo de dramaturgia y dirección sea alto y luminoso. Los cuatro alcanzan climax a lo largo de los 110 minutos que dura el espectáculo y que pasan volando.

El público ríe ríe y ríe con los juegos y recursos de estos cuatro artistas que se sacan chispas en un duelo de talentos pocas veces visto en la escena porteña. Y a la vez, puedo asegurar, que el público teatral nunca antes quedó tan mudo cuando esta tragedia se desenlaza. Otro gran hallazgo de Chame Buendia. 

Othelo, tantas veces vista, esta vez es la mejor excusa posible para hablar de la condición humana actual, de la mentira, la verdad, la justicia, las conspiraciones y, sobre todo, la violencia y el femicidio. 

Volver a ser espectadora después de ¿un año? ¿un siglo? ¿un milenio? de aislamiento y pandemia no era un detalle menor. Un acierto de mi parte haber elegido este espectáculo para volver a serlo. Hasta el tapabocas deja de molestar por tanta entrega que llega desde el escenario del Caras y Caretas. Y sí, salí de la sala absolutamente modificada. 

No se lo pierdan.

Stella Matute

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Autor: William Shakespeare

Adaptación: Gabriel Chame Buendia

Actores: Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gomez, Martín López Carzolio

Vestuario: Gabriel Chame Buendia

Escenografía y Diseño de luces: Jorge Pastorino

Diseño sonoro: Sebastián Furman

Redes Sociales: Juan Gabriel Yacar

Fotografía: Gianni Mestichelli

Diseño gráfico: Matías Bassi, Agostina Bruzzone

Asistencia de escenario: Paula Cecilia Ceresole

Asistencia de escenografía: Cecilia Stanovnik

Asistencia De Producción: Micaela Fariña

Asistencia técnica: Ariel Dabbah

Asistencia de dirección: Justina Grande

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar

Producción: Buendia Theatre

Dirección: Gabriel Chame Buendia

CARAS Y CARETAS 2037 - Sarmiento 2037 - CABA
Viernes - 20:00 hs - Hasta el 26/03/2021
Duración: 110 minutos

LA TORTUGA

Escrita y dirigida por Marcelo Allasino
Interpretada por Matilde Campilongo

"No sé bien qué quiero decir, pero quiero decir algo", dije pidiendo la palabra. Y balbucée conmovida lo mucho que me había gustado el trabajo, perdiéndome en reflexiones de estos tiempos.
En este momento me pasa algo parecido... "no sé bien qué quiero escribir pero quiero escribir algo" pienso, y doy vueltas y vueltas porque todo es nuevo.
Hace un par de noches viví la experiencia de ver "La tortuga" por el streaming de www.teatrouaifai.com y todo fue inaugural.
No es teatro, no es cine, no es televisión. Y digo esto no en desmedro del espectáculo sino todo lo contrario. Matilde Campilongo, la intérprete, y Marcelo Allasino, el autor y director, se metieron en mi casa, en la intimidad de mi habitación y desde un lenguaje nuevo me propusieron una iniciación como espectadora. Vibré, me emocioné, me sentí interpelada. Todo en la soledad del confinamiento al que estamos obligados y sentada en mi cama tomándome una copa de vino.
La obra cuenta la historia de una mujer de más de 50 años que ha perdido su aparato reproductor a causa de un cáncer. Y desde las sensaciones de ese hecho traumático va repasando su vida toda. La excusa es una videollamada con una compañera de secundaria a la que no ve desde aquel entonces.
La historia es muy buena y cuenta con una actriz extraordinaria para darle carnadura. Y la forma en que la cuentan desde este nuevo lenguaje la potencia. Sucede. Algo del terreno del teatro, la televisión y el cine juntos, sucede. Sucede la emoción, sucede la conmoción, sucede algo parecido a esa vibración que sentimos en la platea cuando vemos buen teatro. Y digo parecido porque no es en una platea de teatro sino en la comodidad -o incomodidad- de nuestras casas.
Cuando la función, de exactos y agradecidos cuarenta y cinco minutos, termina, te invitan a una reunión de zoom para reflexionar al respecto y eso, sin dudas, completa la experiencia inaugural de la que hablé al comienzo. Durante ese encuentro cibernético te ves con las y los espectadores, cada cual en sus casas, sus hijos que entran a pedir atención, las mascotas que buscan mimos, las bibliotecas de fondo, la cotidianeidad misma...
Todo ayuda a que la experiencia sea sumamente enriquecedora.
Por último, una reflexión sobre el texto. Desde una anécdota puntual, Marcelo Allasino se mete con todos nuestros dolores. Los de las mujeres, digo. Hay algo de todas nosotras inundando esa historia, bordeando en los males del patriarcado, de la violencia, de las postergaciones, de las injusticias, y librando hacia la tangente todo el universo femenino. Y Matilde Campilongo es su personaje y es todas nosotras. Y ella misma. Al mismo tiempo.
"La tortuga" nos propone -nos exige- repensar muchas cosas. Desde la forma de "hacer teatro en cuarentena" hasta el modo de deconstruirnos para volver a construirnos en temas esenciales.
Ingresen a www.teatrouaifai.com y reserven su entrada para la próxima función. No se van a arrepentir.

Stella Matute

Una boda que dará que hablar

Cuando el público hace su ingreso a la sala, un grupo de mozos elegantes lo recibe con bandejas llenas de ricos bocaditos y copas con  vino y gaseosas. Así,  los espectadores serán convertidos en invitados –y fisgones- de una boda lujosa. La boda de la hija del Presidente. Una celebración social de la que la alta sociedad se ufana y las clases medias y bajas espían en noticieros, programas de interés general y revistas de peluquería mientras sueñan participar alguna vez de alguna.
La sala 3 del Teatro La Comedia aporta su majestuosidad para que -con una gran síntesis de recursos- el espectáculo se convierta en un salón de fiestas con sus mesas numeradas, sus invitados diversos, familiares, posibles colados, y las celebridades del jet set que nunca deben faltar en este tipo de acontecimientos.

“La boda de la hija del Presidente” se estrenó en el año 2003 con su título original “Alejandro y Ana, lo que España no pudo ver del banquete de bodas de la hija del presidente" como una parodia de la boda de la hija del entonces presidente español José María Aznar. Y su vigencia conmueve, divierte y espanta al mismo tiempo.
La obra va mucho más allá de narrar las miserias de un casamiento célebre para dar paso a una descomposición minuciosa  sobre la potencia de los mecanismos de poder, en una realidad arrinconada por lo peor del pensamiento y el quehacer de la derecha y el neoliberalismo político y económico.

Los cinco mozos de la recepción serán luego los políticos, el chofer, el obispo, la madre y el pare de la novia, las damas de honor, el asesor literario del presidente, el personal de vigilancia, la cocinera, entre otros personajes que por la boda pululan.

El director del espectáculo, Adrián Cardoso,  ha sabido sacarle el jugo tanto a los talentos de sus actores tanto como a la brillante idea de  Juan Mayorga y Juan Cavestany, sus autores. La duplicidad de roles fluye y convierte a Diego Freigedo, Ariel Gangemi, Sebastián Giuliani, Miguel Haddad y Cristian Sabaz  en un elenco numeroso de hombres y mujeres que chismosean, vigilan, pelean, compiten, conspiran, disfrutan y trabajan en el famoso evento social y político. Todas y todos acompañados por música de piano que en manos del maestro Alejandro Weber acompaña la escena con gran acierto. El vestuario y los elementos escenográficos son absolutamente funcionales a la propuesta. El espectáculo divierte, entretiene e interpela. Cuando uno sale de la sala teatral-salón de fiestas, va apagando la carcajada para dar paso a la reflexión.
No se la pierdan.
Es ideal para un domingo al mediodía.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística
Autores: Juan Cavestany, Juan Mayorga

Actúan: Diego freigedo, Ariel Gangemi, Sebastián Giuliani, Miguel Haddad, Cristian Sabaz

Músico en escena: Alejandro Weber

Vestuario: Sabrina López Hovhannessian

Escenografía: Magdalena de la Torre

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Romina Ganovelli

Asistencia de vestuario: Lucía De La Cuesta

Asistencia de dirección: Miguel Haddad

Producción general: Domènica Producción Teatral

Dirección: Adrian Cardoso

TEATRO LA COMEDIA
Rodriguez Peña 1062 - Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228
Entrada: $ 500,00 - Domingo - 12:00 hs

"CUARTELES DE INVIERNO", un desafío muy bien logrado

Dos hombres. Un boxeador venido a menos y un cantante de tangos otrora prestigioso. Una estación de trenes de un pueblo perdido que festejará su aniversario en tiempos de horror, uniformes y botas. Allí se conocen esos dos solitarios que se miden desde sus diferentes perspectivas. Pronto irán descubriendo cosas en común: la dignidad, por ejemplo. Ambos se sienten por fuera de la política pero eso no les evitará enredarse en problemas con los autoritarios poderosos del lugar. Muy pronto se verán envueltos en un mundo brutalmente despótico y opresor. Justamente eso es lo que los unirá en una amistad sin tregua donde la lealtad superará toda diferencia.

“Cuarteles de invierno” es una de las novelas más emblemáticas del admirado escritor Osvaldo Soriano. Escrita y publicada en los tiempos oscuros de la dictadura militar argentina, pronto se convirtió en una burbuja de oxígeno para quienes nos sentíamos ahogados por la falta de aire de esos días. Ni bien se restauró la Democracia en el país, Lautaro Murúa llevó una versión al cine que también se convirtió muy pronto en un éxito.

Con todo ese buen peso sobre los hombros, el autor y director Daniel Moreno decidió llevar adelante una versión teatral de la legendaria novela. Y sale más que bien parado de tamaño desafío, poniendo en escena un espectáculo sólido en actuaciones, bello en imagen y sintético en relato. Con gran economía de recursos y sosteniéndose en el trabajo, los cuerpos y el talento de sus actores, el espectáculo entretiene, angustia y divierte.

Norberto Gonzalo, Luis Manchini, Jorge Noya, Daniel Toppino y Néstor Villa se mueven cómodos en sus roles, doblan personajes, asfixian y dan respiro, logrando recrear el clima de ese pueblo atravesado por el depotismo y la tiranía. El miedo, la lealtad, la solidaridad, el horror y la venganza son algunos de los temas con los que este espectáculo se mete, haciendo honor al gran texto del querido Gordo Soriano.

La cita es: DOMINGOS 18.15 en NoAveztruz, Humboldt 1857 (hasta el 25 de agosto). 

No se lo pierdan.

Stella Matute

"Un domingo en familia", un alarido social en forma de espectáculo teatral

"Un domingo en familia", de Susana Torres Molina no es un espectáculo teatral.
Es un Acto de Justicia, un Hecho Revolucionario, un Alarido Social. Necesario, imprescindible, obligatorio, urgente.
Hablando de la muerte es un soplo de vida.
Exponiendo el horror honra la valentía.
Susana Torres Molina escribió una obra mayor, desde las entrañas hacia las entrañas. Y todo el elenco -Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado, Juan De Rosa, José Mehrez y Guillermina Etkin-, acompaña con altura esa épica. Ese texto no podría haber encontrado mejor director que el inmenso Juan Pablo Gomez que le imprime al espectáculo un ritmo entre subyugante y sórdido, entre vertiginoso y calmo, con una puesta de permanente doble lectura que atraviesa tiempos y distancias.
El elenco interpela y conmueve poniendo al espectador en el centro de la escena, obligándolo -casi- a tomar partido durante el desarrollo de la historia.
Vale destacar la elección de este material para que forme parte de la programación del Teatro Nacional Cervantes. En estos tiempos aciagos, un encuentro con nuestra historia más negra para dignificar a nuestra mejor generación desde el único teatro nacional con el que cuenta el país, es a mi entender un hecho histórico.
Esa generación entregó la vida luchando por un mundo mejor y merecía este homenaje, este espacio de reflexión, este sitio de discusión.
Por último, desde la platea se agradece que sea el Arte como política cultural quien nos advierta que una vez más estamos en peligro.
"Un domingo en familia". No se la pierdan.

¡¡¡COMPAÑERO ROBERTO QUIETO!!!!
¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

30000 COMPAÑEROS DETENIDOS DESAPARECIDOS:
¡¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

Stella Matute

Ficha técnico artística:

Autora: Susana Torres Molina
Actúan: Anabella Bacigalupo, Juan De Rosa, Lautaro Delgado Tymruk, Jose Mehrez
Vestuario: Roberta Pesci
Escenografía: Paola Delgado
Iluminación: Patricio Tejedor
Música original y música en escena: Guillermina Etkin
Asistencia de escenografía: Verónica Copello
Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi
Asistencia de dirección: Esteban de Sandi Sansiviero
Producción: Lucero Margulis
Dirección: Juan Pablo Gómez

De jueves a domingos 21 hs. 
TEATRO NACIONAL ARGENTINO - TEATRO CERVANTES
Libertad 815 
C.A.B.A. - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

El regreso del glóbulo

José María Firpo fue un maestro de escuela nacido en Paysandú, Uruguay. A los 16 años se trasladó a Montevideo donde ejerció su oficio de docente en diversas escuelas primarias, fundamentalmente de varones. Su labor nunca quedó circunscripta al aula, sino que también se prolongaba fuera de ella acompañando la vida personal de sus alumnos, siguiendo sus pasos, gozando y sufriendo sus éxitos y sus fracasos.

Durante toda su trayectoria, recopiló dichos tanto de alumnos como de madres y padres y esa recopilación fue editada en un libro que llevó por título “Qué porquería es el glóbulo” en referencia a comentario de uno de sus estudiantes en clase. La aguda observación y el profundo amor que Firpo profesaba por su actividad y por sus alumnos, están volcados en ese compendio tan respetuoso como fresco y divertido.

Hace ya bastante más de treinta años, el Grupo de Teatro Los Volatineros, dirigidos por el maestro Francisco Javier, llevó a escena una versión de ese libro con gran éxito de público y critica.

Desde principio de mayo,  otro equipo teatral ha llevado nuevamente al escenario ese divertido material -concentrándose sobre todo en los dichos de la infancia-, y el resultado es un cálido y divertido espectáculo que nos retrotrae a la niñez y con ella al mágico mundo de la escolaridad primaria.

La versión pertenece ahora a Héctor Presa quien también está a cargo de la dirección. La excusa es el reencuentro de cuatro compañeros de una escuela primaria después de 45 años de egresados. En la emoción de ese encuentro, los temas que los ocupan en la actualidad los retrotraen en el recuerdo a aquellos días de clases y recreos, de actos, de peleas, de amores, de buenas y malas notas. Y en esa remembranza aparecen las hilarantes frases del libro del maestro Firpo. Susana Arata, Susana Presa, Claudio Provenzano y Miguel Rur son los responsables de encarnar a esos adultos llenos de nostalgia y ternura. Es un elenco sólido y sensible que lleva de la mano al espectador hacia sus propios recuerdos transitando una singular y creativa propuesta.

Se ofrece los viernes a las 21 en el Teatro del Pasillo. Un espectáculo sencillo, austero y entrañable para pasar un momento muy entretenido que deja en los espectadores una sonrisa llenita de morriñas y muy duradera.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística

Actúan: Susana Arata, Susana Presa, Claudio Provenzano, Miguel Rur

Música: Fragmentos de canciones patrias

Versión, puesta en escena y dirección: Héctor Presa

TEATRO DEL PASILLO
Colombres 35 - CABA

Viernes de mayo y junio, 21 hs. 

Informes: La Galera - 4771-9295 - info@lagaleraencantada.com.ar

"El lindo Don Diego" o un equipo que promete y cumple

Poner en escena hoy una comedia de enredos escrita en 1654 es un acto de alegre valentía. Y hablar hoy sobre el narcisismo y la vanidad podría leerse casi como un acto de resistencia. En el CCC se ha estrenado una versión de “El lindo Don Diego”, de Agustín Moreto, dirigida con su mano maestra por Santiago Doria, quien ya nos tiene acostumbrados a su ingenio y talentos.  

La obra gira en torno al vanidoso Don Diego que le da nombre al título y se convierte en una metáfora de esta sociedad enloquecida que parece reflejarse en un espejo deformante donde se ve inmensamente hermosa cuando en realidad es ridículamente estrafalaria, tenebrosa y demencial. Tal vez sea esta una interpretación caprichosa de quien suscribe, pero fue a ese lugar al que me llevó la lectura entre líneas de este brillante y divertido espectáculo.

En la historia, Don Diego y Don Mendo llegan a Madrid requeridos por Don Tello su tío para tomar como esposas a sus primas Doña Inés y Doña Leonor. Don Juan, enamorado de Inés, se entera de los proyectos de Don Tello de casar a su hija con su sobrino Don Diego, un rival estúpido fanfarrón y petulante. Con la ayuda del sirviente Mosquito, tejen un enredo para que el Lindo rechace a Doña Inés por emparentar con una rica condesa viuda, que no es otra que la prometida de Mosquito y empleada doméstica de la casa. La obra acaba con un final feliz y un escarmentado Don Diego.

Con una extrema economía de recursos y apoyándose “solo” en el vestuario y el talento de sus actrices y actores, Doria consigue una vez más -con casi idéntico equipo- lo que ya había logrado en su puesta anterior (La discreta enamorada, que le valió varios premios): recrear la época, entretener y divertir.

Cada integrante del elenco exprime el jugo de su personaje imprimiendo brillo, ternura y desopilante gracia a cada uno.

Gabriel Virtuoso, Andrés D´Adamo, Mónica D´Agostino, Ana Yovino, Pablo Di Felice, Irene Almus, Francisco Pesqueira y Gastón Ares son los responsables de dar vida a los desopilantes personajes y entablan un verdadero duelo de talentos.

Un equipo que ya puede decirse que está constituido como Grupo de Repertorio se supera a sí mismo con este trabajo.

"El lindo Don Diego" es un original espectáculo que ningún amante del buen teatro puede perderse. Están ofreciendo sus funciones los domingos a las 19 en el Centro Cultural de la Cooperación antes de partir hacia España para presentar los dos espectáculos que ya tienen en su incipiente y exultante inventario. Como no hay dos sin tres, ya nos ponemos a esperar el próximo proyecto de este equipo de talentosos conducidos por un maestro.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística

Actores y actrices: Irene Almus, Gastón Ares, Andrés D´adamo, Mónica D’agostino, Pablo Di Felice, Francisco Pesqueira, Gabriel Virtuoso, Ana Yovino

Vestuario: Maydée Arigós

Iluminación: Horacio Novelle, Sebastian Ochoa

Música: Gerardo Gardelin

Fotografía y diseño gráfico: Fernando Lendoiro

Asistencia de dirección: Jazmin Rios

Prensa: Haydeé Marocchi

Producción ejecutiva: Rosalía Celentano

Dirección: Santiago Doria

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - C.A.B.A.

Teléfonos: 5077-8000 int 8313

Entrada: $ 350,00 - Domingo - 19:00 hs 

Del 05/05/2019 al 30/06/2019 

"Lo torcidito" o la importancia de Ser

"Eva se enfrenta al que dirán

firme al timón como buen capitán..."

(Silvio Rodriguez)

Los ladrillos se han fabricado para ser usados en la construcción de muros, paredes y pilares. La mayoría de las veces los muros, las paredes y los pilares se construyen para dividir y limitar aunque muchas otras también son para sostener y aguantar.

En “Lo torcidito”, la obra de Diego Parra que dirige con sensible maestría la multifacética Cristina Merelli, los ladrillos son la excusa para hablar más bien de una deconstrucción que de una construcción. Y en forma paradójica para contarnos una historia en la que la protagonista deja de sostener y, sobre todo, de aguantar.

En el escenario está Eva, “la bíblica, no la política” se apresura a aclarar. Eva. Que ha elegido ese nombre a escondidas de su madre, y a escondidas del mundo todo, pero que quiere decirlo, gritarlo y aullarlo en el dolor profundo de parirse a si misma. Ella, justamente, que no puede parir.

"Lo torcidito" habla de mandatos y elecciones. De silencios y sufrimientos.  De construcciones y deconstrucciones. De luces y sombras. De compañias y soledades. Pero por sobre todas las cosas habla de una persona que necesita afirmarse en forma definitiva en su Ser. En el Ser que elige para construirse feliz. En el Ser que siente desde siempre que ES, aunque su biología diga otra cosa.

En la función que brindaron en el espacio "Bajo la higuera" de la ciudad de Buenos Aires, Eva y sus ladrillos no tuvieron tregua ninguna bajo la luz del sol de mediodía. Eva parecía derretirse mientras nos concedía el privilegio de asomarnos a su valentía. Y parecía que ese derretirse bajo el sol convertía su relato en ceremonia, en celebración de revelaciones. Aunque seguramente en cada espacio donde lo ofrezca encontrará ese destino.

Haciéndose cargo de su tesón, por momentos es el autor de la obra quien desde el escenario le habla a una platea que recibe su historia con emoción muda. No se sabe quién de les dos pide un abrazo promediando el devenir. Pero dan ganas de abrazarle para siempre.

La ficha técnica del espectáculo dice que el autor de la obra es Diego Parra y que la actriz que interpreta es Eva Parra. Y Eva se llama el personaje que interpela con su valentía diciendo: "Esto no se trata de maquillaje, ropa ni cirugías. Esto se trata de algo que está aquí y es inalterable". Lo asegura tocándose el pecho. Tal vez sea por eso que en la platea espectadoras y espectadores quedamos sumergidos en un mar de brutal honestidad.

Si se enteran de que en algún lugar cercano la están ofreciendo -puede ser en cualquier sitio porque andan de gira-, no se la pierdan. Uno se siente mejor persona después de haber visto y escuchado a Eva Parra encarnar el texto y exhibir el alma de Diego Parra.

FICHA TÉCNICA:
Autor: Diego Parra
Actriz: Eva Parra
Luces: Juan Carlos Sarapura
Asistencia: Telma Jerez
Dirección: Cristina Merelli
El encendedor rosa -Teatro

Stella Matute

Día Mundial del Teatro: Una luz para la oscuridad del Teatro Alvear

UNA LUZ PARA LA OSCURIDAD 

DEL TEATRO ALVEAR

27 de marzo: Día Mundial del Teatro. 20 hs.

¿Te acordás que en 2016 encendimos velas para llevar luz al cerrado Teatro San Martín? ¿Lo hacemos ahora en el Teatro Alvear? 

Ante la evidente falta de información sobre la apertura del Teatro Presidente Alvear, cerrado desde hace más de cuatro años, el miércoles 27 de Marzo -Día Mundial del Teatro- a las 20 horas, te invitamos a poner una vela, o cuantas quieras, encendida dentro de un frasquito, para iluminar las puertas de ese mítico espacio en riesgo.

No habrá identificaciones políticas. Te proponemos sólo un hecho: dejar velas encendidas a las puertas del teatro, un aplauso e irse. A las 20 hs., el 27 de Marzo -Día Mundial del Teatro-.

Si estás de acuerdo multiplicalo. 

Que la luz sea mucha para que se vea.

Sugerimos ir con vestimenta blanca o negra.

TEATRO PTE. ALVEAR - Av. Corrientes 1659

Clara Argüello - Actriz

Virginia Casabonne - Bailarina

Mónica Kerszberg - Profesora de yoga

Stella Matute - Actriz

Graciela Ramírez - Actriz, asistente de dirección

Ita Saldumbide - Actriz, profesora de yoga

Mónica Santibañez - Actriz

Tatiana Souza Korolkov - Productora 

ADHIEREN:

Taty Almeida - Madre de Plaza de Mayo

Fernando Finvarb - Ex Diputado de la Ciudad

Luis Ziembrowski – Actor

Teresa Parodi – Cantora

Osmar Nuñez – Actor

Olga Cosentino- Periodista, escritora, investigadora teatral

Ana Seoane - Periodista, crítica de espectáculos

Adrián Stoppelman - Humorista 

Roberto Tito Cossa - Autor

Bernardo Carey - Autor

Gabriela Radice - Periodista, locutora 

Víctor Agú - Autor 

Ingrid Pelicori - Actríz 

Adriana Zerdin Zafrann - Periodista, asesora legislativa 

Héctor Alvarellos - Actor, director teatral, director del Grupo La Runfla

Grupo de Teatro Callejero la Runfla

Grupo Comediantes de la Legua,

Emilio Cartoy Diaz - productor, director, docente

Eduardo Pacha Paglierii - Actor, titiritero

Cris Escofet - Dramaturga, directora teatral

Susana Di Geronimo - Actriz, directora teatral, docente

Susana Beatriz Delgadoo - Artista plástica

María Mercedes Di Benedetto - Guionista, escritora

Ricardo Cardoso - Dramaturgo

María José Gabin - Actriz  

Marcela Bublik - Cantante, escritora

Alicia Naya - Actríz

Hernán Morán - Actor, director teatral, dramaturgo

Miguel Mato - Cineasta

Sergio Omar Lopardo - Actor, director teatral, dramaturgo 

Fernando Musante - Actor, cineasta, escritor

Celeste Gerez - Actríz

Emiliano Samar - Actor, director teatral, docente

Orlando Santos - Actor, director teatral, docente 

Mirta Mato - Actríz

Susana Machini - Actríz 

Patricia Guillermina Rozas - Actríz

Hilda Smargiassi - Bibliotecaria, docente

Jacqueline Sigaut - Cantante, docente

Pablo Porcelli - Músico

Isabel Martínez - Artista plástica

Lautaro Matute - Músico 

Susana Figueroa- Actríz 

Julio César Santamaríaa - Cineasta

Victor Schajovitsch - Periodista

Kitty Hallan - Dramaturga 

Marcela Motta - Artista plástica

Miriam Martino - Actríz 

Lidia Catalano - Actriz

Sandra Luna - Cantante, docente

Elida Mazo - Arquitecta, docente UBA

Cristina del Piso - Actríz 

Sandra Ruso - Actríz 

Jorge Duca - Actor 

Pablo Navarro - Actor

Vicente Basili- Productor Audiovisual, Diseñador de Imagen y Sonido.

Irina Pereyra. Artista Audiovisual, Diseñadora de Imagen y Sonido 

Marcelo Bucossi - Actor 

Alfredo Martín - Actor, director, dramaturgo, psicoanalista

Ruben Segal - Actor, director

Susana Toufeksian - Actriz 

Noemí Najles - Pscóloga, cantante

Carlos Alberto Rillo Branca

Mara Berlocq - Actriz 

Cristina Allende - Actriz 

Lucía Vassallo - Directora de cine- Dicumentalista, DAC

Fernando Marticorena- Director de Fotografía - ADF

Bárbara Vitantonio - Periodista 

Virginia Franganillo - Sociologa, Dirigente Politica, 

Fernanda Gil.Lozano - Historiadora UBA,, Parlamentaria del Mercosur. 

Marita Ponte - Dirigente Politica 

Cristina Murta - Actriz

Alejandro Mateo - Escenógrafo, vestuarista, director teatral

Juana Karsh - Actríz

Francisco Pesqueira - Actor, cantante

Mario Mahlerr - Actor 

Alicia Werber - Psicóloga 

Silvina Macri - Productora ejecutiva, fotógrafa

Horacio Banega - Doctor en Filosfía, actor, director teatral

María Ester Camaño estudiante de teatro, de canto 

Daniel Loisi - Actor, director teatral

Laura Diaz Olmos - Periodista y traductora

María Maria Ibarreta - Actriz

Mónica Raffo - Psiquiatra, espectadora

Horacio Roca - Actor

Julio Martinez 

Ana Keller

Gabriela Bianco - Barbara Posesorski

Raúl Brunel - Espectador

Virginia Lombardo - Actriz, directora

Mirta Busnelli - Actriz

Alejandra Aristegui - Actriz, directora teatral

Ana María Castel - Actriz

Rodolfo Braceli - Escritor y periodista

Maruja Bustamante – Dramaturga, actriz

Leonor Lipszyc

Valentina Bari – Vestuarista

Diana Donayre – Bibliotecaria, docente

Tony Lestingi – Actor, director teatral

Elena Petraglia – Actriz

Gabriela Fiore – Dramaturga, guionista, actriz

Antoaneta Madjarova – Titiritera

La hormiga teatro 

Alejandra Rodriguez – Actriz, titiritera

Luiana Ligorio  - Actriz

María Dolores Pedemonte – Actriz

Cecilia Gispert – Actriz

Ivonne Bedoya – Actriz

Beatriz Spelzini – Actriz, docente teatral

Gabriel Abayú – Actor 

Noemí Prats 

Norberto Barleand – Poeta

Daniel Zaballa - Actor, director teatral

Julio Posse 

Adriana Brawn - Psicóloga

Raúl Delgado - Actor, poeta

Gabriel Rovito - Actor, director teatral

Elsa Burgi

Ale Garcia - Productora Teatral.

Julia Perie - Parlamentaria Mercosur por Misiones

Maria Nydia Ursi Duco - actriz

Esther Diaz - Filósofa

Luciana Abad - Cineasta

Ernesto Ocampo Rios - Actor

Ana Quiroga - Sociologa Gobierno de la Ciudad

Gustavo Adolfo Carbonell  - Documentalista

Hugo Serruto - Actor

Zunilda Gonzalez - Actriz, productora

Frida Kaplan - Eutonista, actriz

Silvia Bermudez

Carlos Zárate - Periodista, productor teatral

Marta Speroni - Militante internacionalista

Fernando Madanes - Actor

María Ibarreta - Actriz

Horacio Roca - Actor

Cachita Hernández - Actriz

Alba Liliana Riga

Norberto Gonzalo - Actor, director teatral

Jorge Horacio Alvarez - Director de teatro y televisión

Carlos Veiga - Director, coreógrafo, autor

Laura Azcurra - Actriz

Rodrigo Ures - Autor

A P D E A - Asociacion Profesionales Dirección Escénica Argentina

Fito Yannelli - Actor, director

Berta Eugenia Falicoff- Abogada Jubilada y Militante

Carla Solari - Actriz, docente teatral

Manuel Illescas - Gerente comercial de Data Express

Rosa Celentano - Directora

Julieta Grinspan . Actriz, directora
Carlo Argento - Actor, director teatral
Linda Peretz - Actriz
Nayla Pose - Docente, actriz, directora
El Brío teatro
Eduardo Echániz - Periodista, ilustrador
Brenda Fabregat- Actriz, bailarina
Elba Anaya
Abogadxs Culturales
Andrea Conde - Legisladora por Nuevo Encuentro

Para sumar su adhesión, escribir a: tenertealtanto@gmail.com

http://argentores.org.ar/noticias/general/1327-una-luz-para-el-teatro-alvear

"Estrella", fácil o imposible

Estrella se desnuda ante la gente sin quitarse prenda alguna.

Estrella se hace querer a los diez segundos de conocerla, y nadie podrá explicar el por qué.

Estrella, tal vez, esté purgando un duelo con perfume de naranjas.

Estrella, quizá, trate de entender por qué algunas veces “lo mejor es tenerlo” y otra “lo mejor es sacártelo”.

Estrella recuerda, y lo hace como si no fuese cierto ese recuerdo, que alguna vez le dijeron linda.

Estrella admira a ese artista de su pueblo que, después de hacer maravillas con retazos de telas, se esconde para ejercer su absoluto yo. Pero Estrella no puede más que admirarlo, o mejor expresado ella no puede más.

De todos estos temas habla “Estrella”, el personaje -y el espectáculo- escrito y actuado por Juan Pablo Geretto, quien además está a cargo de la co-dirección junto a Virginia Martinez.

Parece increíble, pero es así. Y lo hace, a un ritmo y un “tempo” obsesivo que evoca al “ostinato” implacable del Bolero de Ravel, para hablarnos de las bondades de los productos cosméticos de la firma Avon, de sus fragancias, de los colores de sus “rouges” -otrora pintalabios-, de su política de méritos y la anhelada posibilidad de alcanzar un espacio en el brindis anual, lo que también la angustia.

Estrella habla y su voz hace aparecer sumidos en la monotonía de la vida de pueblo, el aborto, la homosexualidad, el amor, el desamor, los secretos familiares, la frustración, Antonio Banderas, la mentira, la televisión, el tedio, Maradona y la Claudia, Jorge Donn, la falta de oportunidades, los mandatos, el lavado de cerebros, la educación, el aburrimiento, lo sencillo, lo complicado, el buen gusto, el autoritarismo, y más…

Estrella nos habla de todo esto, y Geretto lo hace con una facilidad que deslumbra. 

Parece muy difícil lo que hace y logra el talentoso Juan Pablo Geretto sobre el escenario, pero como decía Rubén Juárez –otro artista único– lo que hace Geretto: “no es difícil, es fácil o imposible”.

Ficha técnico artística:

Idea y autoría: Juan Pablo Geretto

Dramaturgista: Virginia Martinez

Actor: Juan Pablo Geretto

Iluminación: David Seldes

Estilismo: Diego Finos

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño y realización de maquillaje: Juan Gasparini

Diseño de vestuario: Magda Banach

Realización de vestuario: César Taibo

Fotografía: Alejandra López

Asistencia de dirección: Maru Reinoso

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección:

Juan Pablo Geretto, Virginia Martinez

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 C.A.B.A.

Teléfonos: 4862-0655

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 - Sábado - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 - Domingo - 21:00 hs - 03/03/2019 

La levedad de lo inalterable

Porque no hay nada oculto que no haya de ser manifestado; 

ni escondido, que no haya de salir a luz.

(Marcos, 4:22)

El jaspe es una roca. La roca es el material menos vulnerable y que mejor se conserva. En una cajita de jaspe “la que vendría a ser Elena”, según su decir, abriga secretos de su vida. 
“La que vendría a ser Elena” es la Señora de Federici o Elena Klimek o Sheine Lewy y a la vez una mujer que sufre sin atreverse a asomarse a su sufrimiento, una sobreviviente del horror que guarda sus secretos en un lugar que considera inalterable. 
Pero comete un error y, ya sabemos, que a veces un error -un solo error- nos puede costar caro. A partir de ser descubierta en un centro comercial robándose un perfume, ella irá develando las capas de su historia removiendo las aguas más densas y profundas de su memoria. Así, frente a desconocidos e intentando esquivar las acusaciones dirá por primera vez en su vida cuál es verdaderamente su origen. Ese origen que conserva, imperturbable, en su cajita de jaspe, en su invulnerable cajita de roca. 

Susana Di Gerónimo encarna a esta mujer inimputable y apesadumbrada con una sensibilidad que permite al espectador acompañarla en ese viaje íntimo y sin tiempo por su inconsciente. Los 55 minutos que dura el espectáculo pueden ser segundos o décadas para ella y para quienes asisten a esa confesión desesperada y desesperante. Sin embargo, no faltan el humor ni la ternura. Ni la invitación implícita a que cada uno haga su recorrido por la propia cajita de jaspe, por los propios olores que intentan taparse con perfumes, ya sean robados o comprados.
Un texto atractivo e intenso (Patricia Suarez), una dirección minimalista (Herminia Jensezian), una actriz talentosa (la ya mencionada Susana Di Gerónimo) y un espacio ideal (Tadrón Teatro) dan como resultado un espectáculo emotivo, con carácter de homenaje, que -sin duda- prestigia la cartelera porteña. 

Ficha técnico-artística:
Autora: Patricia Suárez
Actriz: Susana Di Gerónimo
Asistencia de dirección: María Laura Laspiur
Prensa: Simkin & Franco
Producción ejecutiva y fotografía: Silvina Macri
Dirección: Herminia Jensezian


TADRON TEATRO Y CAFÉ
Niceto Vega 4802 - C.A.B.A.
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar

Entrada: $ 250,00 / $ 180,00 - Domingos, 19:30 hs