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martes, 11 de agosto de 2026

TELEFONISTAS: LA PLAZA SOMOS NOSOTROS

 

Me ha llevado unos días procesar lo que sentí y sentarme a escribir sobre TELEFONISTAS. Porque hay hechos históricos que parecen condenados a una extraña forma de clandestinidad. No están ocultos: ocurrieron, están documentados, tienen fecha, nombres, fotografías, muertos. Y, sin embargo, permanecen en algún borde del relato colectivo, como si nombrarlos le resultara incómodo a “alguien”.

El 16 de junio de 1955 es uno de ellos.

Ese día, aviones de la Armada Argentina, con participación de sectores de la Fuerza Aérea, bombardearon y ametrallaron la Plaza de Mayo y sus alrededores con el propósito de derrocar al gobierno constitucional y asesinar al presidente Juan Domingo Perón. Más de cien bombas cayeron sobre el centro de Buenos Aires. Hubo más de trescientos muertos y más de mil doscientos heridos. Un dato resulta todavía hoy estremecedor: de las más de trescientas víctimas fatales, sólo doce estaban dentro de la Casa Rosada. Las demás estaban afuera.

Trabajaban. Caminaban. Esperaban un colectivo. Iban a la escuela. Hacían un trámite. Cruzaban una plaza. Vivían.

TELEFONISTAS, escrita y dirigida por Martín Ortiz, se mete en ese acontecimiento brutal de una manera teatralmente inteligente: no comienza mirando las bombas. Mira la vida que todavía no sabe que las bombas están por llegar.

Las protagonistas son tres telefonistas de la Casa Rosada. Celeste Gerez, Carla Haffar y Luciana Procaccini –exquisitas las tres- construyen con enorme solidez ese pequeño mundo femenino hecho de conversaciones, risas, chismes, fastidios, complicidades, diferencias, ilusiones y pequeñas miserias. Llegan a trabajar como cualquier otro día. Y nosotros entramos con ellas en esa rutina.

Nos reímos. Ese detalle es fundamental.

Martín Ortiz no nos exige desde el comienzo la solemnidad de quien sabe que está frente a una página trágica de la Historia. Por el contrario: nos deja olvidar durante un rato lo que sabemos. Nos permite compartir la intimidad de esas mujeres, enternecernos, divertirnos con sus ocurrencias, reconocer los mecanismos universales de cualquier grupo de compañeros de trabajo.

La llegada del Coronel —excelente y sutil trabajo de Cristian Sabaz— altera ese ecosistema. Mano derecha del General, su presencia introduce otras tensiones y genera discordias.

Todavía nada parece demasiado grave. Pero algo empieza a filtrarse.

Entre los dimes y diretes aparecen las diferencias políticas, las pertenencias, los prejuicios, las lealtades. Y las traiciones. Y aquello que parecía apenas conversación cotidiana empieza a revelar que ninguna conversación cotidiana está completamente separada de la Historia. Hasta que la Historia entra. O, mejor dicho, cae del cielo.

El autor llama a TELEFONISTAS una “comedia trágica” y explica que su trabajo alrededor de la historia argentina parte de una pregunta: qué sigue viviendo hoy de aquello que alguna vez vivimos como país. Esa voluntad de hacer conversar pasado y presente está explícitamente en el origen de la obra.

Pero hay una decisión de puesta que, para mí, concentra toda su potencia: Las telefonistas están dentro de la Casa Rosada y allí hay un gran ventanal a Plaza de Mayo.

¿Pero qué hay realmente detrás de ese ventanal?

La platea. Es decir: nosotros.

De pronto ocurre algo extraordinario. Teatralmente, la Plaza de Mayo estamos siendo nosotros. Los espectadores somos esa multitud que está afuera. Y entonces la distancia tranquilizadora de los setenta y un años desaparece.

Porque cualquiera de nosotros podría haber estado allí aquel jueves 16 de junio de 1955. Y no hacía falta ser dirigente político, militante ni protagonista de nada. Bastaba con haber ido a un desagravio a la Bandera, cosa a la que –perversamente- habían convocado las Fuerzas Armadas. O estar yendo al trabajo, a la escuela, paseando. Esperando a alguien. Caminando por el centro. Bastaba con vivir.

Quizás ésa sea una de las cosas más inquietantes que puede producir el teatro cuando decide trabajar con la memoria: devolverle cuerpo a aquello que los libros inevitablemente convierten en cifras.

“Más de trescientos muertos” es un dato. Una persona sentada en una platea es un cuerpo. Y cuando la Plaza de Mayo es esa platea, los muertos dejan de ser “aquellos”. Podríamos haber sido nosotros.

Podemos ser nosotros.

Y allí TELEFONISTAS deja definitivamente de ser una obra sobre 1955. Porque sería demasiado cómodo pensar la violencia política únicamente como una bomba que cae de un avión.

No se trata de equiparar acontecimientos ni de decir que un decreto es una bomba. Se trata de preguntarnos cuántas maneras existen de atacar aquello que pertenece a una comunidad. Cuánto daño puede producirse también desde un escritorio, mediante decisiones administrativas, presupuestarias o políticas que recaen sobre cuerpos concretos. Los nuestros.

En la Argentina de hoy perdemos recursos para la salud, la educación pública, las jubilaciones y las prestaciones destinadas a personas con discapacidad. Y hace apenas unos días, el Decreto 687/2026 dispuso formalmente la disolución del Coro Nacional de Niños.

Son discusiones distintas, con dimensiones y violencias que no deben confundirse con las de 1955. Pero el teatro permite formular esa pregunta.

¿Desde dónde llegan hoy las cosas que caen sobre nosotros?

Tal vez por eso importa tanto recordar aquel 16 de junio.

Porque también resulta inquietante que semejante acontecimiento no ocupe todavía en nuestra memoria colectiva el lugar proporcional a su atrocidad: fuerzas militares argentinas bombardeando una ciudad argentina y atacando a su población civil desarmada. El propio sitio oficial dedicado al episodio señala el carácter excepcional de que integrantes de las Fuerzas Armadas de un país bombardearan a su propia población con el objetivo de sembrar terror y tomar el poder.

Y frente a los silencios de la Historia aparece el Teatro. No necesariamente para reconstruir aquello como un museo. Puede hacerlo desde tres mujeres atendiendo teléfonos. Desde un chisme. Una risa. Un enojo. Un hombre entrando a una oficina. Desde la absoluta insignificancia de un día cualquiera que, sin que nadie pueda advertirlo, está a punto de dejar de ser un día cualquiera y modificar la vida para siempre.

Tal vez la enorme virtud de Telefonistas sea no mostrarnos primero las bombas sino aquello que las bombas destruyen: la conversación, el trabajo, la amistad, la rutina, la vida.

Cuando terminó Telefonistas no tuve la sensación de haber mirado hacia 1955. Tuve la incómoda sensación de haber mirado por una ventana. Y de descubrir que, del otro lado, estábamos nosotros. En esa Plaza de Mayo devenida en platea, estábamos nosotros. Y ésa es una imagen difícil de olvidar.

Stella Matute
Agosto´26
Tenerte al Tanto


QUIÉNES LO HACEN: 

Autor: Martin Ortiz

Actúan: Celeste Gerez, Carla Haffar, Luciana Procaccini, Cristian Sabaz

Voz en Off: Carolina Guevara

Vestuario y escenografía: Jorgelina Herrero Pons

Diseño de maquillaje y peinados: Silvia Zavaglia

Música original: Rony Keselman

Diseño De Iluminación: Eduardo Safigueroa

Asistencia de dirección: Violeta Ortiz Laski

Prensa: Paula Simkin

Dirección: Martin Ortiz


DÓNDE LO HACEN: 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - CABA

Los viernes a las 20:30 hs - Hasta el 25/09/2026

jueves, 14 de mayo de 2026

El abrazo de Osmar Nuñez y el corazón de Lorca


Escuchar la palabra de Federico García Lorca siempre es una forma de resistencia. Una resistencia delicada, amorosa, profundamente humana. En tiempos donde todo parece empujar hacia la velocidad, el cinismo y la crueldad, volver a encontrarse con esa escritura tan llena de belleza y de dolor produce algo parecido al alivio.

Eso sucede en Con Federico, el espectáculo de Analía Fedra García protagonizado por Osmar Nuñez con intervenciones de la propia dramaturga y directora. Y sucede desde el primer minuto.

Lorca aparece en toda su dimensión: el poeta, el dramaturgo, el hombre herido, el irónico, el artista que piensa el amor, la muerte, el deseo, la soledad y también el sentido del arte. Qué valiosa resulta la decisión de Analía Fedra García de alternar entre distintas formas de su escritura: cuentos, poesía, escenas teatrales, conferencias, discursos. Ese recorrido no solamente enriquece el espectáculo, sino que le otorga un ritmo permanente, una respiración sensible que evita cualquier solemnidad.

Y en el centro de todo está Osmar Nuñez.

¡Ay, Osmar Nuñez! 

Cuánto talento. Cuánta palabra bien dicha. Qué maravilla verlo atravesar esos textos con semejante verdad. Hay intérpretes que parecen “decir” a los autores y otros que los encarnan hasta volverlos presentes. Osmar pertenece a estos últimos. Habita a Lorca con una profundidad conmovedora, pero también con una enorme sencillez. Sin excesos. Sin artificios. Apenas un actor inmenso dejando pasar la poesía a través de su cuerpo.

Y allí, como un contrapunto, aparece Analía Fedra García en escena. Sus intervenciones airean los climas cuando la oscuridad lorquiana se vuelve demasiado densa. Introduce humor, ternura, cercanía. Le recuerda al público que también se puede respirar dentro del dolor. Ese equilibrio entre emoción y liviandad vuelve al espectáculo especialmente amable. Y qué hermoso es poder usar esa palabra: amable.

Porque Con Federico es un gran espectáculo y también es un abrazo. Una invitación a detenerse un rato y dejarse acariciar el pecho y permitir que la belleza haga su trabajo silencioso sobre el alma.

Stella Matute
Mayo, 2026
Tenerte al Tanto

QUIÉNES LO HACEN

Textos: Federico García Lorca
Dramaturgista: Analía Fedra García
Actor: Osmar Nuñez
Música original y diseño de sonido: Miguel Angel Pesce
Realización de vestuario: Candela Mac Lennan
Realización de objetos: Carlos Miguel Sosa, Sol Scheifer
Diseño de iluminación:Marco Pastorino
Asistencia de dirección:Tomás Scheifer
Dirección: Analía Fedra García

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543
Viernes - 21:00 hs

lunes, 11 de agosto de 2025

UNA MEMORIA LUMINOSA: Marúnica, de Cecilia Hopkins

 

Cuánto ha tardado el mundo en reconocer el talento de algunas mujeres artistas, inmensas. A veces demasiado. La mayoría de las veces. Tal es el caso de Maruja Mallo que perteneció a la Generación del 27, pero el machismo de su época la eclipsó, dejándola en los márgenes de una historia que incluyó a sus amigos y colegas: Rafael Alberti, Federico García Lorca, Salvador Dalí y, más tarde, Pablo Picasso. Maruja fue una mujer libre, revolucionaria, de talento inabarcable, que conoció el exilio y que nunca dejó de luchar por un mundo más justo. Bajo el nombre de Marúnica -uno de sus apodos-, se presenta en el Centro Cultural de la Cooperación, encarnada de manera magistral por Cecilia Hopkins, dirigida por Ana Alvarado, con la noble intención de reparar esa deuda de memoria.

El recurso dramatúrgico del reportaje, atravesando los tiempos de la vida de la artista, es el hilo que permite a la protagonista encarnar dos momentos de Mallo: la juventud, cargada de ímpetu y curiosidad, y la vejez, habitada por la nostalgia y la lucidez de quien ha vivido intensamente. El títere que la acompaña -diseño y realización de Alejandra Farley-, las proyecciones de su obra -armadas con sensibilidad por Ro Larroca, el exacto diseño de luces de Horacio Novelle, el vestuario de Roxana Ciordia y la banda sonora de Nicolás Cardoso, crean un tejido delicado donde el arte, la vida y los recuerdos se funden en una trama que emociona y conmueve.

La dupla artística Hopkins–Alvarado es, sin duda, un hallazgo. Ana Alvarado dirige con precisión y sensibilidad, potenciando el talento de Hopkins, quien despliega en escena su oficio de actriz y bailarina con una naturalidad deslumbrante. Su interpretación transita la ternura, la picardía, la fortaleza y la fragilidad, hasta lograr que quienes no conocíamos a Maruja salgamos del teatro sintiendo que la queremos.

Marúnica es un espectáculo cálido, lleno de imágenes, relatos y nostalgias epocales. Una invitación a mirar de frente a una artista inmensa habitada por otra artista inmensa. Y dejarse conmover por la fuerza intacta de su luz potenciada por la luz de una actriz exquisita. Los viernes a las 20.30 en el Centro Cultural de la Cooperación. Regálense una hora a puro Arte.  

Stella Matute
Tenerte al tanto
Agosto, 2025


QUIÉNES LO HACEN:

Autora e intérprete: Cecilia Hopkins

Vestuario: Roxana Ciordia

Diseño y realización de títere: Alejandra Farley

Edición de sonido: Nicolás Cardoso

Diseño De Iluminación: Horacio Novelle

Fotografía: Alicia Busso

Diseño y realizacion de imagen: Ro Larroca

Asistencia de dirección: Ro Larroca

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Cristina Sisca

Dirección: Ana Alvarado

 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - CABA

Viernes - 20:30 hs

domingo, 3 de agosto de 2025

“LA CULPA ES DE LA TIERRA” - El grupo Libertablas y un acto de amor a Lorca, a la escena, a la vida

 "La tierra canta con voz secreta, con voz de siglos."
Federico García Lorca 

Hay espectáculos que no se miran: se atraviesan. “La culpa es de la tierra”, versión libre de Bodas de sangre de Federico García Lorca , es uno de ellos. Puesto en escena por Libertablas , con la dirección de Gustavo Manzanal y Luis Rivera López —también autor de la adaptación—, esta obra es un grito sagrado y contenido que hace vibrar la piel del público. Y el corazón.

En escena, Mónica Felippa consagra décadas de experiencia en un trabajo sencillamente extraordinario. Y consagratorio, valga la redundancia. Su voz, su cuerpo, su canto, su entrega absoluta, no representan: habitan la pasión, la maternidad, el deseo, el mandato, la contradicción, el miedo, el coraje, la tierra. Su actuación emociona y conmueve desde una exactitud casi ritual. Al borde del abismo, Mónica danza con los espectros de Lorca.

La acompaña Naya Ledesma, creadora de una dramaturgia sonora que no ilustra, sino que respira junto a la palabra. Su música, tan sobria como lacerante, lleva al público al bosque, a la cueva, a la luna sangrante. Su delicadeza en escena alumbra y desgarra.

La versión de Rivera López es de una precisión quirúrgica. No le falta ni le sobra una palabra. Allí está Lorca, sí. Y en él, su España, la represión, el miedo y el deseo de libertad que trascienden geografías.

El vestuario y la escenografía de Alejandro Mateo construyen un mundo de belleza austera, donde una rama puede ser camino, y un tronco puede ser un hombre, una mujer, un puñal o un abrazo. Todo es símbolo. Todo tiene raíz. Todo parece surgir de las grietas secas del alma.

La dirección de Manzanal y Rivera López es una filigrana cuidada al detalle. Y Sergio Rower se pone al hombro la impecable producción, que entre muchísimas otras cosas hace que el público se sienta "como en casa".  Libertablas —con sus 48 años de trabajo colectivo— vuelve a recordarnos que el teatro no es una suma de talentos individuales, sino una trama amorosa, persistente, ética. Porque  este espectáculo es, -además y sobre todo-, un acto de amor. De un grupo hacia una de las suyas. Hacia Mónica Felippa, artista inmensa, compañera entrañable, fuerza vital de la escena. Y, por extensión, un acto de amor hacia todas nosotras, las espectadoras conmovidas que al salir no podíamos más que reflexionar, en un ascensor compartido: “parece que con poco han hecho mucho, pero en realidad es increíble cómo esta gente con tanto, tanto, tanto, nos entreguen un espectáculo tan sencillo, tan profundo, tan grandilocuente en su simplicidad".

Stella Matute
Tenerte al Tanto
Agosto, 2025

QUIÉNES SON:

Actriz: Mónica Felippa

Música en escena, canciones y composición musical: Naya Ledesma

Vestuario, escenografía y títeres: Alejandro Mateo

Iluminación: Luis Alberto Rivera López

Video: Dante Sultani

Fotografía: Lucía Rivera López

Asistencia de dirección: Andrés Manzoco

Prensa: Paula Simkin

Producción ejecutiva: Sergio Rower

Puesta en escena: Luis Alberto Rivera López

Dirección: Gustavo Manzanal, Luis Alberto Rivera López


CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543
CABA - Teléfonos: 6091-7000 int. 8313
Sábados 20:00 hs - Hasta el 30/08/2025


viernes, 24 de mayo de 2024

ALMA MAHLER, una mujer

 "Toda mujer que alguna vez dijo "soy tuya", merece un Mahler."
(Alma Mahler, en palabras de Víctor Hugo Morales)

Hablar de "Alma Mahler - Sinfonía de vida, arte y seducción-" de Víctor Hugo Morales es una tarea titánica cuando la emoción te ha sobrepasado durante todo el tiempo que duró la función... Este espectáculo es una experiencia que te envuelve, te sumerge y te emociona. La sensible escritura de nuestro querido Victor Hugo captura la esencia de Alma Mahler, una figura tan compleja y fascinante, con una delicadeza y profundidad que es difícil de expresar con palabras.

La actuación de la inmensa Raquel Ameri es un auténtico deleite. Le da vida a su personaje con una intensidad y verdad que te hace olvidar que estás viendo una actriz representando, y ves allí, encarnada, a esa mujer entre enojada y divertida que intenta escribir sus memorias. Te hace verla en Viena, rodeada de artistas y músicos, viviendo sus pasiones y tormentos. La conexión que Raquel establece con el público es palpable, creando un puente emocional que atraviesa el escenario y te llega al corazón.

La presencia suave y talentosa de Juan Ignacio López tocando el piano en el escenario completa ese vínculo difícil y pasional que tuvieron Alma y Gustav.

La dirección de Pablo Gorlero es exquisita, cuidada hasta el más mínimo detalle. La puesta en escena, la iluminación, la música (todo pensado para que parezca sencillo lo que es complejo) se conjuga para crear un ambiente que te transporta a otra época y te hace sentir parte de la historia. Es un trabajo meticuloso y apasionado que refleja un profundo respeto por el Teatro, el Arte, y por Alma Mahler.

"Alma Mahler - Sinfonía de vida, arte y seducción-" es  una celebración de la vida, de la lucha de las mujeres por hacer valer sus derechos  y de las emociones humanas. Hablar de este espectáculo es difícil porque las palabras se quedan cortas para describir una experiencia tan intensa y conmovedora.

Solo queda seguir agradeciendo y admirando la grandeza de su autor, que jamás se queda quieto, que nos sorprende a diario con su compromiso hacia nuestro teatro y nuestra cultura, y que, escondido en la primera fila, como un niño frente a una vidriera de juguetes,  sonreía y balbuceaba sus propios textos mientras Raquel Ameri encarnaba a su Alma.

Stella Matute
(Mayo, 2024)

EQUIPO: 

Autor: Víctor Hugo Morales

Actriz: Raquel Ameri

Piano en vivo y música original: Juan Ignacio López

Voz en Off: Fabián Vena

Diseño de vestuario: Vanesa Abramovich

Diseño de escenografía: Nicolas Pol

Diseño de luces: Ricardo Sica

Diseño visual: Moreno Pereyra

Asesoramiento coreográfico: Marina Svartzman

Asistencia de Producción y Dirección: Carolina Liponetzky

Producción ejecutiva: Team 22

Dirección y puesta en escena: Pablo Gorlero

 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - CABA

Jueves - 20:00 hs 

domingo, 12 de mayo de 2024

EL AMOR EN TIEMPOS DE TINDER

“La vida no es lo que uno vivió,
sino la que uno recuerda
y cómo la recuerda para contarlo”
Gabriel García Márquez


"El Mundo en Mis Zapatos 2" NO es la segunda temporada de “El Mundo en Mis Zapatos”. No. Aclaran protagonista y directora todo el tiempo. En todo caso, "El Mundo en Mis Zapatos 2"  es una continuación magistral de aquella cautivadora historia que nos introdujo la primera entrega. Esta secuela, escrita y dirigida Brenda Fabregat y Eloisa Tarruela -mismo equipo de la versión 1- es un espectáculo diferente a aquel primero, que logra superar las expectativas y nos sumerge aún más en el viaje emocional de su protagonista, cuya interpretación es, nuevamente, extraordinaria.

La historia vuelve a llevarnos a vivencias íntimas de la vida Brenda Martínez, encarnada en especie de alter ego por Brenda Fabregat, cuyos gastados zapatos son el símbolo perfecto de sus travesías personales. Con una narrativa hábilmente tejida, el espectáculo explora las complejidades del crecimiento personal, la superación de desafíos y la búsqueda del amor en un mundo en constante cambio y desencuentros contínuos.

Todo en tono de comedia, en el corazón de esta obra se encuentra la entrañable actuación de Brenda Fabregat, cuyo talento se despliega en forma simplemente excepcional. Fabregat da vida a su personaje de manera tan auténtica y emotiva que es imposible imposible que las mujeres no nos veamos reflejadas en sus búsquedas y sus fracasos. Su habilidad para transmitir una amplia gama de emociones con cada gesto y palabra es conmovedora, y su presencia en el escenario ilumina cada momento de la obra.

Dirigida por Tarruela con un toque de magia, la obra se desenvuelve con fluidez y precisión, proponiéndole al público sumergirse en el mundo de emociones profundas y reflexiones desopilantes que propone la historia.

"El Mundo en Mis Zapatos 2" es una obra teatral que encanta y emociona desde el primer momento hasta el aplauso final.

"El Mundo en Mis Zapatos 2" es, en fin, un viaje emocional que invita al público a reflexionar sobre el amor en tiempos de tinder y ghosteos. Con una protagonista dúctil y talentosa que hecha mano a todos sus recursos expresivos,  y una dirección experta y delicada, este espectáculo es una de esas joyitas del teatro independiente porteño que no se pueden perder. Una experiencia teatral que divertirá  y emocionará a todos los que tengan el privilegio de disfrutarla.

Stella Matute
(Mayo, 2024)

 

FICHA ARTÍSTICA y TÉCINICA

Autoras: Brenda Fabregat, Eloísa Tarruella

Actriz: Brenda Fabregat

Ilustraciones: Ona Ballesteros Gravino

Diseño de vestuario y escenografía: Gabriella Gerdelics

Diseño de luces: Ricardo Sica

Música original: Federico Pascarella

Fotografía: Aldo Amura, Agustina Silvestrini

Diseño gráfico: Ona Ballesteros Gravino

Asistencia de dirección: Agustina Silvestrini, Marianella Zappelli

Prensa: Paula Simkin

Community Manager: Agustina Silvestrini, Marianella Zappelli

Producción ejecutiva: Claudia Díaz

Dirección:  Eloísa Tarruella

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 - CABA
Teléfonos: 5077-8000 int 8313 en horario de venta
Sábados, 21:00 hs - Hasta el 29/06/2024

 


viernes, 19 de mayo de 2023

Los empeños de una casa y del buen teatro


Sor Juana Inés de la Cruz escribió “Los empeños de una casa”, por encargo de los marqueses de la Laguna, en el año de 1683. La obra nos cuenta sobre “los empeños” de dos hermanos por conquistar a quienes desvelan sus noches con intensas fantasías amorosas. Don Pedro y Doña Ana están enamoradísimos de Doña Leonor y Don Carlos respectivamente. Pero la cuestión es que los anhelados amores están  enamorados entre sí. La obra es una de aquellas comedias de capa y espada, en donde los varones en cuestión forman parte del mundo de la corte y se baten a duelo por el amor de una dama. Y siempre hay criados dispuestos a ser cómplices de sus amos, llevando, trayendo erráticos mensajes y tergiversando las cosas como para armar los imprescindibles enredos de la trama.

El elenco con su director
¿A quién se le ocurre que en estos atribulados y demenciales  tiempos de lo efímero, tiranía de lo inmediato y abuso de redes sociales,  puede interesar ir a ver una obra escrita en el siglo XVII? A Santiago Doria, por supuesto. El Director de la Compañía Argentina de Teatro Clásico ya nos tiene acostumbrados a disfrutar de sus intensos desafíos y este espectáculo, obviamente, no es una excepción. 

Con su batuta delicada y precisa, logra que esos difíciles textos escritos en versos se vuelvan fluidos  en la voz de los intérpretes y cotidianos en el oído del espectador.


La acción se desarrolla en una casona de Toledo de aquellos años, llena de habitaciones, pasillos, puertas  y portones en los que suceden los encuentros y desencuentros, amores y desamores, equívocos y aciertos.  Sin embargo,  en este escenario sólo hay un cubo, dos tarimas y dos rejas que se convierten “como por arte de gran teatro”  en los muchos recovecos, rincones y vericuetos del hogar noble y señorial.  

El director juega y hace jugar a su equipo que, aún con sus nuevas incorporaciones, se muestra sólido y afianzado. Cada una y cada uno deslumbran en su rol. La exquisita finura de la música original -de Martín Bianchedi-  por momentos acompaña con delicadeza y en otros es casi un personaje más que relata y cuenta. El cuidadísimo vestuario derrocha identidad de clásico y transporta al público hacia la época de la que se habla. Las canciones, las voces, las luchas con espadas, los movimientos coreográficos, aportan ritmo a la escena y lucimiento a las actuaciones. 

“Los empeños de una casa” es un eslabón más en la cadena de oro que va diseñando la Compañía Argentina de Teatro Clásico comandada por el orfebre teatral Santiago Doria. Sin dudas este grupo ha puesto mucho “empeño” por hacernos disfrutar de buen teatro, y lo logra. No se pierdan esta nueva propuesta.


Stella Matute, mayo 2023 


FICHA ARTÍSTICA y TÉCNICA:

Autora: Sor Juana Inés De La Cruz

Versión: Santiago Doria

Elenco: Irene Almus, Mateo Chiarino, Andrés Dadamo, Mónica Dagostino, Maia Francia, Jorge García Marino, Fabián Pandolfi, Francisco Pesqueira, Jazmin Rios

Zapatería Teatral: Amalia Giménez

Luces: Horacio Novelle

Música original: Martin Bianchedi

Fotografía: Fernando Lendoiro

Comunicación visual: Claudio Medín

Diseño gráfico: Fernando Lendoiro

Asistencia de dirección: Jazmin Rios

Prensa:  Haydeé Marocchi

Preparación Vocal: Mónica D´agostino

Producción ejecutiva: Fabi Maneiro

Modista: Jorge Hirschfeld

Dirección: Santiago Doria

 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 – CABA - Teléfonos: 5077-8000 int 8313

Entrada: $ 3.000,00 - Jueves - 20:00 hs - Hasta el 29/06/2023 

domingo, 12 de mayo de 2019

"El lindo Don Diego" o un equipo que promete y cumple




Poner en escena hoy una comedia de enredos escrita en 1654 es un acto de alegre valentía. Y hablar hoy sobre el narcisismo y la vanidad podría leerse casi como un acto de resistencia. En el CCC se ha estrenado una versión de “El lindo Don Diego”, de Agustín Moreto, dirigida con su mano maestra por Santiago Doria, quien ya nos tiene acostumbrados a su ingenio y talentos.  
La obra gira en torno al vanidoso Don Diego que le da nombre al título y se convierte en una metáfora de esta sociedad enloquecida que parece reflejarse en un espejo deformante donde se ve inmensamente hermosa cuando en realidad es ridículamente estrafalaria, tenebrosa y demencial. Tal vez sea esta una interpretación caprichosa de quien suscribe, pero fue a ese lugar al que me llevó la lectura entre líneas de este brillante y divertido espectáculo.
En la historia, Don Diego y Don Mendo llegan a Madrid requeridos por Don Tello su tío para tomar como esposas a sus primas Doña Inés y Doña Leonor. Don Juan, enamorado de Inés, se entera de los proyectos de Don Tello de casar a su hija con su sobrino Don Diego, un rival estúpido fanfarrón y petulante. Con la ayuda del sirviente Mosquito, tejen un enredo para que el Lindo rechace a Doña Inés por emparentar con una rica condesa viuda, que no es otra que la prometida de Mosquito y empleada doméstica de la casa. La obra acaba con un final feliz y un escarmentado Don Diego.
Con una extrema economía de recursos y apoyándose “solo” en el vestuario y el talento de sus actrices y actores, Doria consigue una vez más -con casi idéntico equipo- lo que ya había logrado en su puesta anterior (La discreta enamorada, que le valió varios premios): recrear la época, entretener y divertir.
Cada integrante del elenco exprime el jugo de su personaje imprimiendo brillo, ternura y desopilante gracia a cada uno.
Gabriel Virtuoso, Andrés D´Adamo, Mónica D´Agostino, Ana Yovino, Pablo Di Felice, Irene Almus, Francisco Pesqueira y Gastón Ares son los responsables de dar vida a los desopilantes personajes y entablan un verdadero duelo de talentos.
Un equipo que ya puede decirse que está constituido como Grupo de Repertorio se supera a sí mismo con este trabajo.
"El lindo Don Diego" es un original espectáculo que ningún amante del buen teatro puede perderse. Están ofreciendo sus funciones los domingos a las 19 en el Centro Cultural de la Cooperación antes de partir hacia España para presentar los dos espectáculos que ya tienen en su incipiente y exultante inventario. Como no hay dos sin tres, ya nos ponemos a esperar el próximo proyecto de este equipo de talentosos conducidos por un maestro.
STELLA MATUTE


Ficha técnico-artística

Actores y actrices: Irene Almus, Gastón Ares, Andrés D´adamo, Mónica D’agostino, Pablo Di Felice, Francisco Pesqueira, Gabriel Virtuoso, Ana Yovino
Vestuario: Maydée Arigós
Iluminación: Horacio Novelle, Sebastian Ochoa
Música: Gerardo Gardelin
Fotografía y diseño gráfico: Fernando Lendoiro
Asistencia de dirección: Jazmin Rios
Prensa: Haydeé Marocchi
Producción ejecutiva: Rosalía Celentano
Dirección: Santiago Doria


CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 - C.A.B.A.
Teléfonos: 5077-8000 int 8313
Entrada: $ 350,00 - Domingo - 19:00 hs 
Del 05/05/2019 al 30/06/2019 

lunes, 22 de mayo de 2017

“La discreta enamorada”: un encuentro con todo el oro de aquel siglo.



“La discreta enamorada” es una rara joya en medio de la prosaica Buenos Aires de 2017. Es una reivindicación de las cosas despreciadas por ese utilitarismo contemporáneo del que algunos se ufanan.

Lope, “el Fénix de los ingenios”, se atrevió a debatir con Aristóteles a casi veinte siglos de la muerte del filósofo. Para ello escribió una pieza mayúscula de tono ensayístico, en la que defendió a la comedia ante los severos claustros académicos que la despreciaban por vulgar. A ese ensayo, en el que poética y retórica retozaron a su antojo, la tituló: “Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo” (1609).

Con minuciosa observación, en “La discreta enamorada”, presentada tres años antes de su “Arte nuevo…”, Lope hurga en la psicología femenina. Belisa (tal vez haya que recordar que ese nombre es anagrama de Isabel, el nombre de su esposa muerta en el parto de su segunda hija) necesita compañía para su soledad, y está convencida que el capitán Bernardo va a proponerle matrimonio. Fenisa –hija de Belisa– queda prendada de la apostura de un joven llamado Lucindo. Pero la cosa se complicará porque Lucindo es hijo del capitán Bernardo quien, para desazón de Belisa, elige a la doncella Fenisa para pedir en matrimonio.

Pero aún hay más, Lucindo se bebe los vientos por la cortesana Gerarda, quien lo rechaza coqueteando con un atolondrado Doristeo; un mozalbete bien intencionado pero algo anticuado aun para los albores del Siglo XVII. Claro que la virginal Fenisa no cederá tan fácil al acuerdo que el capitán Bernardo ha celebrado con su madre, si bien a regañadientes de ésta. Y se las arreglará para reemplazar a Gerarda en el corazón, y otras partes, de Lucindo.

La sensual Gerarda al sentirse desplazada empleará todas sus armas para reconquistar la atracción que Lucindo sentía por ella, y –como detalle imprescindible para este género teatral– aparecerá Hernando, el criado de Lucindo, para colaborar en el desenlace. Hernando no dudará en travestirse para servir a su señor, y en aparecer luego como el portador de la verdad.    
La comedia de enredo o de equívoco, eso que la commedia dell’arte nominará: l’imbroglio -arte en el que se lucirá Goldoni así como en Francia lo hará Molière-, encuentra en Lope a quien le sumó su genialidad para poner de relieve la hipocresía de su época, con una perfección matemática que obliga a quien se atreve a encarar la puesta de cualquiera de sus obras a mantener esa curiosa alquimia que une poética con ingeniería.

En este caso el orfebre que se atrevió a tamaña empresa y alcanzó su objetivo con creces se llama Santiago Doria. La economía de recursos con la que Doria ha puesto esta versión de “La discreta enamorada” se agradece desde el principio al final. Sólo dos bancos -devenidos en utilería,  balcones o los pasillos de El Prado- servirán de única escenografía. Son exactos los aportes musicales de Gaby Godman, y se destaca el buen gusto del vestuario de Susana Zilberwarg y el delicado detalle de su dramatúrgica elección de los colores, suavemente apoyados por la atinada iluminación de Leandra Rodríguez.

Finalmente, hay que resaltar un acierto más en el trabajo de Doria y es la elección del elenco.  Sería injusto destacar una labor por encima de las demás. Irene Almus (Belisa), Ana Yovino (Fenisa), Mónica D’Agostino (Gerarda), Mariano Mazzei (Lucindo), Pablo Di Felice (Hernando), Francisco Pesqueira (Doristeo) y Gabriel Virtuoso (capitán Bernardo) se lucen con genuinos recursos en cada una de sus creaciones.

La poética de Lope en las voces de estos intérpretes es una caricia para los oídos, sus actuaciones hacen honor a la maravilla de ese texto; y –en verdad– creemos que este aporte a la cartelera porteña es un oasis donde citarse con la belleza.

Esa cita puede concretarse los viernes y sábados a las 20:00hs, en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación. No se la pierdan, que la belleza no abunda.
F.M. y S.M.



Ficha técnico artística:
Autor: Lope De Vega
Actúan: Irene Almus, Monica D´Agostino, Pablo Di Felice, Mariano Mazzei, Francisco Pesqueira, Gabriel Virtuoso, Ana Yovino
Vestuario: Susana Zilbervarg
Iluminación: Leandra Rodríguez
Música original: Gaby Goldman
Producción ejecutiva: Rosalía Celentano
Asistencia de dirección: Gastón Ares, Jazmin Rios
Dirección: Santiago Doria

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 – C.A.B.A.
Teléfono: 5077-8000
Viernes y Sábado - 20:00 hs - Entrada: $ 250,00 / $ 220,00

jueves, 9 de marzo de 2017

Sucesos literarios argentinos


Rescatar del olvido y defender de la desidia son los objetivos de una narradora que se desafía a memorizar textos de los que queda un solo ejemplar y ya no volverán a editarse. 

Esa mujer extrae de cada cuento el  núcleo espiritual de lo escrito para convertirlo en un torbellino de emoción, creatividad y talento en la palabra hablada. 

Esa mujer transforma y se transforma convirtiendo exquisita literatura en colosal hecho teatral. 
Esa mujer relata, interpreta, compone. 

Y conmueve, conmoviéndose. 

En su voz hablan Ángel María Vargas, Esther Cross, Javier Villafañe, Daniel Moyano, Juan José Saer e Isidoro Blaisten desde el sótano de una “librería de viejo” (de la calle Corrientes) en peligro de extinción. Desde ese sótano ella se proyecta al mundo con su imaginación y hasta se permite la fantasía de enamorarse una vez más en la mítica "Giralda". 

Esa mujer no es otra que Ana María Bovo, la narradora por excelencia de nuestra cartelera porteña, que nos ofrece lo que sin duda es un “suceso literario argentino”. 

Como todo lo que ella hace desde hace tantos años, este espectáculo está desbordado de maestría artística, agudeza estética, sabiduría, chispa y madurez sensible. Con todo ese bagaje convoca al público a un viaje diverso por seis mundos disímiles que proponen emociones, risas y reflexiones teñidas de nostalgia y ternura. 

Bovo ya nos tiene bien acostumbrados a abandonar su platea con sonrisa humedecida a lo que, en este caso, podemos sumarle unos "ojitos llenitos de ayer”. 

La acompaña un equipo de excelencia que aporta lo suyo para tener un gran domingo teatral:   Lina Boselli en la escenografía, Pigu Gómez y Carolina Rolandi en el diseño de luces, Josefina Darriba como asistente técnica, Paula Broner y Bernardo Sabbioni en la asistencia de dirección.

Ojo que está en cartelera hasta el 26 de marzo.
S.M.

Ficha técnica:
Diseño de escenografía: Lina Boselli
Diseño de luces: Pigu Gomez, Carolina Rolandi
Realización de escenografia: Lina Boselli
Fotografía: Pigu Gomez
Asistencia técnica: Josefina Darriba
Asistencia de dirección: Paula Broner, Bernardo Sabbioni
Producción ejecutiva: Paula Broner, Bernardo Sabbioni

Autoría, actuación y dirección: Ana María Bovo, sobre textos de: Isidoro Blaisten, Esther Cross, Daniel Moyano, Juan José Saer, Javier Villafañe



CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543
Teléfonos: 5077-8000 int 8313
Entrada: $ 250,00 - Domingo - 20:00 hs.

miércoles, 1 de junio de 2016

Presentación de "DÍA A DÍA", primer album solista de Lautaro Matute


Lautaro Matute
"Día a día"  
Guitarrista y cantor, miembro del premiado
Ensamble Chancho a Cuerda,
presenta su primer álbum solista llamado 
“Día a día”
en un concierto-celebración junto a músicos invitados.
Jueves 9 de junio 22hs.
Centro Cultural de la Cooperación
Av.Corrientes 1543 – CABA
www.centrocultural.coop  Boletería: (011) 5077-8077 

 Compuesto por trece composiciones originales (incluyendo una musicalización del poema “Un mundo contra la trata” de Luis Pescetti) y una versión de “Tocando al frente” del cantautor brasilero Renato Teixeira,“Día a día” reúne colores y sonoridades del jazz, el folklore y la fusión para apoyar las canciones de Lautaro cuyas letras reflexionan acerca de distintos aspectos de la vida urbana, la melancolía, la alegría y el amor.
Además de sus aportes como multi-instrumentista grabando voces, guitarras, bajos eléctricos y contrabajos participan como invitados: Jonatan Szer (Embichadero) y Agustín Lumerman (ECC) en percusión,Nahuel Carfi (ECC) en piano y Nicolás Rallis (ECC) en voz. “Día a día” fue grabado por Francisco “Panchi” Stuart Milne en Estudio NN, por Victor Rallis en Estudio Ultraverde, masterizado porSebastián Andreatta en Orange Soundstudio y editado por el sello de gestión colectiva Elefante en la Habitación!












Sobre Lautaro Matute
Lautaro Matute lleva más de diez años participando de proyectos musicales como intérprete, compositor y arreglador. 
Forma parte del Ensamble Chancho a Cuerda, junto a quienes editó tres discos: “Contrastes” (Independiente),“Subversiones” (Vinilo Discos / Ganador del Premio Gardel 2013 a Mejor álbum Instrumental/Fusión/World music) y“Deconstrucción” (NoSeso Records / Nominado a los Premios Gardel 2015 en el rubro Ingeniería de grabación) y compartió escenario con artistas como Liliana HerreroLeo MaslíahBenjamim TaubkinNá OzzettiFacundo GuevaraHernán RíosCarlos MoscardiniVitor RamilHugo Fatorusso y Luiz Carlos Borges entre otros. Como intérprete integró diversos grupo de folklore argentino y latinoamericano como Negros de miércoles (dirigido por Hubert Reyes), el conjunto de su padre Nahuel Porcel de Peralta y el trío del cantautor Nicolás Rallis. Participó además de la grabación del DVD “El fin de la radio” como parte de la Orquesta de Cámara La Tribu
Como compositor y arreglador realizó música para cine y teatro.


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