"CUARTELES DE INVIERNO", un desafío muy bien logrado

Dos hombres. Un boxeador venido a menos y un cantante de tangos otrora prestigioso. Una estación de trenes de un pueblo perdido que festejará su aniversario en tiempos de horror, uniformes y botas. Allí se conocen esos dos solitarios que se miden desde sus diferentes perspectivas. Pronto irán descubriendo cosas en común: la dignidad, por ejemplo. Ambos se sienten por fuera de la política pero eso no les evitará enredarse en problemas con los autoritarios poderosos del lugar. Muy pronto se verán envueltos en un mundo brutalmente despótico y opresor. Justamente eso es lo que los unirá en una amistad sin tregua donde la lealtad superará toda diferencia.

“Cuarteles de invierno” es una de las novelas más emblemáticas del admirado escritor Osvaldo Soriano. Escrita y publicada en los tiempos oscuros de la dictadura militar argentina, pronto se convirtió en una burbuja de oxígeno para quienes nos sentíamos ahogados por la falta de aire de esos días. Ni bien se restauró la Democracia en el país, Lautaro Murúa llevó una versión al cine que también se convirtió muy pronto en un éxito.

Con todo ese buen peso sobre los hombros, el autor y director Daniel Moreno decidió llevar adelante una versión teatral de la legendaria novela. Y sale más que bien parado de tamaño desafío, poniendo en escena un espectáculo sólido en actuaciones, bello en imagen y sintético en relato. Con gran economía de recursos y sosteniéndose en el trabajo, los cuerpos y el talento de sus actores, el espectáculo entretiene, angustia y divierte.

Norberto Gonzalo, Luis Manchini, Jorge Noya, Daniel Toppino y Néstor Villa se mueven cómodos en sus roles, doblan personajes, asfixian y dan respiro, logrando recrear el clima de ese pueblo atravesado por el depotismo y la tiranía. El miedo, la lealtad, la solidaridad, el horror y la venganza son algunos de los temas con los que este espectáculo se mete, haciendo honor al gran texto del querido Gordo Soriano.

La cita es: DOMINGOS 18.15 en NoAveztruz, Humboldt 1857 (hasta el 25 de agosto). 

No se lo pierdan.

Stella Matute

"Un domingo en familia", un alarido social en forma de espectáculo teatral

"Un domingo en familia", de Susana Torres Molina no es un espectáculo teatral.
Es un Acto de Justicia, un Hecho Revolucionario, un Alarido Social. Necesario, imprescindible, obligatorio, urgente.
Hablando de la muerte es un soplo de vida.
Exponiendo el horror honra la valentía.
Susana Torres Molina escribió una obra mayor, desde las entrañas hacia las entrañas. Y todo el elenco -Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado, Juan De Rosa, José Mehrez y Guillermina Etkin-, acompaña con altura esa épica. Ese texto no podría haber encontrado mejor director que el inmenso Juan Pablo Gomez que le imprime al espectáculo un ritmo entre subyugante y sórdido, entre vertiginoso y calmo, con una puesta de permanente doble lectura que atraviesa tiempos y distancias.
El elenco interpela y conmueve poniendo al espectador en el centro de la escena, obligándolo -casi- a tomar partido durante el desarrollo de la historia.
Vale destacar la elección de este material para que forme parte de la programación del Teatro Nacional Cervantes. En estos tiempos aciagos, un encuentro con nuestra historia más negra para dignificar a nuestra mejor generación desde el único teatro nacional con el que cuenta el país, es a mi entender un hecho histórico.
Esa generación entregó la vida luchando por un mundo mejor y merecía este homenaje, este espacio de reflexión, este sitio de discusión.
Por último, desde la platea se agradece que sea el Arte como política cultural quien nos advierta que una vez más estamos en peligro.
"Un domingo en familia". No se la pierdan.

¡¡¡COMPAÑERO ROBERTO QUIETO!!!!
¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

30000 COMPAÑEROS DETENIDOS DESAPARECIDOS:
¡¡¡¡PRESENTE!!!! ¡¡¡AHORA Y SIEMPRE!!!!

Stella Matute

Ficha técnico artística:

Autora: Susana Torres Molina
Actúan: Anabella Bacigalupo, Juan De Rosa, Lautaro Delgado Tymruk, Jose Mehrez
Vestuario: Roberta Pesci
Escenografía: Paola Delgado
Iluminación: Patricio Tejedor
Música original y música en escena: Guillermina Etkin
Asistencia de escenografía: Verónica Copello
Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi
Asistencia de dirección: Esteban de Sandi Sansiviero
Producción: Lucero Margulis
Dirección: Juan Pablo Gómez

De jueves a domingos 21 hs. 
TEATRO NACIONAL ARGENTINO - TEATRO CERVANTES
Libertad 815 
C.A.B.A. - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

El regreso del glóbulo

José María Firpo fue un maestro de escuela nacido en Paysandú, Uruguay. A los 16 años se trasladó a Montevideo donde ejerció su oficio de docente en diversas escuelas primarias, fundamentalmente de varones. Su labor nunca quedó circunscripta al aula, sino que también se prolongaba fuera de ella acompañando la vida personal de sus alumnos, siguiendo sus pasos, gozando y sufriendo sus éxitos y sus fracasos.

Durante toda su trayectoria, recopiló dichos tanto de alumnos como de madres y padres y esa recopilación fue editada en un libro que llevó por título “Qué porquería es el glóbulo” en referencia a comentario de uno de sus estudiantes en clase. La aguda observación y el profundo amor que Firpo profesaba por su actividad y por sus alumnos, están volcados en ese compendio tan respetuoso como fresco y divertido.

Hace ya bastante más de treinta años, el Grupo de Teatro Los Volatineros, dirigidos por el maestro Francisco Javier, llevó a escena una versión de ese libro con gran éxito de público y critica.

Desde principio de mayo,  otro equipo teatral ha llevado nuevamente al escenario ese divertido material -concentrándose sobre todo en los dichos de la infancia-, y el resultado es un cálido y divertido espectáculo que nos retrotrae a la niñez y con ella al mágico mundo de la escolaridad primaria.

La versión pertenece ahora a Héctor Presa quien también está a cargo de la dirección. La excusa es el reencuentro de cuatro compañeros de una escuela primaria después de 45 años de egresados. En la emoción de ese encuentro, los temas que los ocupan en la actualidad los retrotraen en el recuerdo a aquellos días de clases y recreos, de actos, de peleas, de amores, de buenas y malas notas. Y en esa remembranza aparecen las hilarantes frases del libro del maestro Firpo. Susana Arata, Susana Presa, Claudio Provenzano y Miguel Rur son los responsables de encarnar a esos adultos llenos de nostalgia y ternura. Es un elenco sólido y sensible que lleva de la mano al espectador hacia sus propios recuerdos transitando una singular y creativa propuesta.

Se ofrece los viernes a las 21 en el Teatro del Pasillo. Un espectáculo sencillo, austero y entrañable para pasar un momento muy entretenido que deja en los espectadores una sonrisa llenita de morriñas y muy duradera.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística

Actúan: Susana Arata, Susana Presa, Claudio Provenzano, Miguel Rur

Música: Fragmentos de canciones patrias

Versión, puesta en escena y dirección: Héctor Presa

TEATRO DEL PASILLO
Colombres 35 - CABA

Viernes de mayo y junio, 21 hs. 

Informes: La Galera - 4771-9295 - info@lagaleraencantada.com.ar

"El lindo Don Diego" o un equipo que promete y cumple

Poner en escena hoy una comedia de enredos escrita en 1654 es un acto de alegre valentía. Y hablar hoy sobre el narcisismo y la vanidad podría leerse casi como un acto de resistencia. En el CCC se ha estrenado una versión de “El lindo Don Diego”, de Agustín Moreto, dirigida con su mano maestra por Santiago Doria, quien ya nos tiene acostumbrados a su ingenio y talentos.  

La obra gira en torno al vanidoso Don Diego que le da nombre al título y se convierte en una metáfora de esta sociedad enloquecida que parece reflejarse en un espejo deformante donde se ve inmensamente hermosa cuando en realidad es ridículamente estrafalaria, tenebrosa y demencial. Tal vez sea esta una interpretación caprichosa de quien suscribe, pero fue a ese lugar al que me llevó la lectura entre líneas de este brillante y divertido espectáculo.

En la historia, Don Diego y Don Mendo llegan a Madrid requeridos por Don Tello su tío para tomar como esposas a sus primas Doña Inés y Doña Leonor. Don Juan, enamorado de Inés, se entera de los proyectos de Don Tello de casar a su hija con su sobrino Don Diego, un rival estúpido fanfarrón y petulante. Con la ayuda del sirviente Mosquito, tejen un enredo para que el Lindo rechace a Doña Inés por emparentar con una rica condesa viuda, que no es otra que la prometida de Mosquito y empleada doméstica de la casa. La obra acaba con un final feliz y un escarmentado Don Diego.

Con una extrema economía de recursos y apoyándose “solo” en el vestuario y el talento de sus actrices y actores, Doria consigue una vez más -con casi idéntico equipo- lo que ya había logrado en su puesta anterior (La discreta enamorada, que le valió varios premios): recrear la época, entretener y divertir.

Cada integrante del elenco exprime el jugo de su personaje imprimiendo brillo, ternura y desopilante gracia a cada uno.

Gabriel Virtuoso, Andrés D´Adamo, Mónica D´Agostino, Ana Yovino, Pablo Di Felice, Irene Almus, Francisco Pesqueira y Gastón Ares son los responsables de dar vida a los desopilantes personajes y entablan un verdadero duelo de talentos.

Un equipo que ya puede decirse que está constituido como Grupo de Repertorio se supera a sí mismo con este trabajo.

"El lindo Don Diego" es un original espectáculo que ningún amante del buen teatro puede perderse. Están ofreciendo sus funciones los domingos a las 19 en el Centro Cultural de la Cooperación antes de partir hacia España para presentar los dos espectáculos que ya tienen en su incipiente y exultante inventario. Como no hay dos sin tres, ya nos ponemos a esperar el próximo proyecto de este equipo de talentosos conducidos por un maestro.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística

Actores y actrices: Irene Almus, Gastón Ares, Andrés D´adamo, Mónica D’agostino, Pablo Di Felice, Francisco Pesqueira, Gabriel Virtuoso, Ana Yovino

Vestuario: Maydée Arigós

Iluminación: Horacio Novelle, Sebastian Ochoa

Música: Gerardo Gardelin

Fotografía y diseño gráfico: Fernando Lendoiro

Asistencia de dirección: Jazmin Rios

Prensa: Haydeé Marocchi

Producción ejecutiva: Rosalía Celentano

Dirección: Santiago Doria

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 - C.A.B.A.

Teléfonos: 5077-8000 int 8313

Entrada: $ 350,00 - Domingo - 19:00 hs 

Del 05/05/2019 al 30/06/2019 

"Lo torcidito" o la importancia de Ser

"Eva se enfrenta al que dirán

firme al timón como buen capitán..."

(Silvio Rodriguez)

Los ladrillos se han fabricado para ser usados en la construcción de muros, paredes y pilares. La mayoría de las veces los muros, las paredes y los pilares se construyen para dividir y limitar aunque muchas otras también son para sostener y aguantar.

En “Lo torcidito”, la obra de Diego Parra que dirige con sensible maestría la multifacética Cristina Merelli, los ladrillos son la excusa para hablar más bien de una deconstrucción que de una construcción. Y en forma paradójica para contarnos una historia en la que la protagonista deja de sostener y, sobre todo, de aguantar.

En el escenario está Eva, “la bíblica, no la política” se apresura a aclarar. Eva. Que ha elegido ese nombre a escondidas de su madre, y a escondidas del mundo todo, pero que quiere decirlo, gritarlo y aullarlo en el dolor profundo de parirse a si misma. Ella, justamente, que no puede parir.

"Lo torcidito" habla de mandatos y elecciones. De silencios y sufrimientos.  De construcciones y deconstrucciones. De luces y sombras. De compañias y soledades. Pero por sobre todas las cosas habla de una persona que necesita afirmarse en forma definitiva en su Ser. En el Ser que elige para construirse feliz. En el Ser que siente desde siempre que ES, aunque su biología diga otra cosa.

En la función que brindaron en el espacio "Bajo la higuera" de la ciudad de Buenos Aires, Eva y sus ladrillos no tuvieron tregua ninguna bajo la luz del sol de mediodía. Eva parecía derretirse mientras nos concedía el privilegio de asomarnos a su valentía. Y parecía que ese derretirse bajo el sol convertía su relato en ceremonia, en celebración de revelaciones. Aunque seguramente en cada espacio donde lo ofrezca encontrará ese destino.

Haciéndose cargo de su tesón, por momentos es el autor de la obra quien desde el escenario le habla a una platea que recibe su historia con emoción muda. No se sabe quién de les dos pide un abrazo promediando el devenir. Pero dan ganas de abrazarle para siempre.

La ficha técnica del espectáculo dice que el autor de la obra es Diego Parra y que la actriz que interpreta es Eva Parra. Y Eva se llama el personaje que interpela con su valentía diciendo: "Esto no se trata de maquillaje, ropa ni cirugías. Esto se trata de algo que está aquí y es inalterable". Lo asegura tocándose el pecho. Tal vez sea por eso que en la platea espectadoras y espectadores quedamos sumergidos en un mar de brutal honestidad.

Si se enteran de que en algún lugar cercano la están ofreciendo -puede ser en cualquier sitio porque andan de gira-, no se la pierdan. Uno se siente mejor persona después de haber visto y escuchado a Eva Parra encarnar el texto y exhibir el alma de Diego Parra.

FICHA TÉCNICA:
Autor: Diego Parra
Actriz: Eva Parra
Luces: Juan Carlos Sarapura
Asistencia: Telma Jerez
Dirección: Cristina Merelli
El encendedor rosa -Teatro

Stella Matute

Día Mundial del Teatro: Una luz para la oscuridad del Teatro Alvear

UNA LUZ PARA LA OSCURIDAD 

DEL TEATRO ALVEAR

27 de marzo: Día Mundial del Teatro. 20 hs.

¿Te acordás que en 2016 encendimos velas para llevar luz al cerrado Teatro San Martín? ¿Lo hacemos ahora en el Teatro Alvear? 

Ante la evidente falta de información sobre la apertura del Teatro Presidente Alvear, cerrado desde hace más de cuatro años, el miércoles 27 de Marzo -Día Mundial del Teatro- a las 20 horas, te invitamos a poner una vela, o cuantas quieras, encendida dentro de un frasquito, para iluminar las puertas de ese mítico espacio en riesgo.

No habrá identificaciones políticas. Te proponemos sólo un hecho: dejar velas encendidas a las puertas del teatro, un aplauso e irse. A las 20 hs., el 27 de Marzo -Día Mundial del Teatro-.

Si estás de acuerdo multiplicalo. 

Que la luz sea mucha para que se vea.

Sugerimos ir con vestimenta blanca o negra.

TEATRO PTE. ALVEAR - Av. Corrientes 1659

Clara Argüello - Actriz

Virginia Casabonne - Bailarina

Mónica Kerszberg - Profesora de yoga

Stella Matute - Actriz

Graciela Ramírez - Actriz, asistente de dirección

Ita Saldumbide - Actriz, profesora de yoga

Mónica Santibañez - Actriz

Tatiana Souza Korolkov - Productora 

ADHIEREN:

Taty Almeida - Madre de Plaza de Mayo

Fernando Finvarb - Ex Diputado de la Ciudad

Luis Ziembrowski – Actor

Teresa Parodi – Cantora

Osmar Nuñez – Actor

Olga Cosentino- Periodista, escritora, investigadora teatral

Ana Seoane - Periodista, crítica de espectáculos

Adrián Stoppelman - Humorista 

Roberto Tito Cossa - Autor

Bernardo Carey - Autor

Gabriela Radice - Periodista, locutora 

Víctor Agú - Autor 

Ingrid Pelicori - Actríz 

Adriana Zerdin Zafrann - Periodista, asesora legislativa 

Héctor Alvarellos - Actor, director teatral, director del Grupo La Runfla

Grupo de Teatro Callejero la Runfla

Grupo Comediantes de la Legua,

Emilio Cartoy Diaz - productor, director, docente

Eduardo Pacha Paglierii - Actor, titiritero

Cris Escofet - Dramaturga, directora teatral

Susana Di Geronimo - Actriz, directora teatral, docente

Susana Beatriz Delgadoo - Artista plástica

María Mercedes Di Benedetto - Guionista, escritora

Ricardo Cardoso - Dramaturgo

María José Gabin - Actriz  

Marcela Bublik - Cantante, escritora

Alicia Naya - Actríz

Hernán Morán - Actor, director teatral, dramaturgo

Miguel Mato - Cineasta

Sergio Omar Lopardo - Actor, director teatral, dramaturgo 

Fernando Musante - Actor, cineasta, escritor

Celeste Gerez - Actríz

Emiliano Samar - Actor, director teatral, docente

Orlando Santos - Actor, director teatral, docente 

Mirta Mato - Actríz

Susana Machini - Actríz 

Patricia Guillermina Rozas - Actríz

Hilda Smargiassi - Bibliotecaria, docente

Jacqueline Sigaut - Cantante, docente

Pablo Porcelli - Músico

Isabel Martínez - Artista plástica

Lautaro Matute - Músico 

Susana Figueroa- Actríz 

Julio César Santamaríaa - Cineasta

Victor Schajovitsch - Periodista

Kitty Hallan - Dramaturga 

Marcela Motta - Artista plástica

Miriam Martino - Actríz 

Lidia Catalano - Actriz

Sandra Luna - Cantante, docente

Elida Mazo - Arquitecta, docente UBA

Cristina del Piso - Actríz 

Sandra Ruso - Actríz 

Jorge Duca - Actor 

Pablo Navarro - Actor

Vicente Basili- Productor Audiovisual, Diseñador de Imagen y Sonido.

Irina Pereyra. Artista Audiovisual, Diseñadora de Imagen y Sonido 

Marcelo Bucossi - Actor 

Alfredo Martín - Actor, director, dramaturgo, psicoanalista

Ruben Segal - Actor, director

Susana Toufeksian - Actriz 

Noemí Najles - Pscóloga, cantante

Carlos Alberto Rillo Branca

Mara Berlocq - Actriz 

Cristina Allende - Actriz 

Lucía Vassallo - Directora de cine- Dicumentalista, DAC

Fernando Marticorena- Director de Fotografía - ADF

Bárbara Vitantonio - Periodista 

Virginia Franganillo - Sociologa, Dirigente Politica, 

Fernanda Gil.Lozano - Historiadora UBA,, Parlamentaria del Mercosur. 

Marita Ponte - Dirigente Politica 

Cristina Murta - Actriz

Alejandro Mateo - Escenógrafo, vestuarista, director teatral

Juana Karsh - Actríz

Francisco Pesqueira - Actor, cantante

Mario Mahlerr - Actor 

Alicia Werber - Psicóloga 

Silvina Macri - Productora ejecutiva, fotógrafa

Horacio Banega - Doctor en Filosfía, actor, director teatral

María Ester Camaño estudiante de teatro, de canto 

Daniel Loisi - Actor, director teatral

Laura Diaz Olmos - Periodista y traductora

María Maria Ibarreta - Actriz

Mónica Raffo - Psiquiatra, espectadora

Horacio Roca - Actor

Julio Martinez 

Ana Keller

Gabriela Bianco - Barbara Posesorski

Raúl Brunel - Espectador

Virginia Lombardo - Actriz, directora

Mirta Busnelli - Actriz

Alejandra Aristegui - Actriz, directora teatral

Ana María Castel - Actriz

Rodolfo Braceli - Escritor y periodista

Maruja Bustamante – Dramaturga, actriz

Leonor Lipszyc

Valentina Bari – Vestuarista

Diana Donayre – Bibliotecaria, docente

Tony Lestingi – Actor, director teatral

Elena Petraglia – Actriz

Gabriela Fiore – Dramaturga, guionista, actriz

Antoaneta Madjarova – Titiritera

La hormiga teatro 

Alejandra Rodriguez – Actriz, titiritera

Luiana Ligorio  - Actriz

María Dolores Pedemonte – Actriz

Cecilia Gispert – Actriz

Ivonne Bedoya – Actriz

Beatriz Spelzini – Actriz, docente teatral

Gabriel Abayú – Actor 

Noemí Prats 

Norberto Barleand – Poeta

Daniel Zaballa - Actor, director teatral

Julio Posse 

Adriana Brawn - Psicóloga

Raúl Delgado - Actor, poeta

Gabriel Rovito - Actor, director teatral

Elsa Burgi

Ale Garcia - Productora Teatral.

Julia Perie - Parlamentaria Mercosur por Misiones

Maria Nydia Ursi Duco - actriz

Esther Diaz - Filósofa

Luciana Abad - Cineasta

Ernesto Ocampo Rios - Actor

Ana Quiroga - Sociologa Gobierno de la Ciudad

Gustavo Adolfo Carbonell  - Documentalista

Hugo Serruto - Actor

Zunilda Gonzalez - Actriz, productora

Frida Kaplan - Eutonista, actriz

Silvia Bermudez

Carlos Zárate - Periodista, productor teatral

Marta Speroni - Militante internacionalista

Fernando Madanes - Actor

María Ibarreta - Actriz

Horacio Roca - Actor

Cachita Hernández - Actriz

Alba Liliana Riga

Norberto Gonzalo - Actor, director teatral

Jorge Horacio Alvarez - Director de teatro y televisión

Carlos Veiga - Director, coreógrafo, autor

Laura Azcurra - Actriz

Rodrigo Ures - Autor

A P D E A - Asociacion Profesionales Dirección Escénica Argentina

Fito Yannelli - Actor, director

Berta Eugenia Falicoff- Abogada Jubilada y Militante

Carla Solari - Actriz, docente teatral

Manuel Illescas - Gerente comercial de Data Express

Rosa Celentano - Directora

Julieta Grinspan . Actriz, directora
Carlo Argento - Actor, director teatral
Linda Peretz - Actriz
Nayla Pose - Docente, actriz, directora
El Brío teatro
Eduardo Echániz - Periodista, ilustrador
Brenda Fabregat- Actriz, bailarina
Elba Anaya
Abogadxs Culturales
Andrea Conde - Legisladora por Nuevo Encuentro

Para sumar su adhesión, escribir a: tenertealtanto@gmail.com

http://argentores.org.ar/noticias/general/1327-una-luz-para-el-teatro-alvear

"Estrella", fácil o imposible

Estrella se desnuda ante la gente sin quitarse prenda alguna.

Estrella se hace querer a los diez segundos de conocerla, y nadie podrá explicar el por qué.

Estrella, tal vez, esté purgando un duelo con perfume de naranjas.

Estrella, quizá, trate de entender por qué algunas veces “lo mejor es tenerlo” y otra “lo mejor es sacártelo”.

Estrella recuerda, y lo hace como si no fuese cierto ese recuerdo, que alguna vez le dijeron linda.

Estrella admira a ese artista de su pueblo que, después de hacer maravillas con retazos de telas, se esconde para ejercer su absoluto yo. Pero Estrella no puede más que admirarlo, o mejor expresado ella no puede más.

De todos estos temas habla “Estrella”, el personaje -y el espectáculo- escrito y actuado por Juan Pablo Geretto, quien además está a cargo de la co-dirección junto a Virginia Martinez.

Parece increíble, pero es así. Y lo hace, a un ritmo y un “tempo” obsesivo que evoca al “ostinato” implacable del Bolero de Ravel, para hablarnos de las bondades de los productos cosméticos de la firma Avon, de sus fragancias, de los colores de sus “rouges” -otrora pintalabios-, de su política de méritos y la anhelada posibilidad de alcanzar un espacio en el brindis anual, lo que también la angustia.

Estrella habla y su voz hace aparecer sumidos en la monotonía de la vida de pueblo, el aborto, la homosexualidad, el amor, el desamor, los secretos familiares, la frustración, Antonio Banderas, la mentira, la televisión, el tedio, Maradona y la Claudia, Jorge Donn, la falta de oportunidades, los mandatos, el lavado de cerebros, la educación, el aburrimiento, lo sencillo, lo complicado, el buen gusto, el autoritarismo, y más…

Estrella nos habla de todo esto, y Geretto lo hace con una facilidad que deslumbra. 

Parece muy difícil lo que hace y logra el talentoso Juan Pablo Geretto sobre el escenario, pero como decía Rubén Juárez –otro artista único– lo que hace Geretto: “no es difícil, es fácil o imposible”.

Ficha técnico artística:

Idea y autoría: Juan Pablo Geretto

Dramaturgista: Virginia Martinez

Actor: Juan Pablo Geretto

Iluminación: David Seldes

Estilismo: Diego Finos

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño y realización de maquillaje: Juan Gasparini

Diseño de vestuario: Magda Banach

Realización de vestuario: César Taibo

Fotografía: Alejandra López

Asistencia de dirección: Maru Reinoso

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección:

Juan Pablo Geretto, Virginia Martinez

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 C.A.B.A.

Teléfonos: 4862-0655

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 - Sábado - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 / $ 350,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 31/03/2019 

Entrada: $ 450,00 - Domingo - 21:00 hs - 03/03/2019 

La levedad de lo inalterable

Porque no hay nada oculto que no haya de ser manifestado; 

ni escondido, que no haya de salir a luz.

(Marcos, 4:22)

El jaspe es una roca. La roca es el material menos vulnerable y que mejor se conserva. En una cajita de jaspe “la que vendría a ser Elena”, según su decir, abriga secretos de su vida. 
“La que vendría a ser Elena” es la Señora de Federici o Elena Klimek o Sheine Lewy y a la vez una mujer que sufre sin atreverse a asomarse a su sufrimiento, una sobreviviente del horror que guarda sus secretos en un lugar que considera inalterable. 
Pero comete un error y, ya sabemos, que a veces un error -un solo error- nos puede costar caro. A partir de ser descubierta en un centro comercial robándose un perfume, ella irá develando las capas de su historia removiendo las aguas más densas y profundas de su memoria. Así, frente a desconocidos e intentando esquivar las acusaciones dirá por primera vez en su vida cuál es verdaderamente su origen. Ese origen que conserva, imperturbable, en su cajita de jaspe, en su invulnerable cajita de roca. 

Susana Di Gerónimo encarna a esta mujer inimputable y apesadumbrada con una sensibilidad que permite al espectador acompañarla en ese viaje íntimo y sin tiempo por su inconsciente. Los 55 minutos que dura el espectáculo pueden ser segundos o décadas para ella y para quienes asisten a esa confesión desesperada y desesperante. Sin embargo, no faltan el humor ni la ternura. Ni la invitación implícita a que cada uno haga su recorrido por la propia cajita de jaspe, por los propios olores que intentan taparse con perfumes, ya sean robados o comprados.
Un texto atractivo e intenso (Patricia Suarez), una dirección minimalista (Herminia Jensezian), una actriz talentosa (la ya mencionada Susana Di Gerónimo) y un espacio ideal (Tadrón Teatro) dan como resultado un espectáculo emotivo, con carácter de homenaje, que -sin duda- prestigia la cartelera porteña. 

Ficha técnico-artística:
Autora: Patricia Suárez
Actriz: Susana Di Gerónimo
Asistencia de dirección: María Laura Laspiur
Prensa: Simkin & Franco
Producción ejecutiva y fotografía: Silvina Macri
Dirección: Herminia Jensezian


TADRON TEATRO Y CAFÉ
Niceto Vega 4802 - C.A.B.A.
Teléfonos: 4777-7976
Web: http://www.tadronteatro.com.ar

Entrada: $ 250,00 / $ 180,00 - Domingos, 19:30 hs 

TWEED -entre lo áspero y lo suave-

No hay nada mas bello

Que lo que nunca he tenido

Nada mas amado que lo que perdí

(Joan Manuel Serrat)

El “tweed” es un tejido de lana virgen escocesa, que es de textura irregular y peluda y tiene un aspecto rústico pero suave al tacto; se caracteriza por su jaspeado y por ser un tejido cálido, fuerte y resistente al desgaste.

“Schneider” es un apellido de origen Judeo-Aleman de la familia Ashkenazim; apellido que hace referencia en idioma Yidish, e inlcluso aleman, al oficio de Sastre muy practicado dentro de los Guettos alemanes. En español se traduce como sastre, pero se lo relaciona con el sastre cortador -con el sastre remendón- más que con el oficio de sastre refinado.

Entre estas dos definiciones podríamos encuadrar una reseña sobre TWEED, el espectáculo con texto de César Dominguez que protagonizan Héctor Bidonde y Silvia Kaurderer y que dirige -exquisitamente  por cierto- Fernando Alegre.

Es difícil hablar de Tweed porque Tweed habla fundamentalmente del desamor, ese embustero. Y el desamor siempre propone, como mínimo, una trampa.

Una escalera que nos lleva a un sótano. Un sótano desbordado en telas, harapos, zurcidos y costuras.  Una cueva llena de añoranzas descosidas, impregnada de ausencias y recuerdos. Un Schneider que remienda olvidos, que hilvana tristezas y rencores. Un Schneider que se lleva bien con el Tweed, porque se identifica con su aspecto rústico y, quizá, sobre todo, con su resistencia al desgaste.

Abraham Schneider es el protagonista absoluto de esta historia. Un sastre remendón que hace honor a su apellido y que llegó de su Polonia natal a la gran y prometedora América, más específicamente a Buenos Aires. Allí (aquí) tuvo que adaptarse pronto a nuevos hábitos que lo cotidiano le exigía; a las miradas desconfiadas, al apodo de “Rusito”. Pero más temprano que tarde también se hizo popular por su oficio y le dedicó su vida al trabajo honrado. Se enamoró, se casó, tuvo una hija, pero su obcecada personalidad forjada en privaciones y esfuerzos lo fue condenando a la soledad de su sótano, aguja en mano. El abandono de su mujer lo volvió aún más áspero y ermitaño; más esquivo y parco. Y en cuanto pudo, también su hija se fue, estigmatizándolo en osco y odioso.

Treinta años más tarde, por esa misma escalera que nos llevó al sótano baja una mujer madura que llega en busca de respuesta a sus añejas preguntas. Ruth, la hija, ha regresado. Y por momentos parece que esa misma escalera nos llevara a la profundidad de sus corazones y al sótano de nuestra memoria.

Reclamos, reproches, sermones, enojos, se mezclan con recuerdos, deseos y vanas esperanzas de un reencuentro difícil de alcanzar. Y mientras padre e hija van deshilvanando rencores, los espectadores nos convertimos en fisgones de ese vínculo repleto de amarguras, habilitándonos a ser protagonistas de recuerdos que nos pertenecen, de las propias cuentas pendientes y de íntimos y genuinos desamores. Desamor, ese embustero.

Abraham y Ruth enarbolan sus banderas de tweed. Ásperas, irregulares, rústicas, pero también -y en el fondo del corazón ambos lo saben- suaves al tacto. Porque son banderas de desamor, ese embustero. Porque todo desamor es la exacta contracara del amor. El camino del desamor, ya lo sabemos, tiene amor en los bordes. Así como el tweed, tan áspero en su aspecto, tiene suavidad en el tacto.

Héctor Bidonde encarna a un Abraham Schneider exacto. Y en él se encuentra, seguramente, con las cuentas pendientes con su padre o de las de su padre con su abuelo. Algo ancestral sobrevuela esa actuación cargada de una intensidad que ahoga y libera. En la platea puede palparse claramente, o al menos así sucedió el día que quien escribe estuvo allí, la catarata de recuerdos que armaba una constelación colectiva vivencias comunes y añejas, propias y ajenas.. Bidonde emociona, enoja, provoca, enternece, vibra y hace vibrar.

Lo acompaña una eficaz y comprometida Silvia Kauderer en el rol de Ruth. Fría, calculadora, llena de dolor, mantiene con ese padre una distancia insalvable que desea atravesar, pero no puede. Contenida, profunda, logra el contrapunto exacto.

La dirección de Fernando Alegre es de una precisión impactante. Vulnerando el espacio de la sala teatral logra que el espectador espíe el sótano y lo habite. Y el sótano es ese espacio lleno de telas, maniquíes, hilos, cajas llenas de memoria, olvidos a flor de piel y también es el corazón de cada uno de los personajes y el de los mismos espectadores. Ayuda en extremo la creación de climas, la acertada y exquisita música original del consagrado Emilio Kaurderer.

Acogedor espectáculo, sobre la obra de César Dominguez, que acuna pasados y repara presentes. Que convierte al desamor (ese embustero) en lo que es: la otra cara del amor (ese tenaz).

No se lo pierdan.

(Stella Matute)

TWEED

Ficha técnico artística

Autor: César Domínguez

Actúan: Héctor Bidonde, Silvia Kauderer

Músicos invitados: Manuel Perez Vizcan

Vestuario: César Domínguez

Escenografía: Fernando Alegre, César Domínguez

Diseño de luces: Fernando Alegre, César Domínguez

Música original: Emilio Kauderer

Fotografía: Andrea Spirito

Diseño gráfico: Ariel Panicali

Producción ejecutiva: Ale Garcia, Carlos Zárate

Puesta en escena y Dirección general: Fernando Alegre


Paternal Teatro 
Nicolas Repetto 1556
Teléfono: 4584-8703

Sábado 21 hs y Domingos 19 hs
Entrada general: $250

MAMBA o de la infancia. Una experiencia sobre la guerra y la niñez

Un niño de unos cuatro años entra a un bar a pedir monedas. Recibe un NO por cada mesa.
¿Cuánto tardará ese niño en ser adolescente? ¿En ser adulto? ¿Llegará a la adolescencia? ¿Llegará a la adultez?
Una niña defiende su bolso del arrebato de un soldado en medio de una guerra. El soldado apunta y dispara. Una fotógrafa escondida también dispara su cámara. La niña muere.
Un niño cruza el mar en una balsa escapando del hambre. La balsa se hunde. La imagen del cuerpo del niño sin vida en una playa recorre el mundo como una estampita del horror.
¿Cuántos combates enfrenta la niñez? ¿Cuántos frentes hostiles la aniquilan?
La niñez es asesinada en las guerras y también de hambre y  también de frío. También mueren niñas y niños en manos de pedófilos.
La niñez y la muerte
La niñez y la injusticia
Mamba o de la infancia nos enfrenta a estos temas. Y lo hace con poesía y con feroz ternura.  Mamba o de la infancia habla de la guerra y de los niños, de la guerra y de las niñas. Y de las madres. Y de las médicas. Y de las enfermeras. Del terror, del horror y también de la esperanza.
Y la esperanza deberá construirse cuidando la niñez. Respetando de verdad los derechos de los más pequeños. En las guerras y en las calles. En las escuelas y en las casas. En las plazas, en los bares. Cuidándolos de los adultos que alguna vez fueron niños y lo olvidaron.
Cuidándolos no “en” las guerras sino “de” las guerras.
Mamba o de la infancia fragmenta el relato y nos fragmenta. Desordena el espacio y nos desordena las emociones. Arroja un alarido desesperado a favor de la paz y nos interpela.
Fernando Alegre es el responsable de una puesta tan conmovedora como feroz. Tan tierna como desesperada. Tan angustiante como esperanzadora.
Ojalá pudieran ofrecerlo en escuelas. Es una experiencia que muestra y enseña. Que sacude y acuna. Que exige  y acaricia.
Y una experiencia así es necesario que la apoyemos con nuestra presencia en la platea. Porque es imprescindible hablar de algunas cosas.
Los domingos a las 19.30 en el Centro Cultural Borges.

Autoría:
Fernando Alegre, Beatriz Alvarez, Gloria Fiol, Trinidad Llaneza, Carolina Losicer, Miriam Torchia
Actúan:
Beatriz Alvarez, Gloria Fiol, Trinidad Llaneza, Carolina Losicer, Miriam Torchia
Vestuario:
Fernando Alegre, Pedro Muñóz
Escenografía y diseño de luces:
Fernando Alegre
Diseño sonoro:
Manuel Perez Vizan
Video:
Matías Erazo
Fotografía y diseño gráfico:
Fernando Briloni
Asistencia de dirección:
Eduardo Lázaro
Prensa:
Fóbicos Comunicadxs
Dirección:
Fernando Alegre

FERNANDO MUSANTE presenta su primera novela en Argentores

Fernando Musante, cineasta, publicista, director, escritor y socio de Argentores, presenta su primera novela “Breve manual de instrucciones para asaltar un banco”, editada por Grupo Editorial Sur, en el Auditorio de la mencionada Entidad.

Dice el editor: “¿Asaltar un banco y cambiar de vida para siempre? Esta sorprendente novela de Fernando Musante tiene la fórmula mágica. No se necesitan muchas cosas: un hombre descubriendo que no será feliz jamás, una mujer asesinada con sus propias medias de nylon, un detective venido a menos, cartas arrojadas a un mar de tangos y persecuciones, una travesía sólo comparable con la del Adán Buenosayres de Marechal, maldiciones, pecados, misterios y tragedias. Con eso alcanza en una ciudad en la que, a toda hora y en cualquier lugar, todo el mundo parece estar planeando asaltar un banco. Prosa exquisita, incomparable sentido del humor y del amor, profundidad filosófica para una atrapante trama barrial. En este "Breve manual de instrucciones para asaltar un banco", fuera de tiempo, de las corrientes posmodernas, de las relaciones que se deshacen a través de las redes sociales y se derriten en una pantalla, Musante muestra esa vieja forma de amar, ese viejo asalto.
Un asalto para cambiar de vida, para siempre.”

La presentación tendrá lugar en el auditorio Gregorio de Laferrère de Argentores, el viernes 1º de junio a las 19.  Participarán de la misma el cantante Jorge Bloise, la escritora Virginia Janza, el bandoneonista Nicolás Maceratesi, el locutor y periodista Ricardo Martinez Puente,  el escritor Daniel Sorin y la violinista Mayumi Urgino.

Por cuestiones de espacio se ruega confirmar la presencia a tenertealtanto@gmail.com

Luego de la presentación se ofrecerá un vino de honor. 

Fernando Musante (Buenos Aires, La Paternal, Argentina, 1947) es actor, dramaturgo, guionista y director de cine. Autor de las obras de teatro “Si yo fuera Buffalo Bill” (1982),  “El gran yeite” (2009), autor de las letras originales del musical “Homero, el color de la sudestada” (2016, trabajo por el que fue distinguido con el premio ARGENTORES en 2017 por sus canciones compuestas junto a José Luis Castiñeira de Dios), “Lotte, una singspiel al gouache” (sin estrenar) y “Gertrudis” (de próximo estreno). Director y coguionista de “Maten a Perón”, película estrenada en 2005 por la que recibió el Premio Oesterheld. Productor y realizador en video de: “La pasión de Don Juan”, “El señor Galíndez”, “Criminal”, “Cyrano”, “Los mosqueteros del rey” y “Salsa criolla”.

“Breve manual de instrucciones para asaltar un banco” es su primera novela.

CORAZÓN DE TITANIO, de Miguel Angel Diani

“De todo laberinto se sale por arriba” dijo Leopoldo Marechal. La frase de Don Leopoldo ancla en el mito de Dédalo, el arquitecto que creo el laberinto de Creta para encerrar al Minotauro. Allí debía quedar para siembre ese monstruo –mitad hombre, mitad toro– llamado Asterión,  que había nacido por causa de la irritación de Ariadna.

Claro que el rey Minos, para que nadie conociera el camino de salida, encerró también allí a Dédalo y a su único hijo: Ícaro. El mito, como tantos otros, llega hasta nuestros días de distintas maneras. La psicología, las artes y hasta la filosofía han hecho lo suyo para desentrañar las alegorías que contienen cada una de estas narraciones. El teatro, por ejemplo,  los ha tomado desde su nacimiento dando obras mayúsculas sobre todo en el campo de la tragedia. Y esto ha ocurrido desde los antiguos griegos hasta renacentistas y modernos y en “Corazón de titanio” Miguel Ángel Diani muestra que navega en esas aguas con singular pericia.

En “Corazón de Titanio” hay un héroe homérico digno ser parangonado con Aquiles, Ajax o Héctor que ha sido el faro que iluminaba a su hijo en la niñez, pero no lo vemos porque ha muerto tiempo antes. Eu hijo  guarda el recuerdo de su sonrisa como el único tesoro de su pasado. Tal vez la única posibilidad de reunirse con algo que evoque aquellos días de felicidad esté oculto en una suerte de “caja china” que guarda su madre. Vale decir que “Corazón de titanio”, como toda tragedia que se precie de tal, está atrapada en el laberinto de lo pretérito. Aquella imagen paterna del semidios que atesoraba una fuerza hercúlea entre sus maxilares fue abatida por la piorrea.

Locura, padre muerto y una madre que ha escondido durante años pecados entre los que habitan la infidelidad, el abandono y algún que otro homicidio también pueden recordarnos a algún otro personaje trágico un poco más cercano a nuestros tiempos y que hablaba inglés, no griego.

La cosa es que en “Corazón de titanio”, una madre y un hijo deambulan por ese laberinto de horrores en el que el humor y el desparpajo del dramaturgo los desnuda con sólida estructura narrativa y pluma impiadosa. Claro está que el excelente resultado obtenido también se asienta en otras patas, a saber: las magníficas interpretaciones de Julia Azar y Grabiel Nicola; la impecable mirada y dirección de Alejandra Galdame y las exactas decisiones a la hora de vestir a los personajes y diseñar el espacio escenográfico que ha estado bajo la responsabilidad de: Escenografía asociada; Eugenio Zanetti, Iván Salvioli y Cecilia Carini.

Nuestra opinión: Excelente.

FERNANDO MUSANTE

Ficha técnico artística: 
Autor: Miguel Angel Diani
Actúan: Julia Azar, Gabriel Nicola
Diseño de vestuario y escenografía: "Escenografía asociada" Eugenio Zanetti, Iván Salvioli y Cecilia Carini. 
Diseño de luces: Mariano Bruno
Video: Plano Tres Toma Uno, Lacio Splendiani
Música original: Luis Sticco
Fotografía: Plano Tres Toma Uno, Lacio Splendiani
Diseño gráfico: Alejandra de Dios
Asistente de sonido: Marina Fredes
Asistencia de dirección: Adrean Tirinato
Prensa: Alfredo Monserrat
Producción: Hnos. Warnes
Dirección general: Alejandra Galdame

TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943, C.A.B.A.
Teléfono: 4326-3606

Domingo - 20:00 hs. (PUNTUAL)

"BÁJAME LA LÁMPARA -concierto de palabras-" volvió a la cartelera en mismo día y horario

"Bájame la lámpara -concierto de palabras-", de Francisco Pesqueira cuenta a Carmen, Ana y Livia que son la nodriza de Alfonsina Storni, la empleada de Idea Vilariño y la asistente de Alejandra Pizarnik respectivamente.

A la vez son Lidia Catalano, Miriam Martino y Stella Matute contándonos sus historias. Tres mujeres que cuentan a tres mujeres que trabajaron con tres mujeres. Mujeres poetas, mujeres trabajadoras, mujeres actrices.

-¿Quién es quién?, suelen preguntarse los espectadores.
-Todas somos todas, contestan ellas.

Acompañadas por la exquisita Mirta Alvarez en guitarra y canto, ellas ofrecen un concierto de palabras. Que son cuentos, que son canciones. Que son poesía habitada.

Dirección y puesta en escena: Emiliano Samar

"BAJAME LA LAMPARA"
SÁBADOS A LAS 19 hs.
TEATRO IFT
Boulogne Sur Mer 549 - C.A.B.A.
Reservas: por Alternativa Teatral o andruwiderker@yahoo.com.ar - +54 9 11 6705-3981

Detrás de una gran mujer, suele construirse un gran hombre

Yo, Encarnación Ezcurra

de Cristina Escofet

Cuando una mujer se atreve a atravesar la frontera del mandato patriarcal y entra sin pedir permiso a mundos que son mayoritariamente masculinos, pasan cosas. Algo sucede. Y ese suceder incomoda. Así ha sido siempre. Aún hoy, aunque parezca que se va destejiendo el entramado de prejuicios que envuelve la presencia de una mujer en el mundo de la política. En cuanto una mujer se acerca al poder, de la forma que sea, enseguida se la tilda de fea, autoritaria, soberbia, cruel, arribista, entre otros muchos des-calificativos. Nuestra historia tiene varios ejemplos al respecto. Entre ellas está Encarnación Ezcurra, la brava esposa del General Don Juan Manuel de Rosas.

La dramaturga, y amiga queridísima, Cristina Escofet ya nos tiene acostumbrados a interpelarnos, provocarnos, incomodarnos, conmovernos  y emocionarnos con su mirada sobre personajes históricos. Así lo hizo con la potencia de su  “Bastarda sin nombre” y con su entrañable “Padre Carlos”. Ahora nos propone espiar a Encarnación en la intimidad de sus confesiones póstumas. 

Desde un escenario con escasos y exquisitos elementos, Encarnación nos cuenta de su bravura, de su amor, de su pasión, de su negritud, de su lealtad, de sus enojos, de sus sufrimientos, de sus frustraciones, de sus sueños, de sus ganas y desde todo eso nos habla del nacimiento de la Patria, de traiciones, de guerra, de injusticias y de luchas. El espectador entra de su mano a la Historia, y queda suspendido en un tiempo sin tiempo, que es Ayer y es Hoy. Escucha los gritos, huele la sangre, llora los horrores y ríe las ironías. Y por sobre todo, sufre las injusticias.

Encarnación es Encarnación y es muchas otras mujeres. Algunas muy conocidas y otras tantas olvidadas por la historia. Como ella, que ayudó a construir al líder y murió postergada por las leyes de su tiempo y las trampas del poder.

Para ingresarnos en este relato, Cristina Escofet contó con la perfecta “horma para sus zapatos”: Por un lado, con la siempre prolija y talentosa mano del director Andrés Bazzalo que con gran ascetismo, precisión y belleza reconstruye la época y provoca al espectador con una cercanía que intimida en la difícil sala de tres frentes.  Y por otro, con la descomunal Lorena Vega. Actriz  inmensa, dúctil, sensual, de la que sólo se me ocurre decir que: Encarnación Ezcurra encarna la bravura, la fortaleza, la valentía, la sensibilidad, los temores, la fuerza. Y Lorena Vega encarna a Encarnación.

Completan la espléndida e intensa hora que dura el espectáculo, un gran trabajo de ambientación y vetuario de Adriana Dicaprio y otro gran acierto del director: un trío de músicos que dialogan con la protagonista al ritmo de tambores y voces, interpretados por Agustin Flores Muñoz, Martín Miconi, Malena Zuelgaray.

La cartelera porteña puede sentirse privilegiada con “Yo, Encarnación Ezcurra” ofreciéndose los domingos a las 18 en el mítico Teatro del Pueblo.

STELLA MATUTE

Ficha técnico-artística

Autora: Cristina Escofet

Actúan: Lorena Vega

Músicos: Agustin Flores Muñoz, Martín Miconi, Malena Zuelgaray

Vestuario: Adriana Dicaprio

Diseño de luces: Soledad Ianni

Música original: Agustin Flores Muñoz, Sebastián Guevara, Malena Zuelgaray

Fotografía: Lucio Bazzalo

Diseño gráfico: Lucio Bazzalo

Asesoramiento artístico: Adriana Dicaprio

Asistencia de dirección: Pablo Cusenza

Prensa: Silvina Pizarro

Arreglos musicales: Agustin Flores Muñoz, Sebastián Guevara, Malena Zuelgaray

Dirección musical: Agustin Flores Muñoz

Dirección general: Andrés Bazzalo

Este espectáculo formó parte del evento: Semana del teatro independiente 2017

TEATRO DEL PUEBLO

Av Roque Sáenz Peña 943 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4326-3606

Entrada: $ 250,00 / $ 220,00 - Domingo - 18:00 hs 

BÁJAME LA LÁMPARA, de Francisco Pesqueira

En el derecho procesal existe la figura “generales de la ley”. Dice el código que es necesario que los jueces pregunten a los testigos de un hecho por su relación de parentesco, afecto o desafecto, o interés con los sujetos y asuntos sobre los que va a testimoniar; esto servirá a Sus Señorías para ponderar si cuestiones subjetivas afectan las declaraciones. 

Bien, sabiéndome comprendido por las generales de la ley  por motivos varios: lo admito y paso a comentar mi parecer sobre “BÁJAME LA LÁMPARA, Concierto de palabras” de Francisco Pesqueira.

Pesqueira bucea en la poesía de Alfonsina Storni, Idea Vilariño y Alejandra Pizarnik a través de las miradas de tres personas que –ficción mediante– habrían habitado la cotidianeidad de las poetas, con sus secretos, intimidades y hasta berrinches. Carmen (Lidia Catalano), es la nodriza de Alfonsina; Ana (Miriam Martino) es la empleada de Idea; y Livia (Stella Matute) la asistente de Alejandra. Las tres actrices despliegan sus excelentes interpretaciones acunadas con la exquisita música de la honda guitarrista, compositora y cantante Mirta Álvarez.

Emiliano Samar, el director de este espectáculo, ha conducido con mano maestra todas y cada una de las piezas de este montaje. Porque, y valga el juego de palabras, la puesta de Samar es una apuesta a la belleza. La economía de recursos jamás roza el minimalismo. Las actuaciones  conmueven cuando expresan dolores, emocionan cuando cantan y desbordan sensualidad cuando se entregan al jolgorio.

La decisión de “derribar la cuarta pared” fue innecesaria porque esa “pared” nunca se edificó. Cuando el público accede al foyer, Mirta Álvarez está sentada acariciando las teclas de un piano vertical que está ornado con un mantón tejido al crochet por magas manos de madre y un jarrón con flores que evocan otros territorios astrales. Las actrices ingresarán por el mismo camino que el resto de los presentes y se presentarán con sus nombres propios. De ahí en más en un mismo espacio compartido aparecerán relatos y representaciones.

Hay un lugar en común para las tres y ese terreno  “oniroide”, parece ser el discreto sitio dónde las nueve musas convidan a las actrices a navegar por las palabras de Alfonsina, Idea y Alejandra. La escenografía de Carlos Di Pasquo, el diseño de luces de Carlo Argento y el vestuario de Sandra Ligabue son sostenes de esta particular estructura dramática con  oximorónica mixtura de suavidad y contundencia.

–¡Alejandra… te extraño! –Clama Livia al borde del aullido. –Escribe tan bello, señora. Tan bello...  –murmura Ana que confiesa haber leído por primera vez a Idea. –Alfonsina… eso a Dios no se le hace. –Suplica Carmen ante lo inexorable. Insisto: me comprenden las generales de la ley, pero en mi defensa acudo a Kant y sostengo que hay una belleza universal. Una belleza que resiste la rigurosa mirada geométrica y sus derivas desde que parece ser fruto de un máximo ingenio producto de un algo incausado. Una belleza que suele habitar en la música y la poesía. Una belleza que hasta puede ser sublime cuando la roza la muerte. Una belleza que hallé en “BÁJAME LA LÁMPARA Concierto de palabras” de Francisco Pesqueira.

Fernando Musante

Ficha técnico artística

Autor: 

Francisco Pesqueira

Actúan: Lidia Catalano, Miriam Martino, Stella Matute

Guitarra y voz en vivo: Mirta Alvarez

Escenografía: Carlos Di Pasquo

Diseño de luces: Carlo Argento

Vestuario: Sandra Ligabue

Asistencia de dirección: Mabel Rosati

Producción ejecutiva: Andrea Widerker

Dirección y puesta en escena: Emiliano Samar

ESPACIO IFT

Boulogne Sur Mer 549 - Capital Federal

Teléfonos: 4962-9420 / 4961-9562

Entrada: $250,00 / Estudiantes, jubilados y grupos (10 o +): $125,00

Sábado - 19:00 hs