UNA FAMILIA MUY NORMAL

 

"Familia" es una obra teatral que desafía las convenciones con su enfoque hilarante sobre temas familiares complejos y a la vez disparatados. Inspirada en la película de Fernando León de Aranoa, esta producción despliega un enfoque absurdo y refrescante que le propone al reir carcajadas desde el primer al último momento. La trama, que navega por las dinámicas familiares disfuncionales, la soledad, las elecciones, se convierte en un festín, con diálogos ágiles y situaciones absurdas que mantienen al espectador entretenido y alerta.

Bien dirigida por  Sebastián Bauzá, lo más destacado de "Familia" es su elenco homogéneo, cuyas actuaciones se complementan perfectamente para llevar a cabo esta comedia muy entrenida. Cabe destacar el trabajo de Amancay Espíndola, encarnando una abuela desopilante y haciendo gala de su talento y su conocimiento escénico. De todos modos, cada actor aporta su propia chispa al escenario, creando una química palpable.

Pero más allá de la diversión, "Familia" logra algo más profundo: nos recuerda la importancia de encontrar la risa en medio del caos familiar. Aborda temas universales con una perspectiva humorística, recordándonos que incluso en los momentos más difíciles, el poder de la risa puede ser sanador. En resumen, "Familia" es una obra que nos hace reflexionar, reír y, sobre todo, apreciar el caos reconfortante -y muchas veces oscuro- de nuestras propias familias.

Stella Matute

(mayo, 2024)

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autor: Fernando Leon De Aranoa

Elenco: Christian Bellomo, Pato Censi, Amancay Espíndola, Valentina Frione, Segundo Pinto, Lorena Saizar, Antonela Scattolini Rossi, Mariano Ulanovsky, Bianca Vicari

Vestuario: Micaela Sleigh

Escenografía: Magali Acha

Redes Sociales: Candela Burruchaga

Diseño De Iluminación: Claudio Del Bianco

Fotografía: Christian Inglize

Diseño gráfico: Nicolas Risso

Asistencia de iluminación: Maitena Bochetto

Asistencia De Producción: Clara Romero Oro

Asistencia de dirección: Ezequiel Franco

Productor asistente: Diego Alsúa

Prensa: Candela Burruchaga

Producción: Victoria Alsúa

Dirección: Sebastián Bauzá

TEATRO BORDER

Godoy Cruz 1838 - Teléfonos: 5236-6183

Viernes - 22:30 hs - Hasta el 05/07/2024

Morriña hecha espectáculo: "Aquella máquina de coser... por el mundo adelante", de Mirta Mato

 

El paisaje, la distancia, el idioma, el lenguaje, la enagua, aquel florero, los fusiles, la carpetita tejida, las luchas, las ventanas, las esperas, los dolores, la esperanza, el barco, el baúl, la máquina de coser…

Filomena y José; Saturnina y Constantino;  Justa y Julián; Julia y Salustiano… y tantas otras y tantos otros. Que somos nosotras y nosotros.

Poner en valor los recuerdos, la memoria. Saber que de ahí venimos y hacia ahí vamos como un espiral centrifugo de nuestra historia, de nuestros ancestros, de nuestra estirpe. De nuestro pasado que ha caminado y sigue caminando terco hacia el futuro.

En “Aquella máquina de coser… por el mundo adelante”, la dramaturga y actriz Mirta Mato nos da la mano y nos invita a transitar con ella los laberintos de sus reminiscencias familiares que son las de muchas y muchos, que son las mías y las de mi familia. Inmigrantes que vinieron a América con el equipaje lleno de sueños y penas. Y herramientas… Herramientas para construir una nueva vida. Para Filomena Mato esa herramienta fue una máquina de coser que su hermano rescató de una trinchera. Esa máquina de coser fue su hilo umbilical con la tierra natal de la que fue expulsada por el hambre y la guerra. Esa máquina de coser atravesando generaciones como herencia de un linaje, de una historia de resiliencia femenina a lo largo de la historia.

Tanto la escritura como la actuación de Mirta Mato tienen la potencia de lo autobiográfico. La emoción de lo sanguíneo. La ceremonia del homenaje. Y la delicada dirección de Ana María Bovo hilvana suavemente la trama como la mano de una abuela cose el vestidito a su descendencia. El recorrido se desenvuelve entre las humildes casas de Galicia, la oscura Argentina de los años setenta hasta el destello desesperanzado del presente. Ese relato que gira en torno a esa “Naunan” que cruzó el océano hace más de un siglo, se enarbola en homenaje no sólo a la abuela de Mirta sino a todas las mujeres que realizaron trabajos invisibles y las actividades domésticas que construyeron la base para una autonomía económica de la mujer.

La obra, inédita,  fue seleccionada para la 17º Edición del Ciclo Teatro x la Justicia 2023, que cada año organiza el Teatro Tadrón. Y en ese espacio se ofrecieron diez funciones con entrada gratuita. El sábado 12 de agosto se aplaudió de pie la última función de este ciclo, pero el equipo ya está trabajando para reponer el espectáculo en algún espacio de la cartelera porteña. Estén atentos. Y en cuanto se anuncie el reestreno, no duden en reservar sus entradas para ingresar al recorrido de esta tierna memoria que conmueve, emociona e interpela.

Stella Matute

Agosto, 2023

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA:

Autora: Mirta Mato

Actriz: Mirta Mato

Edición de sonido: Jorge Corti

Diseño De Iluminación: Cristina Lahet

Fotografía: Silvina Macri

Diseño gráfico: Ignacio Blanco

Asesoramiento dramatúrgico y Dirección: Ana María Bovo

Producción: TADRON Teatro

"El zoo de cristal", una versión que la trae al presente

 

¿Qué puede fallar si juntamos al gran Tennessee Williams y al gran Mauricio Kartun? Nada puede fallar y nada falla en esta propuesta recién estrenada. “El zoo de cristal”, es –sin dudas- una de las obras maestras del admirado autor estadounidense y  acaba de llegar a la cartelera porteña versionada por el admirado autor argentino.

La obra relata la vida de la familia Wingfield, una familia de los años 30 que vive en el sur de los Estados Unidos, compuesta por Tom, Laura y la madre de ambos: Amanda, una mujer obsesionada por salir de la pobreza y casar a su hija Laura, que padece una leve renguera lo que la estigmatiza en una muchacha insegura y tímida. Tom, por el contrario, es el hijo rebelde que se debate entre el “deber ser” y el atractivo mundo de los deseos y los sueños. Completa la historia el personaje de Jim, compañero de estudios y trabajo de Tom y devenido en el anhelado pretendiente para Laura por argucias de Amanda y obediencia de Tom. Jim es todo lo que Amanda desea para el futuro de Laura y también es la inevitable frustración.

Con dirección de Gustavo Pardi, esta versión parece estar hecha para que Ingrid Pelicori -otrora una inolvidable Laura y ahora una extraordinaria Amanda-, Malena Figó –desplegando toda su sensibilidad para encarnar una entrañable Laura-, Agustín Rittano destacándose en la piel del atormentado Tom y Martin Urbaneja en un memorable Jim, se saquen chispas en el escenario en un duelo de talento actoral.  Pardi ha sacado lo mejor de cada une de elles y también ha aprovechado al máximo el talento de cada responsable de las diferentes áreas que integran el equipo. La escenografía, el vestuario, las luces, la música completan un espectáculo de exquisita belleza.

Ingrid Pelicori maneja con maestría a esa mujer resentida, manipuladora, abandonada por su marido pero que ama a sus dos hijes más allá de sus errores maternales.

Malena Figó atraviesa la inocencia y la timidez de Laura, componiendo una criatura tan frágil como sus atesorados animalitos de cristal. Deliciosa, conmueve y emociona.

Tom, hijo y hermano mayor, soporta el peso de los momentos culminantes de la obra, y Agustín Rittano le saca el jugo a cada uno aportándole una ternura estremecedora.

Por último, Martín Urbaneja le ofrenda sus talentosos dones a un Jim que representa una burbuja de oxígeno a esa familia que se ahoga en sus dolores y frustraciones.

La versión de Mauricio Kartun respeta al máximo la magnanimidad de la célebre obra de Tennesse pero la acerca a nuestros días, convirtiendo a esa familia en cualquier familia aspiracional y fracasada de este tiempo. El espectáculo de Gustavo Pardi logra interpelar a las y los espectadores (especialidad tanto del autor original como del autor versionante) haciéndonos reflexionar sobre la insondable naturaleza humana.

Los martes a las 20 en el Picadero. 

STELLA MATUTE
Agosto, 2023

Autor: Tennessee Williams

Versión: Mauricio Kartun

Elenco: Malena Figó, Ingrid Pelicori, Agustín Rittano, Martín Urbaneja

Diseño de vestuario: Julio Suárez

Diseño de escenografía: Cinthia Chomski

Música original y diseño sonoro: Silvina Aspiazu

Diseño De Iluminación: Horacio Novelle

Fotografía: Nacho Lundadei, Federico Sosa

Prensa: Marcos Mutuverría

Asistencia de dirección: Carolina Krivoruk

Producción artística y ejecutiva: Alejandra Garcia

Dirección de arte: Stella Maris Santiago

Dirección: Gustavo Pardi

 

TEATRO PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857

CABA - Teléfonos: (+54 11) 5199 5793

MARTES, 20 HS. 

 

SÍ / NO / INTERROGANTE - O lo efímpero de lo imprescindible

 VITALICIOS, de José Sanchís Sinisterra

¿Cuánto estamos dispuestos a hacer para salvar nuestros trabajos y –tal vez- nuestra vida? Tal vez sea ese el planteo macro de “Vitalicios”, la obra del inmenso autor español José Sanchis Sinisterra que se está ofreciendo los viernes en La Carpintería bajo la dirección de Mónica Benavidez.

En el quinto subsuelo de una ignota dependencia cultural, que depende –valga la redundancia- de algún también ignoto ministerio nacional, tres, más ignotos aún, funcionarios devenidos en empleaduchos trabajan en la desagradable tarea de aplicar a destacados artistas, otrora premiados, un criptográfico destino. Deben asignarle a cada uno la calificación de: Sí, No o Interrogante.

Basilio, Carlota y Adrianita –encarnados de manera desopilante por Pablo Flores Maini, María Rosa Frega y Cecilia Cósero, respectivamente- son los responsables de semejante arbitrariedad. Convencidos de que llevan adelante una loable tarea de reducir el gasto del Estado, ponen el destino de los “premios vitalicios” en una especie de sorteo con decisiones que atraviesan lo insensato y disparatado. No es la primera vez que llevan adelante una tarea como esta. Ya se han ocupado antes de oscuras faenas “ministeriales”.

Los tres personajes están literalmente encerrados en un quinto subsuelo y su único contacto con el exterior es un montaplatos, un altoparlante y un Handy pero eso lejos de llamarles la atención los enaltece en su tarea.

El humor con el que Mónica Benavidez a abordado la temática, ayuda al público a soportar lo angustiante del profundo plateo de la obra: ¿cuándo pasamos para el Estado de ser imprescindibles a una prescindibilidad impiadosa? ¿En qué cambio aleatorio –y azaroso- de mirada podemos quedar fuera del sistema? Sobre todo si de Cultura se trata…

Después de la carcajada, el sabor es amargo. Muy amargo.  

El equipo artístico y técnico del espectáculo acompaña en su buena factura. 

Stella Matute

Septiembre, 2022

FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA:

Autor: José Sanchis Sinisterra

Elenco: María Rosa Frega, Pablo Flores Maini, Cecilia Cósero

Vestuario: Jorgelina Herrero Pons

Escenografía: Eduardo Spindola

Luces: Horacio Novelle

Musicalización: Sergio Klanfer

Asistencia de dirección: Claudia Díaz

Prensa: Paula Simkin

Dirección: Mónica Benavidez

LA CARPINTERÍA
Jean Jaures 858 – CABA

Viernes - 20:00 hs

De cómo unas victimarias nacieron de ser víctimas

Cuando entramos a la sala ya sabemos el final de la historia que vamos a ver. Se basa –y lo dice la gacetilla informativa- en el crimen de las hermanas Papin, que en 1933 entraron a la parte oscura de la historia asesinando a la esposa y la hija de su patrón. Sin embargo, conocer hacia dónde va la historia que se está contando no evita el suspenso y la tensión que el espectáculo propone.

Dos hermanas. Una infancia de violencias, abusos y abandonos que las destina a una primera –o segunda, tal vez- prisión: la casona de una familia ricachona que las tiene como empleadas domésticas pero las trata como esclavas.

En ese encierro, ellas, de manera inevitable, se construyen sus libertades. Fantasean con irse lejos, con ser otras, con amar y ser amadas, con desear y ser deseadas. Siempre juntas. Siempre unidas. Siempre fusionada, casi mezcladas. Y con un único, inevitable, destino trágico.

Héctor Levy-Daniel, autor y director de la obra, se ha dado en este proyecto varios gustos y varios lujos. Volver a contar una historia conocida -abordada por grandes artistas e investigadores de la humanidad como Jean Genet, Jacques Lacan, Claude Chabrol, Paulette Houdyer, Jean-Pierre Denis- y salir no sólo bien parado sino con un producto brillante, es un mérito de una inmensidad destacable. Y armar un elenco contando con actrices de la estatura interpretativa de Brenda Fabregat y Daniela Rizzo en la díada de las hermanas, y Laura Silva en el de la patrona/madre bordea la perfección.

Brenda Fabregat en el rol de Lina, la más fuerte y rebelde, muestra un abanico expresivo que conmueve e interpela. Es una animal de teatro en carne viva, se mueve en el espacio escénico con una soltura enternecedora y desgarradora al mismo tiempo. Y tiene en Daniela Rizzo, como la sumisa y débil Alba, a la compañera consumada, exacta, brutal y dolorida. Son dos y son una. Se aman y se odian. Se atraen y se repulsan. Danzan –magnífico trabajo coreográfico de Teresa Duggan-, se miden, se abrazan, se agreden, se enredan, se agigantan en un solo cuerpo que son dos. Mientras avanza el espectáculo se vuelven un anatema implacable. Ambas muestran una ductilidad física, vocal y sensible que hipnotiza. Laura Silva las acompaña y las motiva en un gran contrapunto dándole a su criatura fiereza y ternura en justa medida.

Párrafo aparte para la música y la iluminación de Eduardo Zvetelman y Ricardo Sica, respectivamente, que se vuelven personajes indispensables para completar el relato.

Imposible no salir conmovido. Y ojalá todas y todos quienes pasen por esa platea y se dejen llevar por esta penosa historia, puedan preguntarse por el lugar de una sociedad que siempre condena sin preocuparse por el detrás de una tragedia. No hay que matar. Y jamás la justicia por mano propia está justificada. Pero sepamos –enterémonos de una vez y para siempre- que la injusticia social se paga con injusticias. Y las víctimas suelen convertirse en victimarios por prepotencia de violencias, atropellos y crueldades.

No se pierdan la desmesura teatral que es “LAS FUGITIVAS”.

Stella Matute

Setiembre, 2022

FICHA ARTÍSTICA/TÉCNICA

Autor: Héctor Levy-Daniel

Actrices: Brenda Fabregat, Daniela Rizzo, Laura Silva

Vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde

Diseño de luces: Ricardo Sica

Música original: Eduardo Zvetelman

Fotografía y diseño gráfico: Camila Levy-Daniel

Asistencia de dirección: Laura Otermin

Coreografía: Teresa Duggan

Dirección general: Héctor Levy-Daniel

 

EL CRISOL

Malabia 611 – CABA - Teléfono: 4854-3003

Domingo - 18:00 hs

Rabioso o Arlterado, hay un juguete que siempre interpela

 

La vida y la muerte. Las luces y sombras. La lealtad y la traición. El amor y el odio. Antagonismos  que están siempre presentes en las obras de Roberto Arlt y también en las de Luis Sáez, que en el caso de Juguete Arlterado se unen en una sola obra. Porque Luis Sáez ha jugado en esta obra con todo el admirado universo de Arlt generando un nuevo universo que los une y los distancia al mismo tiempo. Y a eso se une la siempre potente mirada de Fernando Alegre. El material tiene la posibilidad de abrir sentido, de no encerrarse en un cariz unívoco sino permitir diferentes lecturas, giros y direcciones,  y Alegre ha aprovechado al máximo esa generosa opción. El director, sin dudas, ha hecho uso de eso y le ha dado al material un abordaje particular que potencia la potente palabra del autor.   El resultado es un poderoso espectáculo que incomoda e interpela.

La decisión monocromática de la puesta subraya la soledad, la desesperación y lo sórdido de esos personajes marginales y desencantados. El uso de una maquinaria escenográfica permite el armado de diferentes espacios que van desde un sótano sombrío a una cárcel tenebrosa. Desde una casona antigua a una calle marginal. Desde una cocina miserable a una tiniebla temeraria.

Dos personajes caídos del sistema se buscan y se rechazan para modificar su suerte. Bordean la delincuencia justificando destinos. Se aman y se odian en ese submundo que los contiene y los expulsa. Hasta que la traición los deja en diferentes lados de una grieta. Siempre una grieta. De ahí en más el conflicto toma un ritmo vertiginoso y el público ingresa en ese vértigo. Nadie queda ajeno a preguntarse de qué lado estamos.

Omar Lopardo despliega un abanico interpretativo deslumbrante. Y lo acompaña con gran eficacia Jorge Taiana en el contrapunto. La música y las luces son dos personajes más que interactúan en la historia.

“Juguete Arlterado” es un gran espectáculo con aristas de épica.

No se lo pierdan. Los lunes a las 20 hs. en el Teatro del Pueblo.

Stella Matute

Agosto, 2022

FICHA ARTÍSTICA-TÉCNICA:

Autor: Luis Sáez

Actores: Omar Lopardo, Jorge Taiana

Escenografía y Vestuario: Pablo Graziano

Diseño de luces: Fernando Alegre

Música: Manuel Perez Vizan

Asistencia de dirección: Javier Moreira

Dirección: Fernando Alegre

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 – CABA - Teléfono: 75421752

NÉSTOR, el presidente militante. O "Néstor no se murió..."

 

Sin dudas, hace falta valentía –y mucha- para cambiar el rumbo de un país. Y hace falta valentía, también,  para ponerse en la piel de ese que cambió el rumbo de un país a diez años de su fallecimiento. Dos valientes. Y los dos se llaman Néstor.

El segundo es Néstor Sánchez, exquisito actor que enfrentó el desafío del encarnar al primero que fue/es  nada más y nada menos que Néstor Carlos Kirchner. Nuestro Presidente militante. Antes, hubo otros dos valientes: el que escribió la historia y el que la adaptó para teatro. Gabriel Pandolfo y Enrique Federman (quien también dirige la propuesta) respectivamente.

El resultado es un sensible espectáculo que bordea el bio-drama, y nos trae -a quienes lo amamos y extrañamos- al querido Néstor Kirchner un ratito de vuelta. Utilizando con gran acierto recursos audiovisuales y lumínicos, Federman se apoyó fundamentalmente en el talento, la entrega y la sensibilidad de Néstor Sánchez quien, sin asomarse en ningún momento a la imitación,  logra un conmovedor parecido con el Néstor Presidente. La historia del peronismo, del kirchnerismo, del país de las últimas cuatro décadas y del hombre que nos devolvió la esperanza desde su juramento presidencial hasta el día de su fallecimiento,  están narradas con maestría  en un pequeño escenario donde sólo hay una mesa, dos sillas, una pantalla y el cuerpo dúctil y dispuesto de un actor comprometido con su tiempo y sus acontecimientos.

La música original del Gran León Nacional –Gieco- aporta emoción y ternura al relato.

Nada de lo que en ese escenario sucede puede generar sorpresa en quienes hace tan poco vivimos y transitamos los hechos que allí se cuentan. Sin embargo todo es sorpresa en ese recorrido que Sánchez propone calzándose a Kirchner en su piel como un guante y en su alma como una desmesura de nobleza.

El espectáculo no es imparcial. Y no le da al público presente ninguna posibilidad de serlo. Cuando las luces se encienden y Néstor vuelve a ser Sánchez, una infinidad de voces se suman al corazón de ese  público que canta –en silencio o a los gritos- “Néstor no se murió, Néstor no se murió…”

No se la pierdan. Quedan muy poquitas funciones en la sala Dumont. Luego, seguramente rodará por espacios militantes, pero vale la alegría verla en su lugar original, donde la técnica es impecable. 

Stella Matute
Agosto 2022

FICHA ARTÍSTICO/TÉCNICA:

Dramaturgia: Enrique Federman - Sobre textos de Gabriel Pandolfo

Actor: Néstor Sánchez

Vestuario, escenografía y maquillaje: Lula Rojo

Pelucas: Mónica Gutiérrez

Diseño de luces: Omar Possemato

Diseño De Sonido: Pablo Martín

Edición de video: André Palacios

Música original: León Gieco

Asistencia de dirección: Daniel Ceriotti

Producción ejecutiva: Vanina Fabrica

Producción general: Maximiliano Altieri

Dirección: Enrique Federman

DUMONT 4040

Santos Dumont 4040 – CABA - Teléfono: 011-23967013
Domingos 20.30 hs. hasta el 28 de agosto

Stefano, la potencia de nuestros ancestros

 

Mis cuatro abuelos eran españoles. Los cuatro llegaron a “l´América” por separado y cargados de ilusiones entre 1905 y 1909. Por esas cosas de la inmigración, los cuatro viajaron casi mil kilómetros entre el Puerto de Buenos Aires y una tierra promisoria llamada Mendoza. Los cuatro fueron casi fundadores de San Rafael, lugar donde yo, muchos años más tarde, nací.

Mi abuelo paterno se suicidó a los 33 años y su mujer lo siguió muy poco después, dicen que de tristeza. Dejaron tres hijos pequeños. Uno de ellos fue mi padre, que se quedó huérfano a los seis años. A mi padre lo adoptaron otros inmigrantes españoles que ya eran padres de cuatro varones y una mujer, que luego fue mi madre. Sí, mi padre y mi madre, hijos de inmigrantes, se criaron casi como hermanos dentro de una comunidad endogámica que se sostenía en las tristezas que la emigración primero y la inmigración después dejan como huellas imborrables. Mi abuela materna también se quedó viuda muy joven y  fue la que más sobrevivió a esas tristezas que la horadaban. Sin perder nunca su acento castizo siempre hablaba de su tierra, del hambre, de la desesperanza, del viaje en barco, de la pérdida de unos de sus hermanitos en el puerto, al que no volvió a ver nunca más, y del comienzo de la nueva vida en ese pueblo argentino que la había recibido y que ella amaba.

Emigración. Inmigración. ¿De cuántas tragedias, de cuántas ilusiones perdidas, de cuántas familias destrozadas, hablamos cuando hablamos de estas cosas? ¿De cuántas esperanzas, de cuánto esfuerzo, de cuánta lucha, de cuánta frustración?

La obra teatral “Stefano”, de Armando Discépolo, está escrita en 1928. Y narra mucho de lo que narraba mi abuela, pero en una familia italiana. La ilusión, la esperanza, la frustración, el fracaso, la muerte prematura. Muerte decidida o prepotente, da lo mismo.

Siempre es una ilusión y un desafío de los grandes para un elenco encarar la puesta en escena de “un Stéfano”, y si además es en el territorio del teatro independiente, ese desafío se agranda en forma desmesurada. Y la ilusión también. Ilusión y desafío parecidos a aquellos de los inmigrantes que poblaron esta tierra en los comienzos del siglo XX y que tan bien retrata Discépolo en sus obras.

La versión que se está ofreciendo todos los sábados en el Teatro La Máscara atesora esa  ilusión y supera el desafío. 

Osmar Nuñez a cargo de la dirección y puesta en escena logra atravesar tiempos y espacios y hace que Stéfano sea un hombre de 1928 y al mismo tiempo uno que camina hoy nuestras calles. Y también su exquisita batuta hace que todos los instrumentos humanos que habitan ese escenario suenen en una misma frecuencia, y actrices y actores no desafinen nunca. Todo el elenco suena en una armónica melodía.

Jorge Paccini y Elena Petraglia encarnando a María Rosa y Don Alfonso, se calzan al eterno e indisoluble matrimonio que pareciera moverse en una coreografía sin fisuras. El dúo le pone el tono justo al grotesco y la tragedia en el comienzo del espectáculo y diseña el camino para que el resto del elenco lo recorra con soltura.

Párrafo aparte para Norberto Gonzalo que carga con el peso de la complejidad de ese personaje protagónico y la alegría de su sueño cumplido. Ha encontrado, sin dudas, en Stefano al personaje exacto para calzarle su piel y su alma. Lo encara con una sensibilidad que emociona. Parecería que su extensa trayectoria actoral se ha puesto al servicio de esta criatura que atraviesa a la platea con su tragedia.

Osmar Nuñez, nuestro inmenso actor, ha elegido para dirigir este espectáculo un equipo que entendió su propuesta y la potenció; la escenografía y vestuario de Alejandro Mateo le aporta belleza al dolor gris de esa historia que sucedió comenzando el siglo XX y se extiende hasta el transcurso de estos atribulados tiempos que vivimos. La puesta y la dirección de actores de un director que es actor, devienen en un gran espectáculo en el que priman la sencillez y la nobleza.

Cuando la luz comenzó a bajar sobre el escenario y los acordes finales de los delicados arreglos musicales de Gerardo Amarante sonaron, entre lágrimas vi como mis cuatro abuelos se abrazaban emocionados en el fondo del escenario, detrás de esa foto final de la familia de Stefano.

Stella Matute

Agosto, 2022

FICHA ARTÍSTICO/TÉCNICA:

Autor: Armando Discépolo

Elenco: Norberto Gonzalo, Patricio Gonzalo, Pablo Mariuzzi, Jorge Paccini, Elena Petraglia, Paloma Santos, Lucas Soriano, Maria Nydia Ursi-Ducó

Diseño de vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Cristina Lahet

Fotografía: Ana Maria Ferrari

Diseño gráfico: Leandro Correa

Asistencia artística: Mónica Benavidez

Asistencia de dirección: Ruth Scheinsohn

Prensa: Marcos Mutuverría

Arreglos musicales: Gerardo Amarante

Producción ejecutiva: Claudia Díaz

Dirección: Osmar Nuñez

TEATRO LA MÁSCARA - Piedras 736- CABA - Reservas: 4307-0566

Sábados 21 hs. 

Familia muy normal

 

Un matrimonio y un hijo que no sale de su cuarto. Todo parece indicar que es una familia normal con problemas normales. Una dulce madre, simpática, un tanto sobreprotectora y un padre que desea poner límites pero se limita a aceptar lo que decide su mujer. Un chico con algunos problemas de conducta que vive encerrado en su habitación. En fin, una familia como cualquiera. Pero las apariencias suelen engañar y este es uno de esos casos.

“El chico de la habitación azul”, de Miguel Angel Diani, transcurre su primer mes de funciones en el Teatro del Pueblo. Hugo Men, Amancay Espíndola y Gabriel Nicola (por orden de aparición) se ponen en la piel de padre, madre e hijo de este núcleo familiar que esconde más de lo que muestra hasta que las evidencias ya no pueden ocultarse.

La dramaturgia de Diani es feroz. Un espejo deformante de una sociedad que intenta siempre barrer los horrores bajo la alfombra. Su obra no tiene filtro ni piedad pero derrocha humor, aunque sea del negro. En este caso la historia bordea lo pérfido para internarse en el horror. Uno de los muchos horrores, tanto micros como macros, que solemos leer en los diarios o ver en la tele todos los días. Diani y Enrique Dacal –el director- nos lo muestran en vivo y en directo. Entonces reímos. Para distanciarnos. Para protegernos. Para seguir mirando para otro lado mientras el teatro simplemente nos devuelve una realidad sólo un poco exagerada.

El elenco ofrece un gran compromiso con esa historia sagaz. Cada uno aporta su costado taimado para brindarles a sus criaturas la verdad de lo inverosímil, o viceversa. Seductora elección de Amancay Espíndola en la construcción de una madre distraída, cálida, risueña y hasta un tanto ingenua que la libera del verdadero rol de cómplice silenciosa y arquitecta fundamental de lo maligno. Hugo Men y Gabriel Nicola  se sacan chispas –como suele decirse- en sus roles de padre e hijo respectivamente. Ambos aportan las cuotas de malignidad y ternura necesarias para edificar esa familia de valores genuinos e íntimos. Enrique Dacal eligió el camino del naturalismo para contar lo siniestro.

Un desafío para el espectador dejarse llevar por esa historia que nos es ajena y propia a la vez, lejana y cercana, tan antigua como reciente.

No se la pierdan.

Stella Matute

Julio, 2022

FICHA ARTÍSTICA- TÉCNICA:

Autor: Miguel Angel Diani

Actúan: Amancay Espíndola, Hugo Men, Gabriel Nicola

Vestuario y escenografía: Agustin Justo Yoshimoto

Asistencia de dirección:Bea Apás

Prensa: Giacani-Lauro Comunicación

Producción ejecutiva: Paola Gómez

Puesta en escena y dirección: Enrique Dacal 

TEATRO DEL PUEBLO

Lavalle 3636 – CABA - Teléfonos: 75421752

Sábados 17 hs.